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16/05/2008

Philippe Hélénon (par Régine)

Dans la très animée rue Vieille du Temple, au numéro 23, une agréable galerie du même nom expose un artiste discret, très attachant et pourtant trop peu connu.

La mode, Philippe Hélénon n'en a que faire. Ici vous ne verrez ni photos, ni installations, ni vidéos, mais de la vraie peinture.

Pour s'exprimer l'artiste préfère le papier à la toile (une seule est ici présentée), le petit format au grand, comme s'il voulait resserrer au maximum son propos. Le regard qu'il porte sur le monde n'est pas tranquille mais intense. Avec le médium qu'il élabore lui-même, fait de gouache, de pastel écrasé, d'encres dilués, il obtient des noirs profonds percés d'éclats de lumière qui semblent sourdre des profondeurs de l'être et de la terre. Pour peindre il part de la réalité, mais non sans la déformer,  en accentuer certains aspects, en isoler d'autres et en donner parfois une représentation totalement abstraite. Le papier qu'il utilise est souvent marqué d'un pli en son centre, comme si la page peinte avait été extraite d'un livre ; c'est une lecture du monde qu'il nous propose. Ses sujets sont variés : portraits, objets, paysages et exercent sur le regardeur une étrange puissance.

1667238061.jpgDes visages déformés, inquiétants, tourmentés surgissent d'accidents de la matière pour exprimer une intranquillité fondamentale et la difficulté d'exister. Agrégats de tâches claires et sombres ils occupent toute la page ou émergent d'un fond opaque et ne vous lâchent pas.

Même masacrée/La face humaine/Est encore un visage/Humain/Sa ressemblance/Fait peur

dit Bernard Noël dans "Quel est ce visage", un livre qui vient de paraître aux Editions Fata Morgana et consacré aux portraits de Philippe Hélénon.

616591997.jpgLes objets qui lui donnent à rêver et qu'il peint sans relâche sont forgés de main d'homme (faucille, couteau, clou, lame) ou travaillés par la nature (ardoise, noeud de bois, graines). Sensibles aux correspondances entre les choses, les représentations qu'il en fait donnent lieu à des interprétations diverses : telle hache forgée par son grand-père pourrait être une palme ou un éventail, telle crosse un boomerang, telle lame un épi ou une bouteille effilée ou encore telle ardoise trouée un visage humain.

1855625901.jpgGénéralement partagés en deux parties, la terre et le ciel, ses paysages sont réduits à l'essentiel : Dans celui représenté ici, l'humus noir plonge ses racines dans un milieu humide et lumineux tandis que le blanc du ciel occulte un gris sous-jacent. De petites diagonales viennent rompre son horizontalité  : formes humaines, végétales ou animales, on ne sait, qui nous rappellent que le monde n'est pas univoque.

A la douceur de l'Ile de France Philippe Hélénon préfère, semble-t-il, les chemins de bergers, les pentes rocailleuses et désertes des Pyrénées où il passe souvent ses vacances dans la maison de son grand-père ou les landes arides et les côtés déchiquetées d'Irlance.

Une oeuvre forte et extrêmement personnelle à découvrir.

Galerie Vieille du Temple - 23, rue Vieille du Temple, 75003-Paris (Tél : 01 40 29 97 52) Du mardi au vendredi de 14 h à 19 h. Samedi de 14 h 30 à 19 h 30. Jusqu'au 31 mai

 

                                                                 

 

 

 

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12/04/2008

Pierre Buraglio rive gauche, rive droite (par Régine)

518793109.jpgLe cours de la Seine qui sépare les deux galeries exposant actuellement Pierre Buraglio pourrait figurer le changement et la continuité qui sous-tend tout le travail de cet artiste.

La Galerie Jean Fournier présente une vision rétrospective des oeuvres effectuées entre 1966 et 1997, essentiellement des travaux de manipulation de matériaux récupérés : agrafages, assemblages, masquages pleins ou vides, fenêtres... Peinture et dessin reprennent leurs droits dans la sélection de Marwan Hoss qui couvrent la période 1997-2007.

Dans la diversité de ce travail, on retrouve un même sens du rythme, de la couleur, de l'espace créé entre le monde extérieur et l'oeuvre, cette façon bien particulière de solliciter le regardeur et d'appréhender le temps.

En voici quelques exemples puisés d'abord chez Jean Fournier :

Pour réaliser "Masquages plein" de 1980 (64,5 x 49,5 cm) (photo 1), l'artiste a récupéré des bandes de masquage utilisées dans les ateliers de peinture automobile ; il les a contrecollées, en une pluie de diagonales sur une plaque d'altuglass dont la transprence élimine le fond et rend l'espace actif et mouvant. La scansion des bandes beiges maculées de jaune ou de noir (comme les dièses du clavier d'un piano) insuffle un rythme puissant à la composition et redonne à ces déchets promis à la poubelle une vitalité qui déborde le cadre.

1787850604.jpg"L'assemblage de paquets de gauloises" de 1982 (47,5 x 52 cm), (photo n° 2), est constitué d'emballages de cigarettes vides bleus et verts, de papier noir, de bandes de masquage et de signalisation. Ils ont été dépliés, défroissés et assemblés par des agraffes, de la colle ou d'autres moyens, morceaux d'une réalité déchue qui, sans cette intervention auraient disparu. De ce sujet qui aurait pu être nostalgique, Buraglio a fait un jeu graphique multicolore et  trépidant.

Coexistent ainsi sur une même surface des temps différents : celui de l'action sur ce qui a été récupéré, celui de la mémoire et de l'inéluctable dégradation que le temps fait subir aux choses. En outre, l'organisation en horizontales et diagonales et l'agencement des couleurs, entraînent le spectateur dans une cadence et un temps qui n'ont rien à voir avec du vague à l'âme.

Pour les travaux plus récents présentés rue d'Alger, Buraglio a délaissé la glane pour reprendre crayons et pinceaux, sans toutefois abandonner le maniement de l'agrafeuse. Ses "Dessins d'après" attestent d'un attachement à la peinture de ses prédécesseurs et plusieurs oeuvres témoignent de son goût pour l'architecture, l'art du montage, le jazz et le cinéma. Un artiste complet !

1563480370.jpgUne constante : la liberté laissée au spectateur pour compléter, imaginer, rêver, se souvenir... "Mon bunker 5" de 2007/2008 (40 x 95 cm) (photo n° 3),  enserre, dans l'angle droit d'un cadre de sérigraphie, une petite peinture sur contreplaqué qui, en quelques traits, figure le haut d'un immeuble. Vide, le reste du cadre devient, pour le spectateur, une possibilité en suspens. Ce manque donne au visible sa force et sa présence. Il devient ouverture sur un espace mental beaucoup plus vaste.

Le "16" , le yuka de 2007 (160 x 127 cm) qui clôture l'exposition pourrait résumer bien des aspects de son travail : exploitation d'un fond en contreplaqué usagé, réemploi de dessins détourés, forte présence de détails d'architecture, découpage, à la Matisse, dans la couleur, tout un ensemble construit par agrafages comme autant de flash de mémoire...

Quel talent que  de faire coexister dans un espace à deux dimensions toutes sortes de références, d'en exploiter les possibilités plastiques, et de les organiser de telle façon que le résultat final serve de tremplin à l'imaginaire du spectateur.

Buraglio a conquis sa place et affirmé sa personnalité de peintre dans les années 60 au sein de Support-Surface qui s'attachait à redéfinir la peinture et ses constituants. Quarante ans après il poursuit ce même chemin qui n'a pas pris une ride et garde, au contraire toute sa fraîcheur. Le raffinement de la couleur et l'équilibre de la composition contribuent largement à cette réussite.

Galerie Jean Fournier, 22 rue du Bac, 75007 (01 42 97 44 00) Métro : Rue du Bac - Oeuvres de 1966 à 1997. Jusqu'au 30 Avril

Galerie Marwan Hoss, 12 rue d'Alger, 75001 (01 42 96 37 96) Métro : Tuileries - Oeuvres de 1998 à 2008. Jusqu'au 30 avril.

 

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26/03/2008

Max Wechsler (par Régine)

1505588488.jpg1405234232.jpgA la fois ascétiques et énigmatiques, délicates et puissantes les oeuvres de Max Wechsler actuellement exposées à la galerie Guislain - Etats d'art nécessitent de s'y arrêter longuement et de les examiner avec attention. A distance elles sont presque monochromes, de près elles révèlent un travail extraordinairement minutieux.

Grands formats, aux reflets de métal, et petits papiers marouflés, regroupés par deux, trois ou quatre, développent une gamme de noirs et de gris dont il est difficile de dire le véritable médium : pas d'huile, pas d'acrylique, pas de gouache. Les motifs sont des lettres, des fragments de mots indéchiffrables. Or, ces oeuvres ne sont pas peintes mais faites de morceaux de papier imprimé incroyablement travaillés.

Le matériel de base : des pages imprimées et déchirées, une photocopieuse noir et blanc, des ciseaux, de la colle et du liant. Pour les grandes toiles, souvent divisées en trois parties, Wechsler chiffonne le papier et le colle librement sur la surface préparée de la toile jusqu'à ce que celle-ci soit complètement et densément recouverte (photo de gauche). Le tout est revêtu d'une couche de colle qui devient un élément plastique de l'oeuvre par sa présence dure et transparente qui favorise l'éclosion d'infinies nuances.

La photocopie permet aussi toutes sortes de manipulations : reproduire les bribes déchirées, les agrandir ou les réduire, varier les contrastes, flouter le contour des lettres pour arriver à une sédimentation d'images, de mémoires diverses.

La texture fine et soyeuse des petits formats  non recouverts de colle (photo de droite) , est d'une infinie douceur. Les gris impalpables se nuancent de jaune, de vert ou de rose. Deux, parfois trois bandes horizontales, à motif différent, se recouvrent légèrement et occultent sur quelques centimètres le papier sous-jacent, différent de celui du dessus, comme une liasse d'échantillons.

On n'est pas dans la peinture, mais dans l'écrit. Les caractères sont souvent méconnaissables. Le texte, impossible à déchiffrer, est plongé dans l'obscur. A l'inverse d'Opalka qui exprime l'anéantissement par un lent processus, Max Wechsler malaxe, enfouit lettres et mots, et en rend la signification inaccessible. 

Veut-il communiquer ainsi son rapport au langage par l'effacement du sens ? Seul l'univers plastique peut en avoir un quand l'écrit n'en porte plus. Enfant d'une famille juive, né à Berlin en 1925, il est arrivé en France à l'âge de 13 ans dans un pays où parler allemand était une menace mortelle. Seule solution : se taire. Cette expérience traumatique façonne probablement son oeuvre.

La gamme des noirs calcinés et des gris cendrés évoque la disparition dans les flammes et on ne peut s'empêcher de penser qu'il s'agit d'une référence à un monde englouti et aux évènements mortels qui ont marqué sa jeunesse.

Cette peinture de murmure et de retenu semble signifier que l'excès d'écrit tue le sens. Devant le déferlement actuel de publications Wechsler nous dit peut-être qu'il est temps de faire taire ce barvardage pour entendre ce qui est important.

Toujours présentées sans cadre, tissées d'innombrables lettres et mots ces oeuvres sont de bien énigmatiques messages qui laissent au bord du vertige.

Galerie Etats d'Art - 35, rue Guénégaud, 75006-Paris. Tél : 01 53 10 15 75, du mardi au samedi de 11 h à 13 h et de 14 h à 19 h. Jusqu'au 15 avril. Galerie.guislain@wanadoo.fr

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22/03/2008

Philippe Cognée (par Sylvie)

1128155432.JPGParce que depuis ses débuts j'ai toujours apprécié son travail, je suis allée avec entrain voir la dernière exposition de Philippe Cognée , chez Templon, à Paris.

Il y a là 36 tableaux du même petit format (70,5x47cm), accrochés bien régulièrement à hauteur des yeux. Des rouges lie-de vin, des noirs et des blancs puissants et des demi-tons somptueux s'y déploient dans une déclinaison de lignes horizontales et verticales. Le thème ? Des carcasses animales, des sacs d'os et de viande suspendus à des crochets. De près, de loin, en gros plans ou en rangs, tel un reportage. Il est vrai que photos et vidéos servent toujours à Cognée de point de départ, quelque soit le sujet. Projettées sur la toile ou le bois, elles sont peintes à l'encaustique  (cire d'abeille et pigments) et recouvertes d'un film plastique qu'il chauffe au fer à repasser puis arrache. Ce qui a fondu devient écrasé, embué, donnant aux éléments figurés un aspect  fragile, plus vivant et plus abstrait à la fois. Matité des zônes arrachées, vitrification  des fonds vierges, la surface - la peau de la peinture ? - vibre autant que l'image. Toutes ces vues sont des plongées dans la matière animale, pas de bordure pour limiter le champ. Gros plans et alignements dans les abattoirs industriels sont autant  de corridors, de perspectives floues dans lesquelles le regard pénètre comme dans les allées d'un jardin. Non sans un certain 66128057.JPGmalaise, quand même.

D'autres artistes avant lui se sont penchés sur les "écorchés" et les quartiers de boeuf, Rembrandt , Goya, Soutine, ou encore Bacon. Après avoir traité, avec distance et froideur, des foules, des villes, des étalages de supermarché, l'univers de notre quotidien construit et, par le floutage, donné sur le point de disparaitre, Cognée avait dévoilé plus nettement son angoisse du néant dans des séries de crânes humains. Le regard  qu'il porte ici sur la chair, fut-elle animale, m'a donné le sentiment qu'il abordait, de front cette fois, la question essentielle: qui sommes nous ? et, pour l'artiste qu'il est : qu'est-ce que la peinture?

Pris individuellement, ces tableaux sont d'une très grande beauté plastique. La série, insecable, est presque trop forte. Personnellement je préfère le Cognée plus distant.

Philpppe Cognée "Carcasses", galerie daniel templon, 4 impasse Beaubourg, 75003. Paris. Du mardi au samedi, de 10h à 19h. Jusqu'au 5 avril. 

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17/03/2008

Georg Baselitz ( par Sylvie )

912227716.2.jpg Baselitz.

 Cette forme compacte, à gauche, faite de larges taches de couleurs gaies, brouillonnes, au centre de la gigantesque toile blanche, c’est un coup de poing, une tornade emportée dans un mouvement circulaire.  Il est surmonté d’un motif  de lignes noires entrecroisées, bordées de couleurs primaires, droit sorti d’un tableau de Mondrian. Curieux mélange ! Et puis on voit des jambes, à l’envers.

 Le titre de la série le confirme, il s'agit de l’image d'un couple. En penchant la tête - ce qui devrait faire se dresser les cheveux de l'artiste - aucun doute, la scène représente une femme, rose et jaune, nue, peut-être, sur un fond vert , assise sur les genoux d'un homme vêtu de bleu. Chaussés, chapeautés, un peu clownesques, ils évoquent plus la luxure que la tendresse.  Il y a une fulgurance dans les traces de pinceau en tous sens et les traits griffés qui rappelle l’expressionniste abstrait William de Kooning et ses « women »  des années 50.

Des personnages la tête en bas, peu de peintres se sont faits une marque de fabrique de cette façon de faire. C'est du Baselitz ! Pied de nez au spectateur,  mépris pour la nature humaine ou difficulté graphique à camper debout nos carcasses de bipèdes ? La question peut se poser devant les toiles de cet artiste allemand né en 1938 exposées à  la galerie Thaddaeus Ropac, à Paris.

Pourquoi le retournement ? C’est une vieille histoire. Baselitz a pris le parti d'inverser ses motifs à la fin des années 60 en réponse à une interrogation sur la représentation du réel et  la pratique picturale. S’ensuit évidemment un double dérangement: dérangement devant cette mauvaise facture, une peinture à toute vitesse d’une représentation grossière; dérangement face à ce quelque chose de reconnu sans l'être exactement, le sujet,  mais vidé de son sens du fait de l’inversion avec pourtant l’effet tragique du miroir. Je rapprocherais volontiers cette oeuvre de celle, intitulée « souvenir de la galerie des Glaces » peinte dans les années 20 par un autre allemand, Otto Dix, expressionniste de la Nouvelle Objectivité : même  représentation cynique d’une société pourrie, même effet miroir.

Pour ses 70 ans, Baselitz ne se renie pas. Ce motif du couple il l’a déjà traité (d'où le nom de "Remix" de l'exposition). Il lui donne ici une nouvelle résonance. Représentation et abstraction y chahutent de façon d'autant plus troublante que s’ajoute la référence à la  gaîté géométrique de Mondrian, un artiste attaché à l’utopie d’une société future parfaitement équilibrée. Seulement voilà, les jambes  sont suspendues comme de la viande et  la grille noire, tronquée, réduite à l’état de crocs de boucher, figure une croix gammée. Décidément cette génération de peintres allemands a du mal à surmonter son passé.

Georg Baselitz "Remix", galerie Thaddaeus Ropac, 7 rue Debelleyme, 75003. Paris. Du mardi au samedi de 14 à 19h. Jusqu'au 29 mars 2008. 

 

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15/02/2008

Les transparences de Desgrandchamps(par Sylvie)

8307e6371151c7e83e2757d4a6c9ea4e.jpgAvis aux amateurs de fantômes: une étrange atmosphère règne dans les tableaux de Marc Desgrandchamps. L'oeil y cherche en vain un nom à mettre sur ces non-lieux et ces non-figures, une situation précise à identifier, une histoire à interpréter. Sont-ce des apparitions ou des disparitions?

Quoiqu'il en soit, un vrai plaisir est là dans la fraicheur des couleurs où les bleus intenses et les verts dominent; dans la légèreté "aquarellique"du médium huile, particulièrement fluide, fait de pigments dilués. Des formes indéterminées se superposent sans heurts. L' espace est ouvert, on respire. Les images parlent de la vie quotidienne, banale, sous un soleil toujours latent. Des silhouettes humaines, souvent tirées de photos, évoluent dans la nature ou le bâti - la plage, la cité -  entrainant le regard dans leur mouvement comme dans un film. Cà et là des indices comme des bribes de souvenirs précis teintés de mélancolie: une tong, un visage en casquette et lunettes noires..C'est un peu pop.

La vision frontale de cette jeune personne toute en rondeurs sensuelles (photo), à la démarche alerte, créé une dynamique dans l'univers rigide urbain dont la composition structure le tableau. La transparence du vêtement, en surimpression, donne à sentir tout à la fois sa propre légèreté,  mais aussi l'épaisseur de la chair et la géométrie du paysage dont ils sont traversés, en l'adoucissant. Quel étonnant condensé de vie. L'artiste introduit des "dégoulinures" de peinture qui floutent certains contours. Etres et choses en acquièrent une improbable matérialité comme si notre vision se brouillait.  Selon l'humeur, un malaise peut naître devant ces spectres déliquescents dans un bleu tranchant, hors limite qui rappelle la solitude de certaines peintures surréalistes.

A voir absolument la vidéo qui accompagne l'exposition, pour mieux comprendre le travail de Desgrandchamps. 

 Marc Desgrandchamps , à la galerie Zürcher, 56 rue Chapon, 75003, Paris. Du mardi au samedi de 12h à19h, jusqu'au 12 mars 2008.

08:00 Publié dans Peinture | Lien permanent | Commentaires (2)

10/01/2008

Colette Deblé aux Editions des femmes (par Régine)

79d73372b7d22d55bb1185cf1ebf3b66.jpgCréées en 1973 dans la foulée de 1968 et de la fondation du MLF, les Editions des Femmes, avec la fermeture, quelques années plus tard, de leur librairie de la rue de l'Odéon, avaient disparues de notre paysage quotidien.4f79e3286b440e178c136f08325fe717.jpg

Quarante ans plus tard, elles réapparaissent avec éclat, non seulement en ouvrant une librairie au 33 rue Jacob, mais aussi, au n° 35 dans un ancien magasin de Kilims, un splendide espace galerie.

Pour célébrer ces évènements  Antoinette Fouque, la fondatrice, a demandé à l'artiste Colette  Deblé d'illustrer un agenda pour 2008. Le choix de cette artiste ne pouvait être plus judicieux. En effet, depuis une dizaine d'années Colette Deblé propose une lecture inédite de la représentation de la femme dans l'histoire de l'art ; d'une scène peinte, sculptée ou photographiée, elle en isole l'image et se l'approprie en en redessinant le contour au crayon ou à l'encre de Chine et en la colorant d'une gamme délicate de lavis d'encres diluées. Avec l'acuité d'une enthomologiste, elle a l'art de saisir, avec la pointe de son crayon, la spécificité de chacune d'elle. Les quelques 200 lavis qu'elle a exécutés pour cette entreprise sont exposés là et c'est un enchantement.

Une farandole de femmes aux visages et aux  attitudes d'une infinie variété, et dont les membres tronqués ou les évidemments internes rappellent les statues antiques ou les marionnettes d'Asie, nous communiquent leur vitalité.

Les bleux, les verts, les rouilles, les jaunes, les pourpres, toute une palette de teintes légères et rompues se fondent les unes dans les autres pour notre plus grand plaisir, par la grâce du lavis. De Duras à Sapho, d'Isadora Duncan à Diane ou de Marie Curie à Sainte Cécile ou Simone de Beauvoir et bien d'autres ces portraits semblent flotter dans un univers semé de taches de couleur comme autant de constellations.

L'exposition respecte l'organisation de l'agenda : elle commence par les femmes qui illustrent le mois de janvier pour se terminer par celles qui illustrent le mois de décembre.

 C'est ainsi que nous sommes accueillis par une Ste Lucie (photo 1), extraite d'un tableau d'Oldoni ; les couleurs des longs plis mouvants de sa robe semblent évoluer sous nos yeux. Un portrait de Sapho (photo 2) qui porte à sa bouche une flute à la fois présente et absente, puisqu'elle est faite d'une réserve de blanc dans l'harmonie colorée du vêtement et du visage, clot cette galerie de portraits.

Toutes ces femmes passent sur les pages de l'agenda, évanescentes, rendues parfois à la force de leur personnalité par des citations en bas de pages.

C'est beau, tonique et réjouissant. 

Espace galerie des Editions des Femmes - 35 rue Jacob, 75006-Paris du 14 décembre au 15 février, de 11 h à 19 h. du mardi au samedi.

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26/12/2007

Viallat joue la Poste (par Sylvie)

09c43b01096a96492232e5ae4cd851eb.jpgDu dehors il ne fait pas rêver ce musée de la Poste, face à la gare Montparnasse. Et se voir obligée d'en traverser les salles de collections - préjugées forcément poussiéreuses - pour accéder à l'exposition temporaire, voilà de quoi faire tourner l'humeur au vinaigre.

Et bien, battons notre coulpe pour cette réaction à fleur de peau, ce fut fort intéressant, un endroi éducatif, présenté de façon attachante, où mener les enfants en cette période de vacances : s'y trouve retracée l'histoire du transport du message écrit. Les attelages, les pataches (bateux fluviaux), les malles-postes, les uniformes, les boites aux lettres, jusqu'aux guichets des années 50 et l'invention du télégraphe par Claude Chappe en 1791 ; celle-ci impressionna si fort Alexandre Dumas qu'il l'introduisit dans Le Comte de Monte-Christo...

Que vient faire là Claude Viallat, direz-vous? Rendant hommage à l'artiste, le musée de la Poste lui a commandé un timbre émis en juin 2006. La maquette de ce timbre rose vif et vert côtoie ici une vingtaine d'oeuvres à l'acrylique sur sacs postaux : c'est une heureuse initiation au travail de cet artiste nîmois, né en 1936, passionné de tauromachie. Un des fondateurs du groupe Support-Surface à la fin des années 60, il est resté attaché à la remise en cause des matériaux traditionnels de la peinture, jusqu'au support brut, libre, sans chassis.

Fini le sujet unique centré habituel au timbre poste. Avec Viallat, le motif neutre (haricot, osselet?) et répété qui caractérise son oeuvre devient sur le support-timbre un semis. Dépourvu de la bordure blanche, crantée, traditionnelle, il flotte dans un espace sans limite. Et les couleurs, toniques et subtiles, comme toutes celles de la série d'oeuvres ici présentes, ont un éclat, une douceur, une densité, d'une grande puissance décorative. Leur difusion dans la  matière textile en exalte la sensualité. Le rose profond du timbre est né de son support, une cape de torero!

Musée de le Poste, 34 bd de Vaugirard, 75015. Paris. 01 42 79 24 24. Du lundi au samedi de 10h à 18h (fermé dimanche et jours fériés). Viallat, jusqu'au 22 février 2008.

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10/12/2007

Kirkeby (par Sylvie)

b459e9478a660af7ed9fc35c0b20851c.jpgFigure majeure de l'art contemporain scandinave, mais assez méconnu du grand public français, Per Kerkeby est exposé à la Galerie Vidal St Phalle à Paris jusqu'au 22 décembre.

De grandes toiles presque toutes de format carré (122 x 122 cm) d'un artiste contemplatif et tourmenté, à la formation de géologue. Par ces temps de grisaille propre aux plaisirs casaniers, sa peinture, toute minérale, transmet avec puissance et sensualité un désir de nature dont on aurait tor339bf95ad4bf6521634e80ca26f29e08.jpgt de se priver en attendant le printemps.

Des couleurs terreuses, des espaces souvent divisés comme un puzzle, de multiples strates donnent corps et énergie aux éléments figurés et font percevoir une sorte d'humus nourricier sans que notre oeil ne voit véritablement ici la forêt, là les champs ou les rochers. Figuratif ou abstrait ? allez savoir.

Un coup de chapeau à la toile ici reproduite : "sans titre", 2004. Du fond noir sur rouge qui laisse apparaître les veines du support en masonite, s'élèvent en rangs serrés des filaments verticaux, ponctués au pastel gras d'outremer et de véronèse et couronnés de taches étincelantes. Pourrissement, germination, on est au coeur du renouvellement de la vie 

 Galerie Vidal St Phalle - 10 rue du Trésor, 75004 Paris. Du mardi au samedi, de 14h à 19h.

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14/11/2007

Hommage à Frédéric Benrath (par Régine)

e38bb2a414f03650cbb2bc4ce2da9288.jpg366e96be9e572519a8da65875ddff6f2.jpgLe peintre Frédéric BENRATH, renversé par une moto début février, est mort à l'hôpital après deux mois de souffrances physiques et morales. A l'occasion de la donation d'une de ses oeuvres, le Musée de Lyon a tenu à le célébrer par une exposition qui se tient jusqu'au 28 janvier dans la salle 200 du Musée et par une soirée hommage qui a eu lieu le samedi 27 octobre.

Près de 200 personnes, venues de toute la France, avaient voulu être présentes ce soir là en gage de leur admiration pour son oeuvre et de l'attachement à sa personne. L'exposition n'est pas très grande - une douzaine de tableaux choisis avec perspicacité, et quelques aquarelles - mais elle est magnifique. Elle s'ouvre par une toile de 1963 intitulée "Hommage à Gaspard David Friedrich", rappelant dès l'entrée l'attachement de Benrath au romantisme allemand. Elle se poursuit par des oeuvres récentes, échos au superbe triptyque "Le noir de l'étoile" qui a fait l'objet d'une donation au musée. Aux bleux profonds de ce triptyque, d'où sourd une lumière inattendue que l'on retrouve dans la série des "Bougés" ou dans le diptyque "Entre deux détonations d'abîme", répondent des toiles où se dissolvent les jaunes, les roses et les verts". "Il y a un au-delà de la couleur, disait-il, qui rend unique son intensité, sa vibration, sa charge émotionnelle et sa terrible solitude."

Dans une vitrine sont présentées pour la première fois un choix de ce qu'il appelait "Mes cartes postales détournées". Dans la reproduction d'un tableau ancien, souvent à un endroit imprévu, il introduisait une partie d'une de ses propres oeuvres. Elles montrent avec humour, le lien qu'il entretenait avec la peinture classique.

Des aquarelles illustrent la vivacité de son geste et la richesse de sa palette. 

La préoccupation essentielle de ce travail sur la couleur et la lumière qui sous-tend toute son oeuvre et lui donne cette formidable homogénéité, est non pas la recherche d'un équilibre entre l'ombre et la lumière mais celui de leur incessant affrontement. Il est temps de reconnaître que parmi les peintres abstraits de sa génération, cet artiste occupe une place extrêmement originale.

La soirée d'hommage s'est poursuivie dans l'auditorium du Musée par la projection d'un film sur l'artiste, un concert donné par trois musiciens de l'Ensemble intercontemporain dont il était un familier, et par la lecture de textes de poètes qui l'avaient bien connu (Michel Butor, Bernard Noël, Sylvie Fabre G.).

Ce fut une soirée exceptionnelle consacrée à un homme qui ne l'était pas moins.

 Musée des Beaux Arts de Lyon, 20 place des Terreaux. Tel 04 72 10 17 40. Ouvert tous les jours, sauf mardi et jours fériés de 10 h à 18 h. Vendredi de 10 h 30 à 18 h

 

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