Biennale d'art contemporain de Corse ( par Sylvie)

La période estivale est certes terminée mais la première Biennale d'art contemporain de Corse, qui a ouvert ses portes en mai, se tient toujours à Bonifacio jusqu'au 6 novembre;

Berlinde de Bruyckere à Montpellier (par Régine)

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Les oeuvres de Berlinde de Bruyckere ne ressemblent à aucune autre. Il suffit d'en voir une pour s'en souvenir à tout jamais tant leur force d'impact est puissante. On ne sort pas indemne de la rétrospective qui lui est consacrée jusqu"au 1er octobre au MOCO de Montpellier, intitulée "Piller/Ekphrasis" et qui se déploie sur 3 étages.

Intense, douloureuse, perturbante, ses sculptures sont à la fois travaillées par les grands mythes universels, par l'actualité et ses images. Les matériaux qu'elle utilise (notamment la cire colorée qu'elle manie comme une alchimiste et qui lui permet une grande souplesse d'utilisation, la peau de bête, le cuir et le bois) et sa façon de les assembler n'appartiennent qu'à elle.

Née à Gand en 1964 l'artiste grandit dans le quartier ouvrier de la ville où son père était boucher, détail qui n'est sans doute pas anodin. Elle étudie les arts monumentaux à l'Ecole de St Luc de cette ville. Gand est une ville d'art, c'est là que sont réunis les 24 panneaux de l'Agneau mystique des frères Van Eyck qui ont exercé sur elle un grand attrait mystique. Les natures mortes de la peinture flamande qui montrent souvent des animaux morts l'ont aussi, dit-elle, beaucoup influencée.

A partir de quelques exemples, essayons de cerner la spécificité et l'originalité de cette œuvre. La première sculpture qui ouvre le parcours a été présentée à la Biennale 2013 de Venise où l'artiste représentait la Belgique. After Grippelwood (2013-2014) (photo 1) est le moulage à la cire (matériaux privilégié de l'artiste) du tronc d'un gros orme posé sur des pieds métalliques. Sa position allongée suggère un gisant, sa couleur rose violacée : la chair mise à nu, la branche s'élançant vers l'avant pourvu d'un pansement : un membre blessé. Tout la rapproche d'un être vivant avec la fragilité d'un corps torturé et souffrant. Pour Berlinde de Bruyckere végétaux et animaux sont les égaux des êtres humains. Pas de hiérarchie, cet arbre est un corps qui lutte pour rester en vie.

Le premier grand plateau du musée accueille un groupe envoûtant et exceptionnel de sept Archangelos (2021-2022) (photos 2 et 3). Visages camouflés, couvertes de peaux de bête ces créatures moulées dans la cire se tiennent sur la pointe des pieds. Leurs jambes sont fines, leurs pieds effleurent à peine le socle en bois qui les supportent. Regroupées par trois, par deux ou isolée que signifient-elles ? Sont-elles des anges qui portent le fardeaux de toute l'humanité ? Viennent elle annoncer ou fuir des malheurs à venir, quémander une aide, consoler l'humanité de ses maux ? Nul ne sait. Comme dans toutes les travaux de l'artiste le sens n'est jamais univoque et les interprétations sont multiples. Ces archanges, dont se dégage un grand élan mystique, font aussi remonter à la mémoire des images d'œuvres d'art plus anciennes telles celle des Pleurants du tombeau du Duc de Bourgogne, ou de La Marie-Madeleine pénitente de Donatello.

Sur le deuxième plateau No life lost II (2015) (photo 4) montre les corps enchevêtrés de deux magnifiques chevaux naturalisés qui débordent d'une vitrine utilisée ici à contre emploi puisqu'elle ne peut les contenir. Des images rappelant la guerre et ses champs de bataille viennent aussitôt à l'esprit, celles entre autres si bien décrites par Céline dans Mort à crédit ou par Claude Simon dans La route des Flandres. L'ambiguïté surgit cependant par la position des corps qui évoque autant la mort et la désolation que l'étreinte amoureuse. Une autre pièce équestre To Zurbaran (2015) (photo 5) a été exécutée en écho à une œuvre de ce peintre représentant un agneau les pattes attachées. Devant la beauté de ce petit poulain, installé sur un coffre, tête bandée, pattes attachées, on ressent à la fois son impuissance et sa fragilité, la cruauté de ceux qui l'ont attaché, l'abandon qui succède à la lutte et l'injustice de la mort d'un être qui n'a pas eu le temps de vivre.

La dernière salle accueille une grande installation composée de plusieurs sculptures réalisées après la visite d'une peausserie à Anderlecht. Pour Anderlecht II (2019) (photo 6) il s'agit d'empilements de peaux ou de couvertures moulées dans la cire, pliées en quatre et posées sur des palettes en bois et pour No life lost I (2015-16) (photo 7) de la suspension à des crochets de 17 moulages de peaux combinant cire, poils d'animaux et acier. L'effet d'ensemble est glaçant, mais ici encore plusieurs niveaux de lecture sont en jeu : il s'agit bien sûr de l'écorchement d'êtres vivants et de la brutalité de leur dépouillement. Outre le mythe de Marsyas, cette vision, difficilement soutenable, évoque bien sûr la guerre et son cortège de scène d'horreur. Mais la fourrure est aussi un matériau doux, robuste, chaud et protecteur. Il diffuse chaleur et bien-être. Ces empilements de peaux (ou de couvertures) suggèrent autant la protection que l'exil ou la fuite, peut-être aussi l'étouffement ou l'excès d'attention. Ces deux installations figurent aussi notre société de consommation et ses gâchis.

Un dernier exemple avec la série The Wound (2011-12) (photo 8) dont l'assemblage à base de colliers d'attelage, cire, bois textile, couverture, fer, crée un malaise physique et mental. Ces œuvres qui font penser à des sexes féminins malmenés réveillent en nous des zones inconscientes qu'on préfère ignorer. A la fois tendres et cruelles, sexuelles et torturées, ces sculptures provoquent répulsion et fascination. Eros et Thanatos y sont intimement liés. Les séries d'aquarelles et de collages Met terre Huid (2016) (photo 9) qui les accompagnent sur les murs sont très belles mais leur érotisme cru n'échappe à personne.

Par sa démesure, sa provocation, l'art de jeter le trouble, on est tenté de rapprocher Berlinde de Bruyckere d'autres artistes belges actuels comme Wim Delvoye ou Yann Fabre, mais Rembrandt et son boeuf écorché n'est pas loin non plus. Son œuvre est intense, elle parle autant du corps et de sa fragilité, de la vie et de la mort, des liens qui unissent l'homme aux autres formes du vivant, de l'hybridation, que des bouleversement de notre monde, elle tisse aussi des liens entre l'art d'hier et d'aujourd'hui. Avec elle la frontière est bien vague entre réel et fantastique.

Berlinde de Bruyckere : Piller/Ekphrasis exposition jusqu'au 2 octobre - M.O.C.O. 13 rue de la République - 34000-MONTPELLIER - de 12 à 19 h. fermé le lundi.

 

 

 

Shirley Jaffe (par Régine)

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La rétrospective de Shirley Jaffe qui se tient actuellement au 4ème étage de Beaubourg est un vrai bonheur. Un souffle de vie parcourt toute cette œuvre où la couleur est reine.

Née dans le New Jersey, Shirley Jaffe étudie d'a bord à New York à la Cooper UYnion School. Puis dès 1949, et comme de nombreux artistes américains et canadiens de sa génération (Ellworth Kelly, Sam Francis, Joan Mitchell, Riopelle....) vient à Paris. elle s'installe d'abord à Arcueil, près de son ami Sam Francis, puis à Paris, rue St Victor dans le 5ème arrondissement, où elle restera jusqu'à la fin de sa vie en 2017.

Le parcours de l'exposition est chronologique et les premières toiles exposées datent de 1953. Jusqu'au début des années 1960 son travail s'inscrit dans la veine de son époque : l'expressionnisme abstrait. Dès l'entrée de l'exposition un magnifique tableau jaune : Arcueil Yellow, de 1956, donne le ton de cette belle période (photo 1). La tension qui se crée entre les masses blanches ponctuées de rouge et de vert qui ancrent le tableau dans le bas de la toile et celles qui s'échappent dans le haut exalte les jaunes de l'ensemble. Difficile de s'arracher à sa contemplation. Voici quelques autres beaux exemples : dans la richesse des couleurs utilisées, la liberté de la touche de Sans titre de 1952, on sent l'influence que les Nymphéas de Monet ont exercé sur l'artiste (photo 2). La vigueur du mouvement ascendant de l'ensemble construit par la couleur : brun vert, noir dans le bas du tableau, bleu, jaune, blanc dans le haut rappelle certaines toiles de Joan Mitchell.

Le grand tableau horizontal Which in the world de 1957 ne la quittera jamais et demeurera toujours dans son atelier, tournée contre le mur, sous un empilement d'autres tableaux (photo 3). Son titre métaphysique que l'on peut traduire par "Quoi dans le monde" serait-il une célébration dionysiaque de la beauté du monde et la forme jaune qui en occupe le centre au milieu d'un foisonnement de couleurs la représentation de l'artiste elle-même.

Les grandes masses colorées de Crasy Jane Appomattox de 1956, où dominent les verts et East meets West, circa, de 1962 où les bruns prennent le dessus évoquerait-ils certains paysages grandioses et sauvages des Etats-Unis ? L'Appomattox est en effet le nom d'une rivière située dans l'état de Virginie et celui d'un des peuples algonquins.

A partir des années 1965, les formes s'organisent et un semblant de géométrisation se met en place. Deux tableaux, tous deux appelés Sans titre, l'un de 1963-68, l'autre de 1965 en sont de bons exemples. Dans le premier les couleurs remplissent les formes (carrés, rondes ou lignes) et s'emboîtent plus qu'elles ne se mélangent (photo 4). Dans le second une forme ovale, partagée en 4 parties par un axe fait de deux faisceaux qui se croisent en son centre, occupe toute la toile (photo 5). L'ensemble, vivement coloré, parait animé d'un mouvement giratoire, comme dans une vision kaléidoscopique. Le tout est vibrant, chatoyant, vivant et très organisé.

Peu à peu Shirley va redéfinir son approche picturale : abandonnant le lyrisme gestuel elle adopte alors une abstraction géométrique rythmée et colorée qui caractérisera son œuvre jusqu'à la fin. L'extérieur devient sa source d'inspiration principale "Je crois, disait-elle, que les peintures sont influencés par les choses qu'ils voient au quotidien, même si leurs tableaux n'appartiennent pas à quelques chose de visiblement réel". Boulevard Montparnasse de 1968 est un bon exemple de cette nouvelle manière (photo 6). Des triangles turquoise, marron, bleu ou violet, très aigus s'animent sur un fond rose bonbon ou jaune tandis qu'une bande segmentée par des couleurs variées semble défiler, en sens inverse, dans le bas du tableau. Tout swingue mais harmonieusement. Si dans New York, peint en 2001, le paysage urbain est peu perceptible on y retrouve le quadrillage de la ville, son élan vers le haut et surtout sa vitalité (photo 7).

Pour elle, le blanc ne constitue pas le fond du tableau sur lequel des formes colorées viennent s'inscrire, c'est une couleur à part entière qui en recouvrent souvent d'autres pour en créer de nouvelles. Dans Sailing (navigation) de 1985 par exemple, des formes variées suggèrent un chaos agité à droite de la toile tandis qu'à gauche, sur une vaste zone blanche, apparaissent de grands objets ondoyants, l'un jaune, l'autre noir. Tout tangue dans cette oeuvre (photo 8). Il en est de même dans de nombreuses toiles des années 1980/90 : citons le joyeux High seas de 1984 ou le lumineux Blue around the center de 1990. Les couleurs sont toujours franches, bien circonscrites dans une forme. L'artiste n'hésite pas à les juxtaposer avec audace et à jouer sur les contrastes du noir et du blanc.

Ecritures ou signes, les tableaux de Shirley Jaffe se couvent d'idéogrammes qui se combinent et s'entrecroisent. A titre d'exemple notons la série sur papier pour laquelle l'artiste reprend en 1987 des titres des années 1930 : Sans titre, Circa, 1987 (photo 9). Les éléments virevoltent, se bousculent, s'entrecroisent et si ces composition semblent guettées par le chaos, il n'en est rien. Tout se tient.

Au croisement de plusieurs héritages Shirley Jaffe sut trouver son propre style tonique et coloré "Je ne veux pas d'une beauté lyrique" disait-elle et elle ajoutait : "On pourrait dire que je cherche à saisir une réalité à naître". Vous l'aurez compris, il serait dommage de passer à côté de cette exceptionnelle et vivifiante exposition dont l'accrochage très bien pensé est remarquable.

Shirley Jaffe, une américaine à Paris - Centre Pompidou - Place Georges Pompidou, 75004-Paris. 4ème étage (monter au 5ème et redescendre par l'escalier intérieur) de 11 à 21h tous les jours sauf mardi. Jusqu'au 29 Août.

Buraglio chez Balzac (par Sylvie).

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Voilà deux noms et deux bonnes raisons d'aller sur la colline de Passy, dans le XVIème arrondissement de Paris. C'est sur cette butte, rattachée à Paris en 1860, que Balzac s'est installé en 1840  et a vécu jusqu'à sa mort dix ans plus tard dans une dépendance de l'hôtel particulier du 47 rue Raynouard. L'ensemble est devenu musée municipal en 1949 et s'étend aujourd'hui sur trois niveaux. Le jardin/salon de thé donne

à voir la tour Eiffel, diverses luxueuses terrasses arborées (photo 1) et l'étroite et pentue rue Berton en contrebas où la pierre indiquant la limite entre Passy et Auteuil est toujours là. Le monde a changé mais l'antre de l'écrivain - son fauteuil et sa modeste petite table, comme sa très prétentieuse canne à pommeau d'or et de turquoises - ainsi que les très nombreux documents, révèlent la personnalité de l'immense écrivain et de sa prolifique "Comédie humaine".                                                                                                 

Pierre Buraglio est peintre et dessinateur d'origine italienne, né à Charenton Le Pont en 1939. Grand lecteur, il a été choisi par les instances du musée pour l'empreinte balzacienne de  son oeuvre. Son profil correspondait au prix Balzac, né en 2021, pour la mise en valeur des lieux. Et le quartier, qui a subi de nombreuses transformations, lui a rappelé sa propre maison familiale du Val de Marne qu'il évoque là par quelques détails, une silhouette toute en hauteur, une cheminée (photo 2). Cet artiste s'est fait connaitre dans les années 60 autour du mouvement "Support-Surface" qui remettait en question les supports traditionnels. Il est un habitué des va et vient entre art et littérature, entre réalité et projet. Féru de la fresque balzacienne, de sa richesse et des tâtonnements de l'auteur, il s'est trouvé une affinité de travail, oeuvrant " avec, d'après  , autour.." dans une approche poétique ou humoristique mais toujours admirative de l'écriture, de la conception romanesque et de l'universalité des thèmes. Parmi les oeuvres réalisées expressément pour l'exposition figurent des dessins plus anciens, parfois retouchés, devenant autres.

Les trois fusains sont des croquis de la fameuse sculpture de Balzac par Rodin, conçue en 1898 et qui a trouvé sa place dans les années 30 au carrefour des boulevards Montparnasse et Raspail. Buraglio a capté en quelques traits brefs l'ampleur, le mouvement et la force de vie du personnage  Et, de ce dessin "d'après", il a fait l'objet d'une proposition de page de couverture de "La comédie humaine". Rien ne se perd. (3)

La partie inférieure du "portrait du regardeur caché" (4) suscite l'imaginaire, Au spectateur - autre regardeur - de compléter mentalement ce portrait clin d'oeil. De même le visage sans traits de l'homme cravaté de bleu (4 bis) est un vide actif,  anonymat figuratif associé au nom d'Emmanuel Bove, il renvoie à un écrivain d'une sensibilité extrême dont le héros tend à s'effacer.. Buraglio homme de culture...

Dans l'installation "Traité de la vie élégante" (5) une série de cravates suspendues, assemblées, d'une potentialité picturale évidente, côtoient une pseudo page de l'ouvrage, tel un mode d'emploi de cet accessoire de mode pour tous. Dans le grand vide des deux visages(6) se devine la société entière. L'oeuvre est surmontée d'une citation de Balzac manuscrite:" Ni le peintre, ni le poète, ni le sculpteur ne doivent séparer l'effet de la cause qui sont invinciblement l'un dans l'autre" (in Le chef-d'oeuvre inconnu").Balzac,

L'exposition présente quelques brouillons de Balzac, les épreuves d'imprimerie diaboliquement chargés de corrections ( 8, à droite) d'un perfectionniste à la recherche de justesse . De là l'intérêt toujours plus grand pour les multiples personnages de ses romans. On raconte que certaines épreuves furent renvoyées sept fois. De la destruction peut naitre la création. Avec ses assemblages, agrafages, camouflages, masquages et caviardages qui ont fait sa marque de fabrique, le peintre s'inscrit fort dans les pas de l'écrivain, preuve à l'appui : Dans  le "Memento caviardé" ,1990 (9, à gauche), le gribouillé cache les rendez- vous passés mais les laissent latents. Ces deux espaces simultanés signent le passage du temps.  Ah qu'il est difficile de faire table rase du passé !

Oui, Buraglio et Balzac font bon ménage sur la 13ème colline de Paris.

 

Buraglio à l'épreuve de Balzac,  à la Maison de Balzac, 47 rue Raynouard, 75016 Paris. Jusqu'au 4 septembre.

Sophie Calle au musée d'Orsay (par Régine)

Le charme très particulier des installations de Sophie Calle opère une fois encore avec celle intitulée "Les fantômes d'Orsay" qui occupe actuellement deux salles du musée. Sur un mode distancié et plein d'humour il y est question, comme toujours dans ses œuvres, de disparition - celle de l'ancien hôtel d'Orsay - et d'absence - celle de tous ceux qui l'ont hanté -.

Le bâtiment de l'actuel Musée d'Orsay érigé en 1900 sur les ruines d'un palais brûlé sous la Commune, était composé d'une gare et d'un hôtel destiné à accueillir les visiteurs de l'exposition universelle. En 1958 le trafic ferroviaire disparait et en 1973 l'hôtel ferme définitivement ses portes. Quatre ans plus tard il est officiellement décidé d'en faire un musée et en 1979 les travaux commencent. L'année précédente, en 1978, Sophie Calle a 25 ans ; elle revient des Etats-Unis, flâne en bord de Seine, passe devant l'hôtel déserté. Elle aperçoit une petite porte, la pousse et entre dans un grand hall majestueux, silencieux et vide.

Elle grimpe au 5ème étage et se choisir une chambre à l'abandon, la 501 (photo 1).

Pendant plus d'un an elle y passe le plus clair de son temps, éprouvant au plus fort d'elle-même la désolation du lieu. Elle prend des photos, rassemble des documents abandonnés (fiches des clients, relevés de gaz, cahiers remplis de chiffres, notes adressées à un employé de l'hôtel nommé Oddo) (photos 2-3-4), des objets dépareillés et rouillés (numéros des chambre en métal rouge émaillé, serrures, clefs, douilles de lampes, vieux téléphone) (photos 5-6) qu'elle rapportait chez elle dans une valise.

Quarante deux ans plus tard, lorsque Donatien Grau, le chargé des contrepoints contemporains au Musée d'Orsay, invite l'artiste à visiter le musée en plein confinement nait l'idée d'utiliser tout ce matériel pour réaliser une installation faisait revivre les fantômes du passé.

Exhumer tout ce matériel qu'elle a collecté à l'époque relève clairement pour elle du domaine de l'archéologie. Avec le culot dont elle fait toujours preuve, elle n'hésite pas alors à faire appel à un archéologue de haut vol, Jean-Paul Demoule, fondateur de l'Institut National de Recherches Archéologiques. Elle lui demande de s'associer à son projet et d'en écrire les commentaires. Celui-ci a alors l'idée géniale de se dédoubler et de faire deux types de textes. Dans l'un chaque objet ou document, décrit très minutieusement, donne lieu à une approche scientifique ; dans l'autre, un supposé archéologue du futur, constatant que tout ce matériel appartient à une civilisation désormais disparue, s'amuse à donner des interprétations délirantes, pastichant celles faites lors de découvertes archéologiques. Ces deux textes, le premier imprimé en noir, le deuxième en bleu accompagnent les reliques de l'hôtel et les photos prises à l'époque par Sophie Calle exposées en enfilade tout autour de deux petites pièces du musée.

C'est ainsi que deux fauteuils installés côte à côte dans une chambre dont le délabrement été scrupuleusement décrit dans le premier texte, se transforment dans l'autre en deux trônes portant des motifs sacrés, leur proximité suggérant l'existence d'un couple royal (photo 7). S'agirait-il alors ici de la salle du trône d'un roi ou d'un empereur ?....

Un chapelet de douilles d'ampoules électriques dont la description dans le premier texte est traitée avec une perfection et une minutie toute scientifique et qui prête à sourire devient, dans le deuxième texte, monnaies d'échange, tels les cauris ou coquillages dans les sociétés primitives (photo 8).

Commentant la photo d'une salle de bains saccagée prise par Sophie Calle, le texte en noir est volontairement froid, distancié, sans affect mais c'est l'étrangeté du dispositif de la tuyauterie qui intrigue notre archéologue du futur dans le texte en bleu (photo 9). S'agirait-il d'un moyen de communication avec l'esprit d'Oddo, ce personnage qui hante les lieux et qui était probablement le factotum de l'hôtel ?

La présence du passé sert ici, comme dans nombre d'œuvres de Sophie Calle, de point de départ de cette installation. Les objets collectés, les photos prises par l'artiste et ici exposés permettent de constater, avec effroi, la rapidité avec laquelle le temps fait son travail. En à peine 10 ans l'intérieur de ce bel hôtel est cassé, pillé, sali. La quête des traces du passé serait bien nostalgique si elles n'étaient pas accompagnées du plaisir éprouvé à la lecture des commentaires débordant d'humour de Jean-Paul Demoule. De la rencontre de ces deux sentiments contradictoires, de cette façon de nous inciter à regarder les choses à distance, jaillit la poésie.

Sophie Calle et son invité Jean-Paul Demoule "Les fantômes d'Orsay" . Musé d'Orsay - Esplanade Valery Giscard d'Estaing, 75007-Paris. Jusqu'au 12 Juin.

Impression bouquets (par Sylvie)

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En quelques semaines, des sujets floraux, figuratifs, se trouvent exposés simultanément dans des galeries parisiennes d'orientation habituellement  contemporaines. De quoi nous étonner nous, decrypt-art, profondément "abstractophiles". Comment et pourquoi la peinture de fleurs, les bouquets en particulier, sujet traditionnel par excellence, pouvait elle encore relever de la problématique picturale dans notre XXI ème siècle tourmenté?  Nous avons vu les natures mortes de Lovis Corinth chez Karsten Greve, les gros plans de Denis Laget chez Etc et les semis de Damien Cabanes  chez Eric Dupont. Tour d'horizon.

Lovis Corinth (1858-1925) est allemand. Arrivé en 1884 dans un Paris bouleversé il s'est frotté à l'académisme des Beaux-Arts mais la liberté de geste et de couleur de Cézanne et Van Gogh l'ont convaincu. Ses natures mortes (1915 -1925) ( extraites de la collection privée Karsten Greve) reflètent la complexité d' un travail, pris entre la tradition et la modernité, les maîtres hollandais et les impressionnistes, l'émerveillement et l'anxiété. Ici  se mêlent, sur un fond terne, l'énergie vitale de chrysanthèmes blancs, à droite, un foisonnement multicolore compact au centre et, à gauche, deux tiges fleuries basculant. Pichet et fond sont balayés d'un même mouvement tournant et vibrant. L'équilibre de l'ensemble en fait une représentation extrêmement décorative néanmoins expressionniste. La peinture allemande est plus tragique qu'insouciante. (photo 1).

Celle de Denis Laget - né en 58 - toute aussi mouvementée, a été exposée récemment à la galerie Etc. Ses petits tableaux à l'huile sur toile, bouillonnants et sombres de 20x20cm faits de gros plans au médium épais, sans cadre, nous a mis le nez dans une matière-fleur vénéneuse ou meurtrie. Qu'ils aient été exposés aux côtés de grandes encres dépouillées, toutes en silence et lenteur de Claire Chesnier, n'en faisait que mieux voir la pourriture. (2)

Damien Cabanes - né en 59- est à la galerie Dupont jusqu'au 23/04/2022.       Ses semis de fleurs ou de fragments de fleurs se dispersent joyeusement sur de grandes toiles suspendues et sans cadre, comme de fugaces apparitions. Telles les "anthropométries" d'Yves Klein, la tulipe et sa pétale légère, détachée de la tige, m'ont paru flotter dans l'espace. (3)

 D'hier à aujourd'hui, d'autres oeuvres témoignent de la persistance du sujet fleurs dans l'histoire de l'art, des techniques picturales, de l'Histoire elle même et... de sa similitude attribuée avec la condition humaine.

 Sans remonter  trop loin en arrière, les "Tournesols"(1888) de Van Gogh, leur puissance chromatique et leur simplicité formelle font presque oublier que chacune des fleurs qui composent le bouquet est à un stade différent d'évolution, véritable personnification végétale de l'homme et métaphore, si l'on veut, du temps qui passe. (4)  

Rien de comparable chez Bernard Buffet  - 1928-1999 - qui, dans les années 50, a bousculé la société par ses tracés noirs, rigides et austères. Ce misérabilisme est palpable dans ses toiles et ses nombreuses lithographies où bouquets et fleurs griffues à l'extrême et aux couleurs peu nuancées reflètent un profond pessimisme. La chair est triste!  (5)                                

Son contemporain américain, le maître du Pop-Art, Andy Warhol - 1928- 1987 -  a pris le devant de la scène et rendu obsolète la convention "pas de fleur sans vase". Sa série phare, les "Flowers" (1964) (6)

                                            

reste emblématique: les gros plans de pavots (?) stylisés et répétés, uniformes dans des couleurs parfois dissonnantes mais toujours saturées, résultent de la manipulation de l'image et de sa reproduction mécanique. Elles sont la gaité même et pourrait bien avoir puisé leur origine dans les papiers découpés de Matisse, l'impressionniste. Pas sûr cependant qu'elles traduisent vraiment la nature dans sa beauté et sa fragilité..                                             

 Les immenses toiles de pivoines éclatantes, alignées, courbées sous le poids de l'eau qui les imprègne me paraissent bien  l'image, entre équilibre et chute,  de la condition humaine. Cy Twombly - 1928-2011 - l'américain nourri d'histoire de l'art, les a peintes peu avant sa mort. "Blooming" (2007), par l'intensité des couleurs, est une célébration de la vie. Les coulures participent de l'impression de poids et d'effacement progressif.(7)

Oui,la fleur demeure un motif qui s'impose encore au XXIème siècle. Elle témoigne de l'éternité du sujet et de la richesse expressive des artistes. Je n'en citerai que quelques uns qui m'ont particulièrement touchée.                                                                                                  Philippe Cognée - né en 57 -    Ses amaryllis et  pivoines sont bouleversantes de beauté et de suggestivité. Les toiles, peintes à la cire puis repassées au fer et floutées par arrachage de matière, atteignent un degré de réalité charnelle que l'on croit pouvoir toucher. "Carne de fiori" chairs de fleurs, titrait leur exposition à la galerie Templon en 2019. Magnificence par les couleurs, le velouté, la puissance suggestive des gros plans glorieux ou déjà chancelant laissant voir des interstices mystérieux. Toute la chair humaine est là, sa beauté, sa décadence. Pas seulement un exercise de peinture. (8)                                                                        Miguel Barcelo - espagnol né à Malaga en 57 -  est à la fois peintre, sculpteur et céramiste. De sa découverte de l'Afrique sont nées des oeuvres entre tradition et modernité dans lesquelles la céramique tient une place de choix. De ses poteries ventrues comme des femmes enceintes émergent des formes souples qui rappellent le végétal ployant sous le soleil. C'est le bouquet! (9)

Le monde change, les façons de voir aussi. Kapwani Kiwanga - née au Canada en 1978 - a obtenu le prix Marcel Duchamp pour ses compositions éphémères comme réflexion sur le temps et l'histoire. Miguel Chevalier - né en 59 au Mexique expérimente un nouveau langage pictural à travers le numérique et le virtuel: ses fleurs fractales naissent, s'épanouissent et meurent aléatoirement.(10)..   

 Autre signe des temps, le quotidien Le Monde a clos, voilà peu, quelques uns de ses suppléments hebdomadaires par des photos de belles compositions florales de Simone Googh, jusqu'au simple ébouli de mimosa, pour en souligner la diversité et l'art de les composer en fonction de la pièce qui les recevra: la cuisine par exemple pour du télétravail. De quoi donner envie de perpétrer cette nouvelle habitude par un apport floral qui, je cite John Tebbs l'auteur du papier :"... apporte une touche de couleur, un repère quant à la saison et un rappel, de par la beauté éphémère des fleurs, que celle-ci passera elle aussi."

Damien Cabanes, galerie Eric Dupont, 138 rue du temple, 75003. Tel  [phone], jusqu'au 23 avril.

Lovis Corinth, galerie Karsten Greve, 5 rue Debelleyme, 75003. Tel [phone], juqu'au 21 mai.

 

Judith Reigl (par Régine)

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Il est des expositions dont on sort avec le sentiment heureux de se sentir amplifiée, comme si l'horizon devant soi s'était agrandi. Cette émotion est suffisamment rare pour mériter d'être soulignée lorsqu'elle se produit. Or l'exposition de Judith Reigl, rue du Pont de Lodi à la Galerie Kamel Menour est de celle-là.

En entrant dans le vaste espace de la galerie et en parcourant du regard les tableaux qui y sont accrochés une sensation de liberté, d'espace infini vous saisit. C'est en regardant les oeuvres, que l'accrochage fort bien fait met en valeur, qu'on comprend pourquoi ce sentiment est si puissant. Dans l'un, Ecriture en masse (1961), une forme noire dans laquelle flamboie un magma couleur de feu semble traverser en apesanteur l'espace de la toile blanche. Telle une météorite en fusion elle nous entraîne dans le cosmos à l'unisson des planètes et de la formation de l'univers (photo 1). Dans un autre grand tableaux de la même série (1964) des formes noires très vigoureuses tourbillonnent au centre de la toile, et dans un mouvement ascendant semblent vouloir s'en échapper (photo 2). Ces peintures entretiennent avec l'espace une relation bien spécifique.

Mais revenons à l'artiste dont le parcours exceptionnel sous-tend l'oeuvre. Née en 1923 à Kapuvar en Hongrie, Judith Reigl suit les cours de l'académie des Beaux Arts de Budapest de 1941 à 1946, puis passe deux ans à Rome. Rentrée en Hongrie en 1948 elle n'a qu'une idée : passer à l'ouest et quitter le régime communiste et totalitaire de son pays. Après plusieurs tentatives elle réussit, au péril de sa vie, à passer le rideau de fer et après un voyage le plus souvent effectué à pied elle arrive à Paris en 1950. Elle est reçue par son compatriote Simon Hantaï et fait la connaissance d'André Breton et du groupe surréaliste. La notion d'automatisme psychique la marque alors profondément et libère sa pratique. L'élément moteur de cette oeuvre pourrait donc bien être la vie même de l'artiste et sa soif infinie de liberté.

Au cours de sa carrière Judith Reigl explore de nouveaux thèmes, de nouveaux modes de création et travaille par séries. Ainsi dans les années 1966, de son écriture automatique et abstraite, surgissent des formes anthropomorphes. Ce sont plus d'une centaine de figures masculines qui font alors leur apparition. Deux exemples de cette première série sont ici présents (photo 3) : Homme circa (1964-66) et Homme (1966). A la limite de l'abstraction il est bien difficile d'y reconnaître des bustes d'homme. Sans visage et sans pieds seules leurs cages thoraciques sont figurées par des formes noires extrêmement vigoureuses qui envahissent la totalité de la toile et la débordent de tous les côtés. Ces peinture d'une austère grandeur, marquées d'une gestualité intense, ne représentent-elles pas aussi le corps de la peinture. "Elles sont l'arrachement physique de l'artiste vers sa réalisation créatrice" dit Marcelin Pleynet.

Plus tard avec les séries Déroulement liée à Mozart et Art de la fugue liée à Bach, Judith Reigl propose une promenade dans la couleur et la musique. En effet les tableaux de ces séries sont réalisés par l'artiste en déambulant au son de la musique le long de grandes toiles et en les effleurant à chaque pas avec un bâtonnet entouré de laine de verre imprégnée de peinture glycérophtalique. Sont ainsi enregistrés le déplacement et les sensations que l'artiste ressent en écoutant cette musique qu'elle aime par dessus tout. Devant les quelques peintures de cette série ici exposées on éprouve un sentiment d'apesanteur et d'espace qui déborde bien au-delà de la toile. Ainsi Déroulement (1977) : sur cette magnifique toile d'un vert jade impalpable, impossible hélas à reproduire en photo,  se déroule un tracé ondulatoire de signes de couleur indéfinissable qui dansent au rythme de la musique et de la marche (photo 4). Il y a dans ce procédé une logique poétique qui nous entraîne au coeur de l'acte créateur.

A la fin des années 1980 les figures masculines réapparaissent avec les séries Face et Corps au pluriel où des silhouettes masculines se dressent debout ou flottent dans l'espace. De très beaux exemples en sont ici donnés. Dans Face à...(1988) un personnage ou un fantôme d'un vert presque phosphorescent flotte en position verticale sur le fond noir de la toile dont il tente de s'échapper par un mouvement ascendant (photo 5). Dans Corps au pluriel (1991) une silhouette entièrement bleu aux contours flous, se dirigeant vers le spectateur, surgit du fond de la toile blanche qu'il irradie de sa présence (photo 6).

Dans toutes ces séries le motif des oeuvres excède la toile et le regardeur est invité à leur imaginer un au-delà. Cette façon de faire n'a-t-elle pas un rapport avec un jour de mars 1950 qui a déterminé le destin de l'artiste ? "Rien dans l'oeuvre de Judith Reigl ne permet d'oublier la très singulière expérience que fut pour elle le choix de la liberté" dit Marcelin Pleynet.

Judith Reigl "Je suis la règle" - Galerie Kamel Menour, 5 rue du Pont de Lodi, 75006-Paris, jusqu'au 26 Mars. Ouvert du mardi au samedi de 11 à 19 heures.

 

Jean Pierre Schneider ( par Sylvie )

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Quand on apprécie le travail d'un artiste, on ne rate pas une occasion de le faire connaitre ou d'en rappeler les qualités particulières. Jean Pierre Schneider est de ceux là. Régine Lissarrague, ma compagne de blog, l'a déjà signalé en 2018 et 2019. Je voudrais à mon tour communiquer mon enthousiasme à son sujet et vous inciter à visiter l'exposition que la galerie Aittouarès lui consacre pour quelques jours encore.

Sous le titre "Les femmes et la mer" figurent, entre autres, des tableaux de jarres, grands récipients en terre cuite, galbés et au col fin - les phéniciens les utilisaient déjà pour conserver l'huile ou le vin ! Pour l'artiste, elles symbolisent la femme dans ses rondeurs de mère "engenderesse", sa noblesse et sa dignité. Ce n'est pas tant le sujet qui suscite l'intérêt et accroche le regard mais la matière picturale d'abord, les épaisses couches de peinture liées à la poudre de marbre, qui donnent consistance, onctuosité et surtout une blancheur extrême. Le titre de la série: "Comme si il ne manquait rien" est inscrit dans chacune des toiles. C'est une pratique fréquente de l'artiste. Sur cette oeuvre (60,5 x 60,5 cm) 2021, la graphie des mots participe de l'oeuvre: elle sautille comme des vaguelettes légères et fluides  autour de la masse monolithique et altière enfermant ses secrets. La volumétrie de la pâte, ses creux et ses reliefs, traduisent un âge, une histoire, une solidité, une intense concentration. Que de solitude dans l'espace sans limites du fond.

Sommairement habillée de vert comme une plante qui sortirait tout juste de terre, cette jarre là, datée du 8/10/21, tend son col vers la lumière, évocation poétique de la vie souterraine, ou celle du nouveau né assoiffé d'air. Le large diptyque coupe la figure en deux : la gestation est en cours. Miracle de la nature qui unifiera la forme dans un univers vaste et serein.

L'eau a beaucoup à voir dans l'œuvre de Schneider. Dans cette petite toile de mai 2019, elle a la couleur gris-verte des fonds de lacs : épaisse, sensuelle, presque immobile. Sur les bords, droite et gauche, la peinture s'effiloche, laissant l'oeil deviner l'étendue aquatique. Il suffit de quelques traits blancs pour qu'apparaissent à la surface les reflets de la lumière, et quelques traits noirs pour qu'existe la barque, peut-être abandonnée. Ancrée à droite, sa silhouette affleure comme un souvenir lointain ou une mystérieuse disparition. On ne sait.

La force du propos de Jean Pierre Schneider est précisément le peu, l'essence des choses. Elle saute aux yeux avec pudeur. Alors, Schneider, figuratif ou abstrait ?

 

Jean Pierre Schneider, "Les femmes et la mer",  galerie Aittouarès, 14 rue de Seine, 75006. Jusqu'au 5 mars 2022.

 

 

"Forme de transfert" aux Magasins généraux de Pantin (par Régine)

Aller à Pantin voir, dans le bâtiment appelé "Les Magasins généraux", l'exposition de jeunes artistes ayant travaillé au contact d'artisans intitulée "Forme de transfert" est aussi l'occasion de se promener  sur les bords du canal de l'Ourcq et de constater que le Grand Paris n'est plus une illusion.

Construit en béton armé au début des années 1930 l'immense bâtiment où étaient stockées les denrées venues du monde entier et qui alimentaient Paris, connut à cette époque une activité bouillonnante. Abandonné une trentaine d'année plus tard, il devint le terrain de jeu de graffeurs du monde entier ce qui lui valut d'être appelé "Temple du graffiti" ou "Cathédrale du graffe". 70 ans plus tard l'idée d'un nouveau quartier au bord du canal prit forme et dans la foulée les Magasins généraux furent réhabilités. L'agence de publicité BETC y installa ses bureaux en 2016 et y développe actuellement une programmation artistique et culturelle.

Au rez-de-chaussée un bel espace est réservé aux expositions temporaires (photo 1). Celle en place jusqu'à fin mars, intitulée "Forme de transfert" est réalisée en collaboration avec la fondation d'entreprise Hermès dont les bureaux et quelques ateliers de confection sont installés à proximité. En 2010 cette fondation a en effet mis en place des cycles de résidences d'artistes au sein des manufactures de la maison à Paris et en province. Ainsi des plasticiens, parrainés par des artistes reconnus tels Jean-Michel Alberola, Richard Deacon, Ann Veronica Janssens ou Guiseppe Penone, sont-ils invités à travailler avec des artisans qui les initient à leur savoir faire. Les œuvres ainsi créées sont donc le résultat d'un dialogue entre artiste et artisan. Cette très intéressante exposition montre les œuvres réalisées en majorité par des femmes, qui sont le résultat de 10 années de cette expérience.

Des ateliers de cristallerie, de maroquinerie, d'argenterie, du textile, répartis dans toute la France participèrent à l'expérience et reçurent durant quelques mois, un ou une artiste pour l'aider à réaliser une œuvre dont voici quelques exemples parmi la trentaine présentées.

La cristallerie St Louis située en Moselle a piloté plusieurs travaux, différents les uns des autres. Ainsi pour la sculpture "Movidas"(photos 2 et 3) l'artiste Lucia Bru, avec l'aide et les conseils des ouvriers de l'atelier, a fabriqué des milliers de petits cubes de cristal ou de porcelaine. Ils sont ici déployés sur le sol, en deux ilots qui envahissent l'espace et accrochent merveilleusement la lumière. La liberté qui se dégage de cette œuvre mouvante est communicative. En effet, le spectateur peut à sa guise tourner autour, changer la place des cubes ou en prendre, rêver devant la fragilité, la patience et le temps qu'il a fallu pour la réaliser.

L'installation Presque innocente de Marie Anne Franqueville nous plonge dans son univers fantastique. Les objets en cristal extrêmement fins disposés sur une table d'autopsie nous frappent d'abord par leur fragilité, leur délicatesse et la perfection de leur réalisation (photos 4 et 5). Mais ne nous y trompons pas, l'idée de souillure avoisine ici avec celle de pureté. En effet chacun de ces objets représentent les organes d'une vierge devenus meurtriers. Décorés d'un fin réseau veineux rouge, ils sont tous munis de pièges inventés par l'artiste. Ainsi la carafe représente un utérus dont la propriétaire peut, grâce au bouchon, rester maitre de son utilisation. Les cloches munies de pointes sont des seins, le peigne dont les dents rappelle la ceinture de chasteté est un sexe féminin et les deux verres avec leurs piques munies de crochets symbolisent les ovaires....

Démontrant les capacités infinies du verre Emmanuel Régent présent deux œuvres très différentes. L'une Himmerslsturz, qui consiste en plusieurs très beaux pavés colorés faits à partir d'aquarelles peintes par l'artiste, laisse une grande part à l'aléatoire (photo 6). L'autre Le naufrage de l'espérance, tentative de réaliser en trois dimensions La mer de glace de Caspar David Friedrich, a nécessité l'aide de nouvelles technologies et de l'outil informatique.

Le rideau en cuir, plissé en chevrons, apparemment d'une seule pièce qu'Emilie Pitoiset a réalisé à la maroquinerie de Pierre Bénite est un véritable tour de force. Il a fallu d'abord assembler, de façon invisible, 43 peaux pour obtenir une pièce de 3m de long, puis la plisser en chevrons en surmontant la difficulté de contraindre la rigidité du cuir (photos 7 et 8). Or c'est ce plissage qui permet de jouer avec la lumière et de donner l'illusion d'un changement de matériau. Cette pièce magnifique est intitulée "Gisèle" du nom de ce ballet romantique où l'héroïne danse à en mourir. "Le tombé de ce rideau plissé est un hommage à la résistance d'un corps...." dit l'artiste.

La longue pièce de tissus de 40 m faite d'un mélange de soie, lurex, polyester et acier de Célia Gondol a réalisé au sein de la holding textile Hermès à Pierre Bénite est née de sa rencontre avec l'astrophysicienne Hélène Courtois. Le projet s'élabore à partir de la couleur des lumières rencontrée dans l'univers. Observables d'Apeiron est la tentative de rendre visible l'insaisissable qui nous entoure. Le regard déambule le long de cette oeuvre hors norme dont la beauté transcende la matérialité (photos 9). Elle est accompagnée d'une vidéo dans laquelle l'astrophysicienne elle-même en fait le commentaire.

Sous le parrainage de Richard Deacon, Marine Class a bénéficié d'une résidence à la Manufacture Puiforcat de Pantin, spécialisé dans la haute orfèvrerie. Avec l'aide attentive d'un spécialiste du travail du métal elle a réalisé, avec une extrême précision, un objet destiné à décorer une table. Pour présenter l'œuvre qui fait penser à un bateau échoué, elle a imaginé une nature morte et l'a posée au contre d'une table recouverte d'un tissus dont le dessin imite une mer de glaces (photo 10)

Quant à Clarissa Baumann, s'intéressant au rapport entre la matière et la forme, elle a procédé, dans le même atelier, à l'étirement extrême d'une cuillère en argent (cuillère 2015-2017) pour parvenir à transformer cet objet courant en un fil d'argent de 17 m de longueur. L'installation, qui montre, sur une longue table, toues les étapes de la transformation de l'objet pour se terminer en une bobine, est fascinante (photo 11).

On pourrait encore citer de nombreux exemples, car presque tous méritent de l'attention. Le livret qui sert de guide à la visite est fort bien fait. Chaque page est consacrée à un artiste et comporte un QR code qui permet de le voir au travail et échanger avec les artisans. On ne peut qu'encourager une telle initiative qui ouvre un dialogue fructueux entre art et artisanat et qui stimule l'imaginaire.

Magasins généraux - 1, rue de l'ancien Arsenal - 93500 - Pantin : "Formes de transfert", 10 ans de résidences d'artistes- jusqu'au 13 mars. Du mercredi au dimanche de 13 h à 20 h.

 

Peinture et calligraphie chinoise, collection Chih Lo Lou ( par Sylvie ).

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      La calligraphie et la peinture traditionnelle chinoise sont, pour la plupart d'entre nous, un grand mystère. L'occasion nous est offerte aujourd'hui d'en voir quelques exemples de grande qualité, de quatre siècles d'âge, réunies dans la collection privée Chih Lo Lou - "Pavillon de la félicité parfaite" - prêtée par le musée d'art de Hong-Kong au musée Cernuschi à Paris. Elle est constituée par des peintures et des calligraphies de la période transitoire entre les dynasties Ming et Qing, au cours de laquelle de nombreux intellectuels ont fait le choix de se retirer hors du monde plutôt que de collaborer avec les successeurs. Ces oeuvres sont donc parfois des paysages idéaux, des étapes de voyages accomplis en rêve, des lieux de méditation ou de quête de sagesse et d'ascèse, et le reflet de la résistance des artistes.                                                                                                 La raison pour laquelle nous, decrypt-art, dont la spécialité est l'art contemporain, nous vous invitons à visiter cette riche exposition, est que cet art très ancien et très élaboré, influence encore les artistes occidentaux. En France, Jean Degottex (1918-1988), artiste majeur de l'Abstraction lyrique, initié par André Breton à l'écriture automatique surréaliste et aux principes essentiels de la pensée Zen, a trouvé dans cette discipline un état méditatif propre au geste spontané et contenu, "L'unique trait de pinceau". Ses oeuvres sont des espaces de pure poésie qui provoquent une sensation de sérénité et de plénitude. "Le plein et le délié de l'écriture sont une respiration, j'aimerais que ma peinture soit une grande respiration" disait-il. (photo 1) Et aujourd'hui, Fabienne Verdier , née en 1962, formée en Chine par de grands maîtres à cette école de l'exigence, manie de tout son corps un pinceau géant suspendu à une structure mobile dans l'expression parfaite, surdimensionnée, des forces du vivant,  (photo 2). L'un et l'autre de ces artistes se réfèrent au traité théorique d'un célèbre moine, Shitao, de son vrai nom Zhu Ruoji (1642-1717) qui choisit la vie  monastique après la chute de la dynastie Ming à laquelle il appartenait. Ses "Propos sur la peinture du moine Citrouille amère", véritable manuel de peinture et ouvrage philosophique, est considéré encore aujourd'hui comme une introduction à l'esthétique picturale chinoise et une méditation sur le pourquoi et le comment de la peinture. Sa réponse éclaire les liens qui unissent création picturale et création de l'univers.

Peinture, écriture se mêlent donc pour traduire la nécessité pour les hommes, les poètes, les artistes de se retirer du monde d'ici bas et d'aller, dans cette période d'alternance dynastique faite de grandeur et de misères, vers la contemplation de la beauté de la nature, le silence, une sorte d'au delà féérique, un lieu de quête spirituelle tel que le désert pour la chrétienté. Comme l'ensemble de l'exposition, qui ne regroupe pas moins d'une quarantaine d'artistes, c'est une Chine toute en montagnes, végétation, cheminements, solitude, dont l'essentiel est de traduire, avec un pinceau parcimonieux, une idée d'absolu et de sérénité à atteindre.        Ce qui est frappant au premier coup d'oeil pour nous occidentaux c'est que ces peintures mettent en rapport l'immensité des paysages et la quasi l'imperceptibilité des êtres humains.

Regardons une  des peintures de Shitao, parmi les 8  de très petites dimensions  (20,5x34 cm) qui composent la feuille d'un l'album :"Peintures d'après les poèmes de Huang Yanlü (feuille n°18), 1701-1702, encre et couleurs sur papier (photos 3et4). Un long chemin ardu, épineux, mène au sommet de la montagne noire où se distinguent la toiture d'un petit bâtiment et les silhouettes de deux personnages tournés vers l'infini de l'espace, comme deux spectateurs émerveillés. Au pied de la montagne, mais délaissée comme un vieux souvenir, s'inscrit une  majestueuse habitation dans son nid de verdure.. Tout est dit dans ce contraste. On notera  la délicatesse des contours épineux qui ressemblent aux cils ultrasensibles de l'epithelium des huitres !  Le voyage est raconté par une calligraphie au pinceau  qui, bien sûr, nous échappe mais qui combine art purement visuel et interprétation au sens littéraire. 

    Le poème en colonne calligraphiée semi cursive de Huang Daozhou  (1585-1646 ) est une encre sur soie de 177x53,3 cm. dont la belle vigueur est à l'image, semble-t-il, de la personnalité forte et incorruptible de son auteur, dit-on, ainsi que sa rébellion contre une certaine tradition : texte penché vers la gauche, en mouvements précis, virages du pinceau (photo 2). C'est le récit d'une excursion en montagne avec des disciples. Elle date de la fin de la période Ming. Pour notre oeil sa lecture proprement dite est impossible sans l'avoir étudiée mais la graphie de chaque symbole libère une énergie dont on cherche l'origine. Shitao nous donne l'explication : "l'unique trait de pinceau", un élan spontané, maitrisé qui fait la qualité du geste. (photo 5).

"Le jeune Qiang lisant", de 1485, encre et couleur sur papier, 151,8x64,5cm, est l'oeuvre du poète renommé Shen Zhou (1427-1509). C'est un mélange de représentation paysagère et description de la vie quotidienne comme le pratiquaient les peintres à partir de cette dynastie .Au premier plan la maisonnette/ cabinet d'étude dans sa clairière où le jeune homme est absorbé par son travail. A l'arrière plan, des reliefs montagneux. L'atmosphère est sereine comme devait la chercher le peintre pour se tenir à l'écart des luttes de pouvoir. L'encre est pâle et rudes sont les traits selon la dernière manière de l'artiste vieillissant. (photo 6).

Faute de pouvoir passer en revue tous les trésors de cette exposition, je m'arrêterai sur une dernière oeuvre qui m'a profondément émue, celle d'un poisson  d'une modernité absolue, réalisée par BADA Shanren (1626-1705). Ce "Poisson", 26x51cm, regarde vers le ciel et nage dans un espace aquatique indéterminé. Il pourrait symboliser la situation des notables qui ont perdu leur situation après la chute de la dynastie et vivent dans un vide sans avenir. D'où ce dépouillement et cette sensation de vacuité. Ressemblance qui n'est pas seulement physique mais aussi intérieure. La calligraphie qui occupe la moitié supérieure de l'oeuvre ajoute son poids de détresse sur l'horizon ( photo 7 ).

La peinture et la calligraphie chinoises, fussent-elles des 17ème ou du 18ème siècles, ont bien des choses à nous apprendre. Pas seulement sur l'histoire d'une civilisation mais aussi sur l'âme humaine et "l'illusion du réel par la figuration", une notion profondément occidentale selon Fabienne Verdier. Courez y.

 

"Peindre hors du monde, moines et lettrés des dynasties Ming et Qing - Collection Chih Lo Lou", musée Cernuschi, 7 av. Velasquez, 75008 Paris. tel: [phone].  Jusqu'au 6 mars.