La Biennale de Venise (par Régine)

Venise est une fête ! Plus on connait cette ville magique plus on a de plaisir à la retrouver. Y démarrer son séjour par un grand tour sur le vaporetto n° 2 est pour moi incontournable. Partant de la Place St Marc il descend lentement le grand canal, vous permet d'admirer à loisir les magnifiques palais qui le borde, puis remonte la lagune entre le Zattere et la Giudecca, marque l'arrêt à St Giorgio et vous dépose à votre point de départ, la Place St Marc. En complétant cete prise de contact par un petit tour au Marché du Rialto, on se sentirait presque vénitien.

Cette fois-ci je n'étais pas venue pour Venise et ses peintres, Venise et ses églises, Venise et ses îles, mais pour Venise et sa Biennale d'art contemporain, étrangement appelée "Illuminations". Les commentaires dans la presse et les quelques interviews d'artistes m'ayant laissée sur ma faim, le besoin de m'en faire une idée personnelle m'obligea en quelque sorte à retourner dans cette ville mythique. Direction donc les Giardini et l'Arsenal.

Devant cette accumulation d'oeuvres venues du monde entier quelques constantes me sont apparues. Les installations, les vidéos sont omniprésentes et beaucoup d'objets sont détournés de leur usage ; les photos et la peinture sont quasiment absentes et lorsqu'il y en a elles sont intégrées dans une installation. L'art actuel n'est pas introspectif, c'est l'état de notre monde et les problèmes de sociétés qui sont les thèmes récurrents. Le sexe et le corps, omniprésents il y a quelques années, n'occupent plus le devant de la scène. Finies les oeuvres intimes, toutes ces installations nécessitent de grands espaces, mais à Venise et notamment à l'Arsenal, cela ne pose pas de problème. Les oeuvres sont ainsi beaucoup plus destinées aux musées et aux espaces publiques qu'aux particuliers. Les artistes sont bavards : de nombreuses oeuvres s'accompagnent de notices explicatives, d'archives, ou exposent et commentent dans des vitrines leur processus créatif. Le problème de la pérennité de leur travail ne parait pas être un souci majeur pour les artistes. En laisser le souvenir, éventuellement par quelques traces, ou par le biais d'un catalogue leur suffirait-il ? L'utilisation du miroir, de la vapeur d'eau, de la cire, de la résine, le recours aux nouvelles technologies sont récurrents. Enfin si la mondialisation se fait sentir dans les medium utilisés et les thèmes, chaque artiste l'exprime à sa façon en fonction de sa culture propre et de son histoire personnelle.

Entre Giardini et Arsenal, parmi l'abondance des oeuvres exposées, en voici quelques unes qui ont particulièrement retenu mon attention et qui illustrent les remarques précédentes.

Parmi les pavillons nationaux, aux Giardini, Mike Nelson a entièrement transformé celui de la Grande Bretagne en caravansérail abandonné (photo 1) ; on erre dans un dédale sombre où tout est rouillé, poussiéreux, misérable. Sur des tables ou des appentis traînent des travaux inachevés, des instruments cassés. (photo 2) Des matelas par terre suggèrent que ces espaces ont été squattés. Reflet tragique et poignant de la misère du monde, du temps qui passe, d'une époque révolue.

"Cristal et résistance" est le titre de l'oeuvre proliférante et délirante de Thomas Hirschhorn qui envahit le pavillon suisse. Le motif principal en est le cristal, qui, dit-il, grâce à ses multiple facettes, permet de voir les choses de différente façons. Avec cette oeuvre précaire, volontairement bricolée, faite de bric et de broc : bouts de verre, cristaux, papier d'argent, scotch, chaises tapissées de téléphones portables, vieilles télévisions, etc... (photos 3 et 4) Hirshhorn nous propose la vision d'un monde déglingué et une façon de l'interroger de manière totalement inattendue.

Avec "Hasard" ou "Chance" de  Boltanski, qui occupe le pavillon français, un long ruban de photographies de nouveaux nés parcourt rapidement un immense échafaudage (photo 5) ; parfois une sonnette retentit et le ruban s'arrête sur un des bébés et son visage apparait alors sur le moniteur d'un ordinateur. Il est choisi par le "hasard" pour le bien ou pour le mal, c'est le destin qui décide. C'est une oeuvre intéressante mais il est dommage qu'un artiste de la génération des années 1970, déjà mille fois consacré, ait été choisi pour représenter notre pays. N'y aurait-il donc aucun jeune artiste vivant actuellement en France ?

Jennifer et Guillermo Calzadilla sont les maîtres du détournement d'objet. Ils n'ont pas hésité à renverser un tank devant le pavillon américain (photo 6) et à installer un orgue à l'intérieur (photo 7). A la place du siège de l'organiste est installé un guichet d'où on peut, avec sa carte de crédit, tirer de l'argent. Chaque fois que quelqu'un opère, l'orgue se déclence et joue un air religieux. Critique virulente, mais un peu primaire, d'un système basé sur la force et la sacralisation de l'argent.

Dans le pavillon coréen, le miroir est utilisé de façon fascinante par Lee Yongbaek. Votre image se reflète dans 5 ou 6 d'entre eux accrochés dans la même pièce ; soudain ils explosent avec fracas et vous disparaissez dans les éclats de verre (photo 8). Rassurez-vous, ce n'est qu'une vidéo, mais très bien réalisée. Ailleurs, dans une grande glace votre propre reflet se superpose à l'image du Christ qui elle-même se transforme peu à peu en celle du Bouddha.

Peinture et video font bon ménage dans l'oeuvre du finlandais Vesa Pekka Rannikko. L'artiste s'active sur deux écrans géants ; sur l'un il tente de construire une perspective qui s'estompe rapidement, sur l'autre il recouvre inlassablement avec un rouleau enduit de blanc des dessins ou des gravures qui ne cessent de réapparaître. C'est beau, drôle et suggestif des rapports de l'un et l'autre medium.

Dans le pavillon belge aec "Feuilleton - les 7 péchés capitaux" Angel Veigara allie astucieusement images et peinture. Sur les 7 écrans de la grande frise qui constitue l'oeuvre défilent rapidement des images puisées dans l'actualité ; un pinceau les attaque et les barbouille rapidement de couleur. La peinture se fait dans le temps des images et fait surgir une nouvelle réalité de laquelle on a du mal à s'arracher.

Parmi les oeuvres qui prennent place dans l'immense pavillon central des Giardini, sous la surveillance d'une multitude de pigeons empaillés placés sur la charpente par Mauricio Catellan (photo 9) et du Tintoret dont quelques grandes toiles occupent la salle centrale, j'en citerai quelques unes qui échappent à l'air du temps. Les entrelacs infinis, faits au stylo bille de couleur sur de grandes feuilles de papier, de l'éthiopien Gedewon (photo 10) m'ont fait penser aux manuscrits irlandais du Moyen Age et la série des grandes tâches sérigraphiées de l'américain Christopher Wool à des planches agrandies du test du Rorschach. On découvre avec plaisir les beaux graphismes du français Guy de Cointet (photo 11) mort en 1983 et trop tôt oublié.

Des explications détaillées accompagnent la série de photos de David Godblatt, africain du sud. Les portraits qu'il a fait d'anciens détenus sont accompagnés de longs textes qui racontent leurs parcours (photo 12). Ce type de travail pose la question de la limite entre reportage photographique et oeuvre d'art.

A l'arsenal, l'installation du zurichois Urs Fischer est sans doute l'une des plus spectaculaire de la Biennale. Elle représente une grande statue du XIXème, dans le style de celles qu'on trouve dans les squares. A ses pieds l'artiste, en costume cravate, se tient debout (photo 13). Alentour plusieurs fauteuils de bureau sont dispersés. Tout est en cire à bougie (photo 14); ici ou là des mèches sont allumées, une grande partie de l'installation est donc fondue. Des bouts de statue ou d'objets gisent à terre. Dans la tête de l'artiste une flamme le consume de l'intérieur. Elle représente la fragilité de l'inspiration, la brillance des idées et la disparition. Le tout est une formidable métaphore du temps qui passe.


.Avec une multitude d'armoires à glace défraîchies à peintre différentes les unes des autres, le chinois Song Dong a construit un dédale de pièces d'habitation (photo 15)

. Elles entourent la structure laquée rouge d'une maison ancienne sur le toit de laquelle sont installés des casiers destinés aux pigeons (photo 16). Ces oiseaux, qui occupaient des petits espaces tous semblables, ont-ils, dans un jeu infini de miroirs, étaient remplacés par des êtres humains ?

Quant à Yuan Gong, il tente de réveiller d'énormes et inquiétants containers rouillés en en faisant échapper, à intervalle réguliers, d'immense jets de vapeur (photo 17).

De ce monde de désolation heureusement James Turell nous laisse entrevoir un petit coin de paradis. La beauté de son espace vaut bien l'heure d'attente pour y pénétrer. On y baigne dans une couleur impalpable et irréelle qu'on tente en vain de toucher. Bleue, rose, violette, elle évolue lentement et c'est un enchantement (photos 18 et 19).

"Illumi nations", ce titre à double entrée, choisi par Brice Cuniger, directrice artistique de cette 54ème Biennale de Venise, suggérerait-il à la fois que l'art est sensé éclairer notre regard sur le monde et que chaque nation le fait de façon différente en dépit de la mondialisation ?

Giuseppe Gabellone (par Sylvie)

Parallèlement à l'exposition de Xavier Veilhan, la galerie Perrotin présente les oeuvres de 2011 d'un autre artiste, italien celui-là, Giuseppe Gabellone, né en 1973, dont la subtilité du travail m'a enthousiasmée.

A côté de son très médiatique voisin il tient parfaitement la route. La diversité de ses recherches débouche sur un mélange technique aussi bien dans les oeuvres elles-mêmes que dans leur multiplicité. On pourrait croire qu'il se disperse. Il n'en n'est rien. Le rapport sculpture, photographie, sérigraphie est perceptible au premier coup d'oeil, favorise une attention particulière et ouvre sur un univers des premiers âges, pétrifié.

Des 32 tirages numériques je signalerai en particulier Fumo, en deux couleurs sur papier, cadre verre, 172x132x5cm. Une image extrèmement composée, en strates, qui peut faire penser à la capture d'un instant, dans certaines oeuvres du land-art. Sur le fond, un sol craquelé; posés approximativement aux quatre coins, des briques; par dessus s'étalent trois volutes parallèles de fumées dont on devine à peine qu'elles s'inscrivent sur une plaque de verre posée sur ces appuis. La troisième dimension, très présente,  le contraste des matières et les ombres rendent l'image troublante, à la fois tactile et évanescente.

Autre technique: les bas-reliefs (il y en a quatorze). Je les ai trouvé sublimes! Ils sont nés de moulages à la cire perdue de carton ondulé et retravaillés en aluminium. Approche surprenante, qui m'a parue assez nouvelle, d'un materiau- papier commun que Gabellone anoblise ainsi.

A titre d'exemple, quelques gros plans de Sans titre 2011 vous feront voir la surface métallique, polie, d'une grande douceur, pas du tout uniforme dans sa couleur puisqu'elle laisse apparaitre des opacités et des brillances, des noirs et des gris changeants selon la lumière ou le déplacement du spectateur. Elle est travaillée soit en incisions linéaires dont le graphisme évoque le tracé de constellations, soit en groupes de rayures parallèles aléatoires  comme un dessin au téléphone, ou encore en véritables trous à la noirceur profonde. L'artiste  visiblement aime complexifier les textures, en tirer d'insoupçonnables effets tout en préservant l'âme du support, sa constitution. Ni le métal ni le graphisme ne font oublier les lignes, la volumétrie et la légèreté du carton, ses longues tubulures aérées et son effilochage de bordure. Processus lent et très subtil qui m'a rappelé le travail, sur papier, toile ou bois, de Jean Degottex. ( A voir chez Berthet-Aittouarès à Art Elysées du 20 au 24 octobre)

Giuseppe Gabellone, galerie Perrotin, 76 rue de Turenne, 75003 Paris. tel: [phone]. Jusqu'au 15 octobre 2011.

Bernar Venet (par Régine)

Cet été Bernar Venet a été présent sur tous les fronts :

Comme sculpteur il s'est imposé à Versailles avec les deux immenses arcs symétriques encadrant, tels une mandorle, la statut équestre de Louis XIV et dont la simplicité minimale mais grandiose servait magnifiquement la majesté du lieu.

Comme peintre : ses tabeaux de 2001 à 2011 ont été exposés à l'Hôtel des Arts de Toulon. En inscrivant en noir ou en pourpre sur des fonds de couleur saturée (jaune ou rose vifs, bleu ou or) des formules mathématiques il rendait celles-ci concrètes. Abstraction et figuration se trouvaient réunis et c'était magnifique.

Deux autres oeuvres sont encore visibles dans le splendide parc de la propriété Caillebotte au sud de Paris devenue Centre d'art et d'expositions et où se tient jusqu'au 23 novembre la biennale de la sculpture (la ferme Ornée, 8 rue de Concy, 91330-Yerres - Tél : [phone]).

Mais Bernar Venet est également dessinateur, graveur, lithographe, sérigraphe et les travaux qui en résultent sont actuellement exposés à la Galerie Pierre Alain Challier. Plus intimes, elles accompagnent des petites sculptures que le format rend précieuses.

La liberté des lignes qu'il trace et nomme "indéterminées", leur ouverture à l'espace, leur beauté formelle, leur élégance m'ont subjuguée.

Je retiens d'abord l'énergie et la sûreté du trait des deux de ces "lignes indéterminées" de 2005 (photos 1 et 2) exposées à droite dès l'entrée. Tracées d'un geste précis, enroulées sur elles-mêmes, elles n'ont ni commencement ni fin. Leur sensualité et leur puissance sont rendues par l'utilisation du fusain et d'un papier à fort grain, ce qui a permis à l'artiste de faire jaillir la lumière et de créer un hallo autour d'elles. En dessinant des ombres en perspective où ces lignes semblent reposer sur un sol, Venet agit en sculpteur donnant à les voir dans l'espace.

Les arcs de la sérigraphies "97,5 arcs" (photo 3) ne s'achèvent pas. Ils sont en communication avec un espace beaucoup plus vaste. Leur matérialité est rendue palpable par la couleur sanguine du fusain utilisé pour leur dessin. Venet les tient fermement en équilibre sur un sol tracé en noir et sur lequel s'inscrit leurs ombres.

En écho à la puissance de ce tracé répond l'apparente instabilité de la sculpture en acier Corten, de couleur rouille comme la sanguine, intitulée "Effondrement 216°5" (photo 4). Les arcs de cercle gisent renversés sur une plaque de métal. Disposés dans un ordre aléatoire, abandonnés à eux-mêmes ils semblent être dans un équilibre provisoire. Sculpture émouvante par sa disponibilité à l'espace et à l'interprétation.

Le lien fort que l'artiste établit entre ses oeuvres sur papier et ses sculptures est concrétisé par la réalisation de sculptures présentoirs qu'il appelle ses "originaux multiples". Le coffret sculpture-estampe présenté ici a été réalisé spécialement pour la galerie (photo 5). Sur un socle renformant un tiroir contenant six gravures originales de 2011 intitulées "lignes droites/désordre", il a disposé un effondrement de lignes droites. Se trouvent ainsi réunis en un seul objet sculpture et dessins. Les lignes de ces différentes estampes (photos 6 et 7) qui pourraient faire penser à des rails de chemin de fer, entraînent le regard à vive allure vers un espace inconnu. Elles contiennent tous les possibles.

Traversant l'espace vacant de la feuille de papier, le tracé de certaines gravures intitulées"Combinaisons aléatoires de lignes indéterminées "(photo 8) possède comme dans certaines oeuvres de Chillida le rythme du travail créateur, sa netteté, sa certitude et sa rigueur. Venet me semble alors plus proche du grand sculpteur basque que des artistes minimalistes tels que Kosuth ou W. Morris dont on l'a souvent rapproché.

Je terminerai avec une petite sculpture intitulée "9 lignes obliques" de 2009 (photo 9) également en acier Corten. Elle est toute simple : 9 sveltes bâtons, qui m'ont fait penser à 9 fusains sanguine, scellés sur un socle du même matériau, sont réunis en un faisceau. Sa simplicité a la force et la grâce de l'évidence. Matière et forme y sont miraculeusement mariés.

"Bernar Venet, Sculptures et estampes" - Galerie Pierre Alain Challier, 8 rue Debelleyme, 75003-Paris. Tél : [phone]. Jusqu'au 5 novembre 2011. 

Nils Udo au musée de la Poste

Avant de plonger à nouveau dans la grisaille urbaine, profitons du plaisir offert par le Musée de la Poste: une rétrospective (1973-2010) des oeuvres de Nils Udo, un artiste allemand, souvent assimilé au Land Art. Habité par la nature, il la saisit, l'accompagne, la transforme et nous en rappelle la beauté et la fragilité. "A rendre visible l'invisible", tel est, selon lui, le sens de son travail.

L'exposition montre clairement cette quête et la variété des médiums d'approche: installations, photos, peintures visent à glorifier la nature, à aiguiser notre regard par des mises en scène végétales ou minérales aux dimensions variables dans lesquelles des juxtapositions contrastées, des couleurs fortes et des changements d'échelle offrent une surprenante instabilité. Il suffit de quelques fleurs, pétales, feuilles, boules de neige, branches, herbes de la pampa ou sable ayant trouvé leur place par les soins de l'artiste, et les micro (ou macro)cosmes ainsi obtenus créent une nouvelle réalité pleine de  poésie. Bien que fabriquée, elle s'impose à notre regard comme une évidence naturelle. Elle garde le caractère propre du lieu où elle se situe, et introduit du merveilleux. En voici quelques exemples: (photos extraites du catalogue).

1) Le Nid (1978) terre, pierres, bouleaux et herbe, lifochrome sur aluminium, noir et blanc, 124x124cm. 2) Le Palais des cendres, 2002, cendres volcaniques, feuilles de palmiers.Llfochrome sur aluminium, 100x145cm. 3) Radeau de fougères, 1974, plantation flottante de fougères sur radeau de bois, lac marécageux, photo noir et blanc sur papier baryté, 50x50cm. 4) Sculpture de soleil pour l'équinoxe, 1979, frêne, épicea, chène et osier, photo n.b. sur papier baryté.

 

 

 

 

 

 

 N'allez pas chercher ces lieux "manipulés". ce sont des installations ephémères que Nils Udo a détruit ou laissées se désagréger. Il n'en reste que les photographies qu'il a prises à des instants très précis et très calculés.Elles en ont la beauté et la fugacité. C'est la mémoire de l'instant, sa trace. Capter et inscrire un moment de soleil, lui réaliser un cadre qui le révèle avec autant de délicatesse ( photo 4)) m'a paru d'un savoir faire extrème pour un spectacle délectable.  

L'exposition présente également quelques dessins préparatoires, des encres de Chine et une série de peintures à l'huile qui semblent représenter la nature  mais  la schématisent par une linéarité appuyée qui souligne les formes, leur donnant un tour biomorphe comme chez Matta ou wilfredo Lam, et des couleurs peu vraisemblables, survoltées . Il y a là quelque chose de japonisant dans ces peintures, un Japon plus proche de Murakami que du Japon traditionnel.1978/06, 2006; huile sur toile 158x136cm (photo 5)

A ne pas manquer, le film relatant la construction d'un nid monumental qui figure, terminé, en photo (1). Rude travail, nécessitant toute une équipe, que le maniement au centimètre près de gigantesques troncs en ménageant leur équilibre, comme l'oiseau pose chaque brindille.

"Nature. Rétrospective photographies et peintures", Nils Udo. Musée de la Poste, 34 bd de Vaugirard, 75015. Paris tel: [phone]. Jusqu'au 1er octobre 2011.

Frédéric Benrath au Monastère Royal de Brou (par Régine)

Rien de tel qu'une rétrospective pour mesurer la force du propos et l'ampleur d'une oeuvre. L'exposition de Frédéric Benrath (décédé en 2007) au Monastère Royal de Brou en est une belle illustration. 

Elle met en effet à jour de façon frappante son incessante recherche d'un espace ouvert, infini et insaisissable. Façon de traduire sa quête d'une transcendance et le sentiment de permanence de l'impermanence si bien décrit par Nietszche dont la pensée l'avait profondément marqué.

Une présentation chronologique très bien pensée met en évidence les différentes étapes de son travail tout en soulignant sa cohérence. On saisit comment peu à peu l'artiste va se dégager de la représentation d'un univers tumultueux où s'affrontent des masses en mouvement parfois fortement griffées, comment plus tard les noeuds qui se débattent dans le bas de certaines toiles vont se dénouer pour laisser place au seul combat de l'ombre et de la lumière et aboutir à des tableaux d'un extrême dépouillement où la couleur atteint une lumineuse transcendance.

Des constantes, telles que l'horizontalité, un espace se prolongeant au delà de la toile, une lumière venant de nulle part, un chromatisme sensuel et raffiné, se retrouvent dans toute son oeuvre. Le titre de ses tableaux ou de ses séries fonctionne comme le révélateur de ses affinités et de son désir d'absolu.

Parmi la soixantaine d'oeuvres accrochées dans les belles salles voûtées du Monastère, en voici quelques unes, choisies dans les différentes époques, qui me semblent appuyer particulièrement mon propos.

Dès l'entrée, la diagonale qui traverse "L'hommage à Ruysbroek l'admirable" (photo 1), une grande toile de 1959 (130 x 195), vous entraîne avec force dans le tourbillon d'une nuée rose émergeant des ténèbres et qui tente de s'échapper dans un univers qu'on imagine sans limite. Tout au long de l'exposition cette puissance d'attraction ne quittera pas le spectateur.

La construction de la "Dédicace à C.D. Friedrich" (photo 2), un petit tableau de 1964 (65 x (54) n'est pas loin de celle du "Moine au bord de la mer". Un horizon débordant le cadre partage l'espace en deux parties. Dans le bas très sombre une énergie lumineuse irradie de deux cocons pris dans des filaments bleux et jaunes, vie qui chercherait à percer alentour. Dans le haut une lumière émerge des profondeurs, unifie les ocres et les verts et les tient en équilibre sous un mince horizon noir.

Les noeuds qui palpitent dans le bas de la série "L'exporation de l'air" se défont peu à peu pour aboutir à des oeuvres comme "Capitale de la douleur" de 1969 (photo 3) où, dans un mouvement ascendant, de larges stries horizontales font se chevaucher le noir, le bleu, l'ocre et le blanc. Chaque éléments est infiltré par les autres et leur partage ne se fait pas sans tumulte. Le beauté des couleurs, leurs nuances, leur raffinement et leur puissance n'est pas exempte d'une grande sensualité. Le peinture de Benrath s'adresse directement aux sens ; comment ne pas ressentir physiquement la souffrance exprimée ici !

Puis les lignes vont se défaire pour se transformer en nuées de couleur. Dans le bas de "Sans titre" de 1978 (photo 4) un nuage mauve émerge d'un néant noir, se diffuse lentement, en rencontre un bleu, l'épouse et le repousse dans le noir qu'on devine dans le haut du tableau.

P0lus tard la ligne d'horizon, au delà de laquelle la couleur se transforme, est souvent placée très haut. Plusieurs exemple de la série "Mes Archipels" sont ici présents : "Diotima" (1987) "Si par delà la distance" (1989). L'espace s'y déploie sans fin et le spectateur, pris de vertige, se laisse emporter par ces lointains indéterminés. Dans "Inséparablement disparait le jour avec la nuit" (photo 5), 1991 (120 x 120) un orange rompu sort de l'ombre pour devenir peu à peu lumineux. Il se dissout dans une bande horizontale jaune aux contours incertains dont le haut s'évanouit dans un horizon gris qui lui-même disparait dans une vapeur blanche semblable à une buée. Oui la nuit et le jour sont indissolublement liés et tout n'est qu'un "éternel retour". On retrouve encore ici ce combat de l'ombre et de la lumière, dualité présente tout au long de son oeuvre.

Puis cet horizon disparaît complètement. Il est parfois remplacé par une ligne estampée dans la couleur "Titre manquant" (photo 6)  1998 (120 x 120), "Saturation", 1999, (120 x 120). Tableaux qu'il voulait disait-il "libérés de toute accroche, de tout contraste, sans commencement ni fin, des flux de couleurs où circulent les sensations, où bat le coeur et où germe l'émotion". Dans le grand "diptyque" bleu et beige de 2002 (200 x 160) qui clôt l'exposition un rectangle est incisé dans le panneau de droite ; serait-ce une fenêtre ouverte vers l'invisible ?

Comme le Musée National de Port Royal des Champs où se tient parallèlement une expositions sur les 10 dernières années du travail de F. Benrath (voir ci-dessous l'article "Benrath à Port Royal" par Sylvie), le splendide Monastère Royal de Brou, avec son église gothique, sa succession de cloîtres, ses salles voûtées où se tient cette rétrospective, exalte l'intériorité et spiritualité de cette peinture.

Complétées par l'exposition parisienne qui se tient actuellement à la Galerie "L'Or du temps", 25 rue de l'Echaudé, 75006-Paris), espérons que cette série de manifestations de l'été 2011 autour de l'oeuvre de ce peintre exceptionnel permettra à un plus large public de le connaître et de prendre conscience de son importance.

Frédéricd Benrath Couleurs d'infini - Monastère Royal de Brou - 63 bd de Brou - 01000-Bourg en Bresse (04 74 22 83 83). Du 18 juin au 18 septembre 2011. Ouvert tous les jours de 9 h à 18 h

Frédéric Benrath à Port Royal des Champs (par Sylvie)

 

En préambule à l'exposition de Frédéric Benrath -de son vrai nom Philippe Gérard (1930-2007) à Port Royal des Champs, trois oeuvres (huiles sur toile de 80x80cm) s'inscrivent en solitaires, au premier étage, dans l'univers muséal du XVII ème siècle fait de portraits et de scènes de la vie abbatiale. La surprise est grande mais il y a tant de dépouillement dans ces monochromes ou pseudo-monochromes impalpables que leur présence apparait comme une évidence dans ce haut-lieu de spiritualité janséniste avec lequel Benrath se sentait tant d'affinités.Ainsi la nuit ,2004 (photo 1)) titre d'un quatuor du compositeur Henri Dutilleux dont il était un fervent admirateur,se déploie en rouge frémissant, Petite suite des Hespérides (2001) et Sans titre (1999), en face, nous emportent, loin du tangible, dans une abstraction transparente, aérienne, que le format carré humanise et dont la proximité révèle en douceur les nuances et les multiples directions de la brosse.                                                                                 

 Il n'en n'a pas toujours été ainsi. Classé à se débuts dans les années 50 comme nuagiste, mouvement qui regroupa entre autres René Duvillier, René Laubiès, Marcelle Loubchansky..., Frédéric Benrath s'est peu à peu libéré des gestes nerveux et des effets lumineux  du romantisme allemand dont il était imprégné, et d'une certaine sensualité propre à l'art occidental, pour aller vers un vide actif, un espace poétique.           

L'exposition de Port-Royal présente 23 oeuvres des dernières années (F.B. est mort accidentellement en2007),période d'épurement apaisé,tout en intériorité.                                                                                                                   Au deuxième étage, dans la salle au plafond bas, au volume tassé par les poutres et le carrelage, les 5 grandes huiles sur toile verticales Sans titre,2002- 2003, 200x80cm (photo 2) aimantent le regard comme des meurtrières vers un improbable infini, sans fond, plein d'incertitude mais vibrant de couleurs et de modulations. Elles donnent une idée du constant travail de l'artiste sur la couleur et la lumière et son évolution vers le grand format. Quel jaune somptueux ! Benrath aurait'il trouvé chez le Pérugin ou Philippe de Champaigne des modèles de coloristes ?

 Cet accrochage en série prépare assez bien le néophyte aux diptyques et triptyques qui suivent. La jonction réelle ou simulée par un trait perpétue le principe de répétition qui peut tout aussi bien jouer sur les antagonismes chromatiques que sur leur fusion. Benrath s'est toujours refusé à une conception a priori de ses polyptyques, chaque élément se devant d'être valable en lui-même. Il ne s'agit pas d'histoires racontées en plusieurs éléments, c'est un fait plastique qui force le spectateur à combiner différentes lectures d'un seul coup, verticale, horizontale ou d'ensemble. En quelque sorte, à faire cohabiter des contradictions. Sans titre, 2002, 200x120cm (photo 3) est un carré sur un rectangle aux valeurs proches, qui n'est pas sans rappeler les espaces colorés de Rothko et son inspiration nietzchéenne. La terre disparait au profit de la nuit - un tiers de terre et deux tiers de ciel.  Il n'y a plus seulement les jeux de la lumière sur la surface, les nuances dans la peinture et les traces de la gestuelle pour que la charge émotionnelle opère. Il y a cette rupture qui créé contraste et dissonnance. Reprise de souffle qui, comme chez Dutilleux, orchestre la mélodie par la contiguité des sections.                                                                                                                             

On retrouve cet élan, dans Mes hautes solitudes, 2002, huile sur toile, 200x160cm (photo 4), fusion de deux verticales grises à la recherche, semble-t-il, d'une sagesse, d'une élévation, proche de celle de Pascal et des Solitaires en ces lieux mêmes. La ligne de jonction, comme le zip de Barnett Newman, ne divise pas, elle unifie. Et les deux éléments, en ne s'opposant pas, nous procurent "un sentiment d'élargissement de l'espace et du temps". Pourquoi tant de gris chez Benrath, direz-vous? Ce sont des couleurs indéfinissables, nées de mélanges faits par le peintre, couleurs incertaines d'où émerge la lumière. " Ma quête du gris,disait-il , n'exclut nullement la sous-jacence des autres couleurs et leur effacement dans le gris originel...le gris pour nommer tout ce qui devient et tout ce qui meurt...lieu de toutes les germinations, de tous les possibles..."                                                                               

De l'ensemble d' oeuvres en présence j'en signalerai une autre qui m'a particulièrement  enthousiasmée. Le Noir de l'étoile, 2004, 320x120cm (photo 5) est un large triptyque horizontal  où le noir central éclate et diffuse sa lumière bleutée sur les panneaux adjacents, à peine plus clairs. Il ne nous absorbe pas dans sa profondeur, il rayonne comme une présence dans l'absence.Oeuvre imphotographiable,hélas, il faut aller la voir pour sentir et comprendre le dépassement de l'humain que Frédéric Benrath souhaitait atteindre par sa peinture, tendue vers le sublime. Et de fait, il émane de ses oeuvres un sentiment de méditation et de recueillement qui pousse au silence, à la contemplation de ce qui pourrait bien être la puissance des éléments, les mouvements de l'âme et l'expression esthétique du spirituel.

Frédéric Benrath et Port Royal, ses dernières oeuvres, Musée national de Port Royal des Champs - 78114 - Magny les Hameaux. 01 39 30 72 72.Tous les jours sauf le mardi, de 10h30 à 12h30 et de 14h à 18h en semaine et de 10h30 à 18h le week-end. Jusqu'au 21 août 2011.

DADO (par Régine)

Né en 1933 au Monténégro, Dado est mort il y a quelques mois. Si en France sa disparition est passée presque inaperçue, des funérailles nationales ont été célébrées dans son pays. La galerie Jeanne Bucher répare actuellement cet oubli par une exposition réunissant trois grands triptyques, des dessins et des collages.

Le lien qui unit la vie et la mort, le rêve (ou plutôt le cauchemar) et la réalité, la fusion des règnes minéral, végétal et animal ont rarement été représentés de façon plus saisissante. Il faut dépasser un premier état de stupéfaction et de choc pour oser regarder ces toiles en face ; en effet, avant de les voir, l'oeil les subit. Certes, le monde qu'on a sous les yeux est irréel, mais il renvoie à toutes les horreurs dont l'hisoitre humaine est jonchée et nous met au coeur d'une humanité tour à tour souffrante et torturante. Passée cette secousse, il ne faut plus cesser de regarder, regarder encore et encore pour ne rien perdre de ce fourmillement de détails, de cet engendrement de formes, de leur agencement, de la finesse des filaments qui enserrent souvent ce monde grouillant. Ces espaces insoutenabls sont paradoxalement exaltés par une palette de couleur raffinées qui, telles une buée, se seraient déposées sur eux.

Dans le triptyque intitulé Bowery et qui date de 1975 (195 x 450) les deux tiers supérieurs des trois toiles qui le composent sont occupés par un ciel bleu lavande, vide, lavé, tandis que dans le tiers inférieur, baignant dans la même atmosphère, des êtres sont voués à la dévoration, à la transformation et à la décomposition. Dans le panneau de gauche par exemple (photo 1) un animal, sorte de rat, bouche grande ouverte, accroupi, menace de ses crocs un personnage mi homme mi chien qui lève un bras à moitié rougé. Ce qui pourrait être une tête humaine roule dans le bas de la toile. Dans celui du centre (photo 2), de l'oreille du personnage plié en deux (vieillard ou singe) jaillit une antenne ou un membre dressé. Dans le panneau de droite, c'est la fuite, deux créatures, yeux écarquillés et terrifiés, bouches hurlantes, se ruent sur la droite laissant derrière eux des corps hybrides et mutilés (photo 3). Un grillage délabré et des restes de bâtiments servent de fond à cette scène apocalyptique. Son irréalité et le contraste entre la sérénité du ciel et l'horreur de la représentation nous permettent de maintenir une distance tout en renforçanht la force du propos.

Dans Le Boucher de St Nicolas (photo 4), un immense collage sur toile (207 x 185), des morceaux de corps sont volatilisés dans un espace limité par un plancher orange et un mur gris foncé. Impossible d'échapper au regard à la fois féroce et narquois du pantin allongé au centre. Il nous rend à la fois spectateur et complice de cette scène.

Du panneau de gauche du triptyque intitulé Boukoko (162 x 454), baignant un univers bleuté, le visage d'un monstre appartenant encore à l'espèce humaine jaillit (photo 5). Il nous regarde, bouche ouverte ; son nez démesurément allongé, s'est transformé en sexe en érection. Une sexualité brutale et puissante hante la plupart de ces toiles. Mais ces scènes ne sont fragmentées qu'en apparence. Dans ces espaces complexes, unifiés par la couleur, où verticales et horizontales se répondent, chaque détail a son importance et fait partie de l'ensemble. Oui, Dado a une formidable maîtrise de son métier de peintre.

L'univers de ces toiles s'enracinent clairement dans l'histoire personnelle de Dado qui, enfant, a vécu les atrocités de la dernière guerre dans les Balkans, mais elles sont aussi de magnifiques morceaux de peinture. Nul mieux que Bernard Noël n'a su trouver les mots pour le dire : "Viande picturale tantôt charnue, tantôt aérienne, cette "viande" aux multiples avatars c'est la peinture. La peinture de Dado est viandeuse et non pas esthétique, l'imagze ne dépeint pas du massage du charnel, du pantelan, elle en contient."

Ce peintre est aussi un visionnaire de la trempe de Gérôme Bosch et sa peinture nous renvoie à tous les massacres contemporains.

Hommage à Miodrag Djuric, Dado. Galerie Jeanne Bucher, 53 rue de Seine, 75006-Paris (01 44 41 69 65) du mardi au vendredi de 10 h à 12 h 30 et de 14 h 30 à 18 h jusqu'au 14 mai.

François MORELLET (par Régine)

Dans le paysage de l'art contemporain, il est bien rare d'éprouver un plaisir aussi jubilatoire que celui que procure l'exposition de François Morellet au Centre Pompidou. A la fois sensible et concrète, fantaisiste et maîtrisée, rigoureuse et décalée, mentale et physique, elle stimule l'intellect et les sens.

François Morellet est un jeune homme de 85 ans qui n'a rien perdu de sa créativité et de son ironie. Pour cette exposition, plutôt qu'une grande rétrospective, il a préféré se focaliser sur ses installations et en "réinstaller" un certain nombre créées entre 1960 et aujourd'hui. Prolongeant son travail de peintre elles sont, dit-il "des mises en place éphémères d'éléments légers disposés différemment selon l'architecture de chaque lieu d'exposition". Réinstallées elles s'adaptent chaque fois à leur nouveau lieu et ne renaissent donc jamais de façon absolument identique. Les matériaux qu'utilise Morellet pour les réaliser sont très variés : tubes d'aluminium, poûtres de bois, ruban adhésif, avec une grande prédilection pour les tubes de néon.

En réaction contre l'Abstraction lyrique française et l'Expressionisme abstrait américain des années 1950/1960, François Morellet alors membres du G.R.A.V. (Groupe de Recherche d'Art Visuel) a éliminé de son oeuvre toute subjectivité. Fort de l'idée duchampienne décrétant "c'est le regardeur qui fait l'oeuvre", il a mis au point des dispositifs qui sollicitent notre participation. Certains mettent en cause nos habitudes de vision. Telle "Répartition aléatoire de 40.000 carrés suivant les chiffres pairs et impairs d'un annuaire de téléphone, 50% de bleu, 50% de rouge" qui nous plonge dans un univers où l'intensité égale des deux couleurs nous fait perdre tout repère et nous amène à confondre fond et forme, base de notre perception de l'art. "Reflets dans l'eau déformés par le spectateur" de 1964 (photo n° 1) est une oeuvre à la fois toute simple et poétique. Une grille orthogonale faite de tubes de néon blanc suspendue au plafond se reflète dans l'eau noire d'un bac posé au sol. Quand l'eau bouge le reflet de la grille se déforme pour donner des figures mouvantes et toujours différentes. Cette instabilité déjoue la perception fixe que nous avons d'ordinaire des oeuvres d'art. Avec "Delacroix défiguré (La mort de Sardanapal)" (1989) (photo 2) et "Picasso défiguré (Les demoiselles d'Avignon)" (2011)(photo 3), l'artiste revisite avec humour ces deux chefs d'oeuvre. En remplaçant les personnage par des toiles blanches qu'il a accrochées sur un mur blanc et en respectant scrupuleusement leur organisation d'origine, il nous offre le plaisir de reconstituer mentalement ces deux tableaux.

D'autres oeuvres font travailler l'imaginaire, telle celle, faite de rubans adhésifs noirs, installée dès l'entrée et intitulée "2 trames de parallèles inclinées à 30°et 40° sur 3 murs". (1977-2009) (photo 4) Leur faible différence d'inclination conduit ces lignes tantôt à se croiser, tantôt à être quasiment parallèles. On les suit du regard, on les prolonge mentalement en dehors des murs et on les imagine se croisant sous le plancher, sous le plafond et réapparaître indéfiniment. Varini n'et pas loin. Cet artiste suisse, né en 1952, dont le travail évolue aussi avec l'espace architectural, se différencie cependant de son aîné en définissant un point de vue à partir duquel son travail prend forme.

Les tubes de néon permettent à Morellet d'utiliser la source lumineuse elle-même comme matériau plastique. Avec eux il va réaliser des oeuvres qui, malgré un semblant de désordre révèle, à qui sait observer, un ordre logique.

Avec "No end neon" (1990) (photo 5) dont le titre est un palindrome (forme linguistique chère à Morellet), celui-ci a disposé en quinconce, du sol au plafond, des tubes de néon bleus sur des lignes parallèles dessinées par leurs fils électriques ; dans "Néons by accident" (2003),(photo 6) il a distribué de façon apparemment aléatoire 16 arcs de tubes de néon rouge sur les murs et le sol. L'impression n'aurait ni cette puissance ni cette beauté si une organisation précise n'orchestrait pas la magnifique et spectaculaire "Avalanche" de 1996 (photo 7). 36 tubes de néon bleu de 2m de longueur, suspendus au quadrillage du plafond par leur propre cable électrique se retrouvent plus ou moins inclinés dans toutes les directions à mesure qu'il touchent le sol.

Les systèmes sous-jacent très élaborés, oébissant à des calculs précis, sont plus ressentis que compris. Ils donnent à ces installations un rythme, une vitalité joyeuse et une grande beauté.

Morellet adore créer un trouble dans la géométrie. Pour complémentaire"Geometree n° 5 Arc de cercle complémentaire" de 1983, (photo 8)  il a imaginé la continuité d'une ligne entre une branche d'arbre courbe posée sur le sol et un cercle sur le mur raccordant les deux extrémités de la branche. Hasard et détermination président à cette oeuvre pleine de poésie.

Il serait possible de continuer ainsi à parler d'autres installations, tout aussi stimulantes, mais il est préférable d'aller les voir sur place. L'exposition est à la fois une fête et une expérience visuelle et intellectuelle ; il serait dommage de se priver de ce plaisir.

 

François Morellet - "Réinstallation". Centre Pompidou, tous les jour sans mardi de 11 h à 21 h. Nocturne le jeudi jusqu'à 23 h. Jusqu'au 4 juillet.

Du Zhenjun et la tour de Babel. (par Sylvie)

Quelles images cataclysmiques  nous jette à la figure Du Zhenjun, à la galerie RX!  Des photomontages sur le thème mythique de "La tour de Babel" revu et corrigé par un artiste chinois de la cinquantaine, bien de son temps. Un visionnaire pessimiste ?

Que nous dit la Bible à ce sujet ?  Babylone: première ville construite après le déluge. Dans cet âge d'or de la paix initiale, l'humanité entière louait Dieu en une seule et même langue. Mais Nemrod, descendant de Noé et ambitieux roi de Mésopotamie, voulut se faire un nom et bâtir une tour allant jusqu'au ciel. Pour le punir de sa présomption, Dieu dispersa les hommes sur la terre et leur donna des langages différents afin qu'ils ne se comprennent plus.

Il existe deux interprétations picturales fameuses, toutes deux flammandes, de ce mythe. L'une de Bruegel l'Ancien  et une autre de Lucas Van Valckenborgh, délicieux petit tableau qu'on aurait tort d'ignorer au Louvre. Elles datent du XVI ème siècle et inspirent plutôt de la sérénité, comme un hommage à la paix terrestre d'avant et au travail des hommes plus que la condamnation de la  folie de l'un d'entre eux dont la figuration  en bas des tableaux  souligne le dérisoire de l'entreprise autant que l'arrogance de l'initiateur.

 Du Zhenjun transpose le mythe à notre époque en photos de grands formats, dans une vision tragique du monde moderne où la surpopulation, l'urbanisation intensive et l'opacité de l'air ont remplacé les paysages pastoraux et limpides. Demeure, par delà le temps, l'image d'un projet jamais définitivement abouti. A moitié construit par les hommes ou à moitié détruit par Dieu ?     Après dessin préparatoire Du Zhenjun travaille en équipe, utilisant les bases de données planétaires de l'internet. Le résultat est un montage d'innombrables fragments d'images hétéroclites, coupées de leur contexte mais reconnaissables, où s'interfèrent les épisodes les plus ordinaires ou les plus dramatiques du monde contemporain offertes par les médias. 

Old Europe (c.print 160x120cm, 2010) montre une tour hexagonale (un ziggourat) aux arcades empilées comme autant de témoignages du passé et que surplombent un Parthénon et des colonnes antiques, toutes choses bien nostalgiques. Autour, la nature est absente, il n'y a que constructions, monuments, ponts ou immeubles. La tour Eiffel y a sa place, très loin, sous un ciel gris, nuageux. Dans le très vaste premier plan est massée une foule grouillante -elle rappelle les foules chinoises -, arborant toutes sortes de calicots revendicatifs en plusieurs langues, climat, retraites, droits des femmes immigrées...On remarque la police casquée, des fumées et des véhicules en flammes, seule note de couleur chaude par laquelle le regard est aimanté. Partout ailleurs le noir et un blanc fluorescent, le glacis photographique, font vibrer l'atmosphère. La violence de la scène, fait presque oublier l'absurdité de la tour. Comme si la colère des hommes - unis malgré leur différences de langues - avait remplacé la colère de Dieu.

 Autre image forte, The accident, ( c print,160x120, 2010). C'est tout un monde qui s'écroule sous la folie de l'humanité entière. Les hommes s'entassent  au dépens des uns et des autres. Entrechoc des individus, des véhicules, des constructions, des nuages. Seule reste étale la surface de l'eau. Stagnante, elle ne prédit rien de bon.  L'ambition démesurée d'un seul ou l'abération d'un système n' engendréraient-elles que le malheur de tous?                                                             L'artiste pose la question de l'avenir de notre société. Ses images, issues des technologies nouvelles aux limites encore inconnues, reflètent une peur de la mondialisation et de l'uniformisation des cultures. A reprendre les photos du crash du 11 septembre à New-York, fut-ce dans un rendu ludique, Du Zhenjun semble nous redire la nécessité de se parler, de se comprendre pour réaliser de grands projets.

 Du Zhenjun, "la tour de Babel", galerie RX, 6 avenue delcassé, 75008 Paris. 01 45 63 18 78. Jusqu'au 19 mars 2011.

Antoni Tapiès (par Régine)

Pourquoi, sans en avoir cerné la raison, ai-je toujours été fascinée par les oeuvres de Tapiès ? Leur vitalité souffrante, leur impureté, leur liberté, leur vigueur, leur médium qui s'adresse autant à la main qu'à la vue, en sont les raisons qui me viennent spontanément à l'esprit ; mais encore ?

L'examen de quelques tableaux figurant dans l'exposition qui se tient actuellement à la Galerie Lelong me permettra peut-être de répondre de façon plus précise à cette interrogation. Tapiès a 87 ans et ne s'en cache pas. La première page du catalogue de l'exposition le montre devant une de ses toiles récentes. Il est assis sur un tabouret, tassé, appuyé sur une canne et nous regarde. Les oeuvres exposées datent des trois dernières années. Impossible donc de voir cette exposition sans avoir à l'esprit qu'elles sont le fait d'un homme âgé. 

Cos Lligat de 2010 est un collage sur bois de 170 x 200 cm (photo 1). Sur un fond sombre dans sa partie inférieure, légèrement beige dans sa partie supérieure, est collé un corps de femme étendu horizontalement. Le matériau dont il est fait - sans doute un mélange de sable, de vernis, de poudre de marbre et de colle - est riche, épais, vivant ; sa couleur est belle et sa douceur invite au toucher. Mais ce corps est aplati et n'a ni tête, ni jambes ; à leur place la matière est labourée, griffée, profondément entaillée. De son cou s'échappe un flot de cheveux rapidement griffonnés, son bras droit est à peine esquissé. Ses seins sont des creux, son thorax est enserré de bandelettes qui s'enfoncent douloureusement dans sa chair et la ligote. Une touffe de cheveux figure le pubis. Deux signes bombés sur le fond la domine : une croix et une sorte de V.

Offert et interdit, torturé et sensuel, c'est la vision hallucinée d'un corps souffrant. L'artiste le creuse-t-il ainsi pour tenter d'en retrouver la vérité cachée ? "Tout tableau de Tapiès est une plaie : ouverture par laquelle se fait l'expérience du monde " nous dit Pierre Wat dans son introduction au catalogue. L'artiste détruit l'image idéalisée du corps de la femme si présent dans la peinture occidentale et la publicité ; c'est contre cette représentation, filtre qui s'interpose entre nous et la réalité, qu'il construit cette image non médiatisée d'un corps de femme, abîmé par la vie. Les liens qui la ligotent ne seraient-ils pas aussi pour Tapiès, le signe de l'impossibilité pour lui dorénavant d'avoir accès à un corps de femme ?

Capçal (2010) est une peinture sur toile de 130 x 162 cm (photo 2). Directement sur la toile brute est peint frontalement un canapé. Y gisent quelques vestiges difficiles identifier : débris de corps ou vêtements ? Seul un pied qui dépasse à gauche est reconnaissable. Au centre, au dessus du dossier, une croix, signe polysémique cher à Tapiès ; enfin un glaive traverse le siège de part en part, épée de Damoclès prête à trancher la vie et la lumière ? Dans le bas du tableau, quelques signes mathématiques séparés par le signe + ont été hâtivement inscrits en blanc. Sur ce canapé d'un noir brun, sont peints ou plutôt bombés d'un blanc éclatant la croix, le siège et la lance du glaive. Son rayonnement donne une vibration et une grande énergie à l'ensemble.

L'intensité de la présence de ce "capçal" (canapé en catalan) me rappelle une réflexion de l'artiste qui disait à peu près ceci : lorsque je vois une chaise, je pense à l'arbre qu'il a fallu abatre pour la faire, à l'homme qui en a fait le dessin, à l'artisan qui l'a réalisée et au nombre de personnes qui s'y sont assises.

La réalité est beaucoup plus complexe que ce que nous voyons et il et impossible d'en rendre compte avec la seule représentation de l'objet. Ainsi, dans ce tableau des signes disparates voisinent : il y a le canapé, un pied, peut-être une jambe, une épée, une croix, des signes mathématiques, et une lumière phosphorescente qui agit comme une aura sur l'ensemble. Autant de rapprochements qui questionnent le spectateur, l'obligent à voir au delà de la réalité et élargissent sa perception. Peint frontalement et sans ombre ce canapé et à la fois reconnaissable et autre chose qu'une représentation.

Une troisième oeuvre, peut être la plus simple et la plus touchante, s'appelle A.T. C'est un collage qui date de 2010 aussi et mesure 97 x 130 cm. (photo 3). Sur un fond figurant une plage dont le medium reprend la couleur et la texture, négligemment abandonnés deux morceaux de tissus bruns encadrent les initiales A T hâtivement tracées dans le sable humide et surmontant quelques signes illisibles. Antoni Tapiès nous parle donc ici de lui, de la fragilité de la vie, de sa fin prochaine ; mais en parlant de lui, il s'adresse à nous et nous interpelle sur notre propre fragilité et sur notre propre fin.

Peinture d'homme âgé ? Certainement. Mais non peinture d'homme affaibli. Sa peinture ne cherche pas à représenter ce que nous voyons qui n'est souvent que convention et habitude, mais à imposer une réalité bien plus authentique.

Galerie LELONG - 13, rue de Téhéran, 75008-Paris (01 45 63 13 19) : Antoni Tapiès - Nouvelles peintures. du 3 février au 2 avril. Ouvert du mardi au vendredi de 10 h 30 à 18 h ; le samedi de 14 h à 18 h 30.