S.H. RAZA au Centre Pompidou par Régine et Sylvie

La rétrospective de S.H. RAZA actuellement en place au Centre Pompidou est une bonne surprise et une belle découverte. Exposer ce peintre d'origine indienne, actuellement peu connu en France, mais où il vécut près d'une cinquantaine d'années, fut sans doute une gageure, mais le musée ne remplit-il pas ici parfaitement son rôle en faisant découvrir au public des oeuvres qui portent la marque de leur époque ? L'accrochage chronologique nous permet en effet non seulement de suivre l'évolution du travail de cet artiste, mais surtout de revisiter l'histoire de la peinture des années 1950 à 1990 sous le prisme d'une autre culture, celle de l'Inde.

Né en 1922 au coeur de l'Inde, dans l'état de Madya Pradesh, S.H. Raza fait ses études artistiques à Bombay. Il découvre le cubisme, l'art moderne français et crée en 1947 le Progressive Artist Group qui réunit les artistes indiens d'alors, traumatisés par l'indépendance et la partition  de leur pays. Il se rend en France en 1950 où il restera jusqu'en 2011, partageant sa vie avec son épouse française entre Paris et le petit village de Gobio dans le midi. A la fin de sa vie il rentre en Inde et meurt à New Delhi en 2016.

Les aquarelles peintes en Inde dans les années 1940 qui ouvrent l'exposition sont pleine de charme et révèlent le grand coloriste et la réalité indienne. Dans Sans titre, rue de Bombay (1941) tout se dissout (photo 1). Les bleus, les mauves et les verts se diluent les uns dans les autres, la rue est transformée en rivière et les personnages se hâtent dans une atmosphère liquéfiée par la pluie tropicale. Dans Bénarès (1944)  les couleurs soulignent les variations de la lumière, ses vibrations et la foule  suggérée par des touches enlevées.

A son arrivée en France, en 1950, il regarde Picasso, Soutine, Nicolas de Staël, Olivier Debré, découvre les peintres de l'Ecole de Paris. Il connait Bernard Buffet dont l'influence est manifeste dans une série assez convenue. Pendant plus de dix ans, à part quelques représentations humaines, ce sera la nature son sujet essentiel . Deux délicieux exemples de sa découverte du midi de la France nous sont données: Paysage provençal. gouache et encre sur carton (photo 2) et Paysage de Cagnes de 1951. Leur simplification formelle et la délicatesse de leurs couleurs apparentent ces oeuvres à celles de Paul Klee. Réalisé avec la technique de la peinture appliquée au couteau chère à nombre d'artistes de l'école de Paris et à Nicolas de Staël, il peint plusieurs toiles dont Un village corse, huile sur toile ,1957, (photo 3) où sous un ciel bleu intense, quelques maisons blanches maculées d'inscription colorées émergent d'une végétation luxuriante. Le souvenir de la forêt indienne qui a marqué son enfance fait ici retour et hantera désormais son travail. Au début des années 1960 sa peinture se simplifie. La croix invisible de 1963 (photo 4) nous donne un exemple de cette évolution vers l'abstraction. C'est un tableau très sombre où plane une angoisse métaphysique symbolisée par une nuée noire qui s'élance vers le ciel surplombant un paysage très simplifié, où s'allument quelques lueurs.

Dès 1968, soit moins de 20 ans après son arrivée en France, bien que toujours inspirée par la nature, sa peinture devient abstraite. La composition s'organise en nuées de taches, les formats s'agrandissent. De beaux exemples de cette période, très marquées par leur époque, nous sont montrés ici dont Grey landscape (1968), acrylique sur toile, (photo 5) où, sur un fond très minéral, s'affrontent l'ombre et la lumière, Sikri (photo 6) dont les tons bruns rappellent les vestiges de la ville fantôme de Fatehpur Sikri au Rajasthan.

Avec des couleurs pures et vibrantes, évoquant les Ragas, cadres mélodiques utilisés dans la musique classique indienne, suivent plusieurs tableaux ayant pour titre La terre ou Zam in, la terre en indien (photo 6) où la couleur devient incandescente ; embrasée par la lumière qui vient du fond de la toile elle irradie les rouges, les jaunes les oranges, les bruns et les verts sombres.

L'influence de l'art indien se fait de plus en plus prégnante et l'organisation de la surface picturale par bandes ou carrés rappelle celle des miniatures Rajput et des peintures tantriques. Maa de 1981 (photo 7) est un bel exemple de cette évolution qui réunit le cercle noir, harmonie du monde de l'esprit et les carrés rouges, symboles de la matière et du savoir. On retrouve cette même idée dans Bengladesh (1971) (photo 8) qui, scindé en son milieu, évoque probablement la guerre de libération de cette région : les deux univers traduisant la violence des faits.

A partir des années 1980, Raza oriente sa pratique vers une abstraction géométrique symbolique et radicale. Laissant de côté le contrastes de valeurs opposées, il opte pour des formes élémentaires issues de la méditation. Le noir, couleur "mère" dans la pensée indienne acquiert ici profondeur et densité et le motif du Bindu devient omniprésent. Mais qu'est-ce que le "Bindu" ? ce terme désigne, en sanskrit, la graine, la germination. Dans l'oeuvre de Raza il est la figure de l'origine. Le point, le cercle (mandala) renvoient, dans son oeuvre, à la conception cyclique du temps. L'acrylique sur toile intitulée, comme plusieurs autres,  Bindu (1984) (photo 8)   d'un bleu foudroyant, symbolise la puissance séminale de toute vie et la forme visible qui contient toutes les composants plastiques essentielles :cercles, triangles, carrés, rectangles. Tableaux qui sont autant profondément indiens que d'une modernité propre à l'époque.

Si les mandalas tibétains sont les supports visuels basés sur la représentation géométrique de la méditation bouddhique, les oeuvres des dernières années de Sayed Haider Raza,  révèlent l'expansion de la création, du centre vers la périphérie. Une philosophie qui ne nous est pas familière mais dont l'expression picturale nous rappelle Rothko pour sa spiritualité.

En complément vous pouvez voir aussi "Cercle et territoire sacré, le mandala dans l'oeuvre de S.H. Raza" au musée Guimet, place d'Iéna, paris, jusqu'au 15 mai.

Sayed Haider Raza, au Centre Pompidou, Paris, jusqu'au 15 mai 2023.

 

 

Sudobh Gupta au Bon Marché (par Sylvie).

        Temple de la consommation de luxe, le magasin du Bon Marché a depuis longtemps manifesté son intérêt pour l'art contemporain en accrochant de ci de là sur ses murs - on dit cimaises lorsqu'il s'agit de galeries - des toiles d'artistes. Les dames du 7ème arrondissement et les nombreux étrangers qui se pressent à tous le étages, ne les remarquent pas toujours, semble t'il, ainsi accrochées le long des couloirs. Mais depuis 2016, tous les ans, sont organisées ponctuellement des expositions monographiques d'artistes étrangers. Rappelez vous nos pages sur celles du chinois AÏ Weï Weï et de la portugaise Joana Vasconcelos.; Avec le temps les lieux traditionnels d'exposition  ont changé.

Aujourd'hui, pour quelques semaines encore, c'est au tour de Sudobh Gupta, né en Inde en 1964, dont l'oeuvre principale, gigantesque (photo1), est installée sous la fameuse verrière au centre du magasin, les autres figurant à l'étage ou dans les vitrines de la rue de Sèvres, là où d'habitude prennent place vêtements et objets des plus grands faiseurs de mode et de décoration. Mais, cette fois, il s'agit de casseroles et autres pièces utilitaires en métal. Culotté diront certains, justifié diront les autres qui s'appuient sur l'origine de l'établissement, une mercerie propre à bouleverser les codes commerciaux d'alors. Boucicaut, en 1852, voyait loin.

Qu'est ce que ce grand "Sangam" (confLuence) suspendu au centre du magasin?  Un gobelet cliquetant fait d'un assemblage de casseroles d'aluminium qui déverse en cascade un flot éblouissant de plaques d'inox, comme un liquide qui accroche la lumière. La magnifiscence de l'oeuvre fait oublier la banalité du médium, simples outils de toutes les cuisines du monde mais qui portent en eux l'identité indienne et sa pauvreté.   L'artiste compose ainsi depuis 1995, transformant l'ordinaire en art. " J'habite en Inde et j'aime le travail" dit-il. A constater dans les vitrines: ici un landau itinérant dont le matériel de nettoyage est ligoté par des ficelles (2), là une étoffe de brisures d'assiettes sous l'aiguille d'une machine à coudre (3), ou encore une botte d'outils dans un tonneau de fortune...

Retour à l'intérieur: L'installation "The Proust effect" se poursuit au deuxième étage, avec une cabane suspendue (4), dont les composants un peu ternis par le passage du temps évoquent un labeur ordinaire si spécifiquement indien, la chaleur communicative des cuisines et des repas. Bien loin de notre société de consommation et la "malbouffe" industrielle..

Cet attachement aux racines, aux difficultés existentielles nées bien souvent de la colonisation, se retrouve chez quelques autres  artistes de par le monde. Quelle émotion devant  "Road to exile" et ses baluchons dérivant sur un canot du camerounais Barthelemy Toguo ou la tapisserie de capsules de coca cola assemblées du ghanéen El Anatsui, ensemble chatoyant qui pourrait bien incarner les rapports Afrique-Occident...Décidément la sculpture contemporaine est entrée dans le champ du vécu et de la communauté. La potentialité des matières la fait sociale, politique..

SANGAM de Subodh Gupta, au Bon Marché, 24 rue de Sèvres 75007 Paris, jusqu'au 19 fevrier.

 

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Biennale de Venise 2022 (par Régine)

Fervents amateurs de Venise et de ses Biennales, mon mari et moi attendions avec impatience le plaisir d'arpenter pour la 6ème fois les Giardini et l'Arsenal de cette merveilleuse ville. Décalée d'une année à cause du Covid, cette 59ème Biennale, dont le beau titre "Le lait des rêves" est emprunté à celui d'un ouvrage de la surréaliste Léonora Carrington, est à la fois surprenante, passionnante et décevante.

Surprenante car la curatrice, Giogia Alemani, a pris le parti de n'exposer aux Giardini que des femmes artistes. A l'Arsenal elles sont présentes à 90%. Les œuvres des 213 heureuses élues, venues de 58 pays différents, sont donc réparties entre ces deux lieux.

Passionnante car la plupart des artistes exposées sont des inconnues et on va de découverte en découverte. La décision de l'organisatrice de féminiser cette Biennale permet de considérer l'histoire de l'art sous un angle différent comme l'avait magnifiquement montré la belle exposition du Centre Pompidou "Elles font l'abstraction". De se trouver plongée au milieu de cette stupéfiante quantité de créations est extrêmement stimulant et enthousiasmant.

Décevante enfin car les femmes surréalistes, dont Léonora Carrington qui fournit le titre de cette Biennale, sont bien mal traitées ; plusieurs sont absentes ou représentées par des œuvres mineures souvent mal exposées. Leur lieu d'exposition en sous-sol, censé symboliser l'origine des créations exposées à l'étage supérieur, est mal éclairé. Décevante aussi car les grandes dames de l'abstraction, telles que Viera Da Sylva, Judith Reigl, Joan Mitchell, Geneviève Asse.... sont toutes absentes. Niki de St Phalle n'est représentée que par une seule Nana et pas la meilleure.

Les angoisses liées à notre époque sont sous-jacentes à la majorité des œuvres présentes. Le corps et ses métamorphoses, les rapports ente les êtres humains et les technologies, l'hybridation du corps et de la nature, le féminisme et la fin de l'anthropocentrisme sont les thèmes récurrents de cette Biennale. Il faut noter enfin que la peinture et la sculpture ont pris cette année le pas sur les vidéos et les installations.

Une dernière remarque : peu d'artistes ont eu la possibilité d'exposer plus d'une œuvre, encore moins de disposer d'une salle entière. Difficile dans ces conditions de se faire une idée sur l'ensemble de leur travail. Néanmoins, parmi cette avalanche d'oeuvres voici quelques coups de coeur.

Avant d'entrer dans le pavillon central des Giardini, faites un léger détour par le pavillon belge. Les vidéos tournées aux quatre coins du monde par Francis Alys sont jubilatoires. L'artiste a magnifiquement filmé des enfants la plupart démunis, jouant dans l'espace public, avec des objets trouvés sur place. Leur imagination, leur plaisir, leur vitalité, leur acharnement, exaltent la vie et on sort de là ravis et ragaillardis.

Occupant une salle entière du pavillon central, le travail de Cecilia Vicuna, lion d'or de la Biennale, retient et émeut. Cette chilienne, née en 1948, est une artiste engagée. La belle installation suspendue au centre de la pièce qui lui est consacrée est un immense mobile constitué de vieux filets et de détritus glanés sur les plages vénitiennes et dans la lagune. Sur les murs ses peintures sont largement inspirées des cosmologies incas. Ainsi dans celle intitulée Léoparda de ojitos une léoparde au regard humain se tient entre deux arbres, l'un rose, l'autre bleu. Elle est revêtue d'une fourrure rose parsemée d'yeux et de sexes masculins et exhibe ses parties génitales féminines.

Les troublantes sculptures en verre d'Andra Ursata, aux couleurs mouvantes et fluides, retiennent l'attention. Le modifications qu'elle fait subir au corps humain en soulignent la vulnérabilité.

Une série de petites œuvres graphiques, réalisées au début du siècle et réunies au sein d'un même lieu intitulé "Corps orbite" sont réjouissantes. Citons par exemple Mirella Bentivoglio (1922-2017) et d'Annalisa Alleati (1926-2000) qui, jouant avec les lettres et leur graphisme, ont cherché une façon de matérialiser le langage. La créativité et la beauté de leur réalisations sont stimulantes. Les façons si inventives dont chacune a visualisé graphiquement le mot "Monument" sont ici exposées. Le poème visuel d'Ilse Garnier (1927-2020), Blason du corps féminin, est une merveille de subtilité et d'intelligence. Tout se joue autour de la lettre O, symbole du corps féminin.

Très différente mais aussi fascinante est la façon de traiter les signes de Carla Accardi (1924-20114). La vitalité qui se dégage du tableau Assedio rosso n° 3 de 1956 est captivante. Peint en rouge sur fond noir une multitude de signes (boucles, vrilles, crochets...) se disputent l'espace semblant vouloir exprimer quelque chose avec impétuosité, mais on ne sait pas quoi.

La perfection avec laquelle Ulla Wiggen suggère l'iris d'un œil me poursuivra longtemps.

Il y a du Goya et plus proche de nous du Lucien Freud ou du Francis Bacon dans l'œuvre de Paula Rego devant laquelle il et difficile de rester indifférent. Cette artiste portugaise née en 1935 à Lisbonne sous Salazar et qui a passé sa vie à Londres, est morte récemment. Comme ses prédécesseurs, elle ne se faisait aucune illusion sur l'humanité. Ce qu'elle peignit magnifiquement ou fabriqua avec dextérité (personnages grotesques ou poupées de chiffon) avec un grand réalisme fascine et répugne à la fois. Ce qui est montré dans la salle qui lui est réservée ici ne sont que scènes de violences envers des enfants ou des femmes.

Pour clore cette visite des Giardini une surprise vous attend au pavillon danois. L'installation d'Uffe Isolotto est à couper le souffle. Dans la première salle un centaure hyperréaliste s'est pendu au plafond avec une grosse corde. Dans la deuxième salle une centauresse, plus vraie que nature, vient d'accoucher d'un être hybride encore engluée dans son placenta bleuté. L'inquiétante étrangeté qui se dégage de cette œuvre, proche de celles de Berlinde de Bruychkere, est extrêmement ensorcelante et dérangeante.

Il se dégage des grandes estampes sombres de la cubaine Belkis Ayon, qui ouvrent l'exposition de l'Arsenal un mystère et une puissance captivante. Réalisées avec la technique de la collagraphie (qui consiste à fixer à la surface d'une place des matières très résistantes qui, à la pression vont retenir l'encre et créer creux et reliefs à la surface du papier au moment de l'impression), inspirés de la culture afro-cubaine des Abakua, société secrète importée du Nigéria par des esclaves africains, elles mettent en scène des scénarios énigmatiques peuplées de silhouettes noires, grises ou blanches. Les yeux grands ouverts mais dépourvues de bouche, elles ne peuvent ni raconter ni ce qu'elles voient, ou ont vu, ni dire ce qu'elles savent.

La grâce et la légèreté des sculptures suspendues de la japonaise Ruth Asawa née en Californie en 1926, morte en 2013, enchantent. Adoptant des techniques artisanales apprises au Mexique où elle séjourna, elle tissa avec des fils métalliques : fer, cuivre ou laiton. Leurs formes légères et gracieuses évoquent celles de la nature. Les céramiques de sa contemporaine, Toshibo Takaesu, japonaise elle aussi, née en 1922 à Honolulu, morte en 2011, sont très belles et mystérieuses. Ressemblant à des contenants, elles n'offrent cependant aucune ouverture sur l'extérieur et ne peuvent donc rien contenir. Elles se dressent tels des totems symbolisant peut-être l'âme d'un être.

C'est non seulement par sa taille (4 m x 12) que la tapisserie fabriquée par le sud-africain Igshaan Adams stupéfie mais par sa beauté. En voici un détail car impossible de la photographier en entier.Comme le fait l'artiste nigérien El Anatsoui, il l'a réalisée avec de déchets, tissant ensemble des morceaux de bois ou de plastique, de chiffons, des perles, des coquillages, de la corde ou de la ficelle. Né sous l'apartheid, musulman élevé par des grands parents chrétiens, homosexuel, l'artiste entrecroisent probablement dans cette oeuvre les fils de son questionnement sur l'identité et l'hybridation des cultures.

Avec ses sculptures biomorphiques, aux formes parfaites et fluides et aux couleurs tendres, inspirées par la science-fiction et les films de Cronenberg et grâce aux nouvelles technologies, Humeau Marguerite donne naissance à des êtres inconnus ou existant dans d'autres mondes. L'artiste, qui travaille avec des scientifiques, en dessine les formes qui sont ensuite traduites en volume dans une version digitale, puis matérialisées en 3D. Le résultat donne des oeuvres imaginaires d'une grandeur fascinante.

De la magnifique installation Voir la terre avant la fin du monde de la nigérienne Precious Okoyomon, qui termine la visite de l'Arsenal, se dégage une grande poésie. Dans un jaurdin envahi par une végétation rampante et traversé par un ruisseau dont on entend le clapotis, on marche entre des monticules de terre au sommet desquels se dressent des formes sommaires de personnes. Elles dominent la scène, mais façonnées des mêmes matériaux que ce qui les entourent finiront-elles enfouies elle-aussi ? Tout ici exprime le dynamisme de la nature où vie et mort s'entremêlent.

Les oeuvres sont si nombreuses qu'il est difficile de les apprécier une par une. Je suis sûre d'en voir négligée. Mais cette abondance tient du miracle, en fin de compte. Elle témoigne de la variété apparemment inépuisable de la création contemporaine, et l'on, se demande déjà : Que nous réserve la prochaine Biennale ?

Biennale de Venise  : Les Giardini et l'Asenal. jusqu'au dimanche 27 novembre.

 

Biennale d'art contemporain de Corse ( par Sylvie)

La période estivale est certes terminée mais la Biennale d'art contemporain de Corse, qui a ouvert ses portes en mai, se tient toujours à Bonifacio jusqu'au 6 novembre.

Cette heureuse initiative de l'association "De Renava", un groupe de jeunes amis de la région, donne l'occasion de voir des oeuvres, essentiellement d'art vidéo et des nouvelles technologies, d'une quinzaine d'artistes de nationalités diverses. Les thèmes font écho à l'actualité, ses faits et ses sujets de débat, et sont regroupés en "mouvement de la vie", "mouvement du corps", "mouvement de l'esprit", pas toujours très clairs pour les visiteurs.

Mais pour cette manifestation la ville de Bonifacio a ouvert des lieux patrimoniaux généralement fermés au public. Alors, avant d'aller se restaurer sur le port et contempler les voiliers et les célèbres falaises de craie, visez les hauteurs de la ville et, à pieds si vous êtes en jambes ou en petit train, optez pour l'ascension.

Premier arrêt, à la minuscule chapelle Saint Roch, toute de blancheur, où se déploie sur un écran une vidéo rouge de mer agitée conçue par Melissa Epaminondi, flots colorés symbolisant les dangers de la mer. La biennale elle même au titre de Rouge Odyssée, est une référence à Ulysse qui, selon Homère, passa par Bonifacio. (photo 1).

Quelques pas plus haut, un bruit sourd comme le roulement d'une vague se fait entendre. Là, dans le jardin du Bastion, avec en arrière plan les falaises de craie, les hauts murs de la citadelle et les iles Lavezzi, le plasticien britannique Anish Kapoor a installé l'oeuvre la plus emblématique de l'exposition : Descension, véritable trou noir de 3 mètres de diamètre où un liquide sombre tourbillonne et s'enfonce au centre, comme aspiré par un vide. A l'image de la vie ? (2 et 2bis)

A la Cisterna la fragile graphie de Mat Collishaw symbolise l'arbre mythique et poétique de l'Angleterre et porte son nom, Albion, mais preuve de sa difficile préservation, l'artiste l'a encadré de part et d'autres, de piliers pour le soutenir (3).

La plus grande émotion m'est venue devant le film Le léopard du britannique Isaac Julien projeté dans l'ancien cinéma : c'est une étrange déambulation de migrants à Lampedusa, dans le décor baroque du "Guépard" de Visconti.

Surprises à la caserne Montlaur, haut lieu de la légion étrangère, aujourd'hui désafecté. L'américaine Kara Walker, au sujet de la création de l'Africain/Américain, fait défiler, comme dans les livres d'enfant, des images dessinées en noir et blanc en  ombres chinoises sur les thèmes hautement féministes de l'exploitation, de l'esclavage, de la domination des corps. (4) Et le chinois Mao Tao, dans son installation Fishing the moon interroge le visible et conduit notre oeil au fond d'un couloir vers une lune noire, changeante, tandis que sont diffusées les fréquences émises par la terre et l'esprit humain en méditation.(5)

Le spectaculaire écrin de bois, en pin corse laricio, réputé pour être parfaitement droit, et qui a été choisi comme matériau d'introduction à chaque oeuvre de la biennale, abrite,  à l'impluvium, celle, bien connue, de l'artiste corse Ange Leccia la mer, une vidéo géante qui place le spectateur devant le mouvement constant des vagues, à la fois souple et violent, vibrant et effervescent, superbe et menaçant. Elle implique perception et mémoire. Si elle rappelle le rendu des peintres impressionnistes, elle nous ramène surtout vers le dérèglement climatique d'aujourd'hui . (6 et 6bis).

Ces oeuvres et bien d'autres qui ne sont pas citées ici, toutes plus ou moins hypnotiques, nous questionnent sur l'état du monde et notre capacité à l'exprimer avec de nouveaux outils.

Rouge Odyssée, biennale internationale d'art contemporain, Bonifacio, jusqu'au 6 novembre, du mercredi au samedi de 16h à 21h.

 

 

Biennale d'art contemporain de Corse ( par Sylvie)

La période estivale est certes terminée mais la première Biennale d'art contemporain de Corse, qui a ouvert ses portes en mai, se tient toujours à Bonifacio jusqu'au 6 novembre;

Berlinde de Bruyckere à Montpellier (par Régine)

N'hésitez pas à double cliquer sur les images pour les agrandir.

Les oeuvres de Berlinde de Bruyckere ne ressemblent à aucune autre. Il suffit d'en voir une pour s'en souvenir à tout jamais tant leur force d'impact est puissante. On ne sort pas indemne de la rétrospective qui lui est consacrée jusqu"au 1er octobre au MOCO de Montpellier, intitulée "Piller/Ekphrasis" et qui se déploie sur 3 étages.

Intense, douloureuse, perturbante, ses sculptures sont à la fois travaillées par les grands mythes universels, par l'actualité et ses images. Les matériaux qu'elle utilise (notamment la cire colorée qu'elle manie comme une alchimiste et qui lui permet une grande souplesse d'utilisation, la peau de bête, le cuir et le bois) et sa façon de les assembler n'appartiennent qu'à elle.

Née à Gand en 1964 l'artiste grandit dans le quartier ouvrier de la ville où son père était boucher, détail qui n'est sans doute pas anodin. Elle étudie les arts monumentaux à l'Ecole de St Luc de cette ville. Gand est une ville d'art, c'est là que sont réunis les 24 panneaux de l'Agneau mystique des frères Van Eyck qui ont exercé sur elle un grand attrait mystique. Les natures mortes de la peinture flamande qui montrent souvent des animaux morts l'ont aussi, dit-elle, beaucoup influencée.

A partir de quelques exemples, essayons de cerner la spécificité et l'originalité de cette œuvre. La première sculpture qui ouvre le parcours a été présentée à la Biennale 2013 de Venise où l'artiste représentait la Belgique. After Grippelwood (2013-2014) (photo 1) est le moulage à la cire (matériaux privilégié de l'artiste) du tronc d'un gros orme posé sur des pieds métalliques. Sa position allongée suggère un gisant, sa couleur rose violacée : la chair mise à nu, la branche s'élançant vers l'avant pourvu d'un pansement : un membre blessé. Tout la rapproche d'un être vivant avec la fragilité d'un corps torturé et souffrant. Pour Berlinde de Bruyckere végétaux et animaux sont les égaux des êtres humains. Pas de hiérarchie, cet arbre est un corps qui lutte pour rester en vie.

Le premier grand plateau du musée accueille un groupe envoûtant et exceptionnel de sept Archangelos (2021-2022) (photos 2 et 3). Visages camouflés, couvertes de peaux de bête ces créatures moulées dans la cire se tiennent sur la pointe des pieds. Leurs jambes sont fines, leurs pieds effleurent à peine le socle en bois qui les supportent. Regroupées par trois, par deux ou isolée que signifient-elles ? Sont-elles des anges qui portent le fardeaux de toute l'humanité ? Viennent elle annoncer ou fuir des malheurs à venir, quémander une aide, consoler l'humanité de ses maux ? Nul ne sait. Comme dans toutes les travaux de l'artiste le sens n'est jamais univoque et les interprétations sont multiples. Ces archanges, dont se dégage un grand élan mystique, font aussi remonter à la mémoire des images d'œuvres d'art plus anciennes telles celle des Pleurants du tombeau du Duc de Bourgogne, ou de La Marie-Madeleine pénitente de Donatello.

Sur le deuxième plateau No life lost II (2015) (photo 4) montre les corps enchevêtrés de deux magnifiques chevaux naturalisés qui débordent d'une vitrine utilisée ici à contre emploi puisqu'elle ne peut les contenir. Des images rappelant la guerre et ses champs de bataille viennent aussitôt à l'esprit, celles entre autres si bien décrites par Céline dans Mort à crédit ou par Claude Simon dans La route des Flandres. L'ambiguïté surgit cependant par la position des corps qui évoque autant la mort et la désolation que l'étreinte amoureuse. Une autre pièce équestre To Zurbaran (2015) (photo 5) a été exécutée en écho à une œuvre de ce peintre représentant un agneau les pattes attachées. Devant la beauté de ce petit poulain, installé sur un coffre, tête bandée, pattes attachées, on ressent à la fois son impuissance et sa fragilité, la cruauté de ceux qui l'ont attaché, l'abandon qui succède à la lutte et l'injustice de la mort d'un être qui n'a pas eu le temps de vivre.

La dernière salle accueille une grande installation composée de plusieurs sculptures réalisées après la visite d'une peausserie à Anderlecht. Pour Anderlecht II (2019) (photo 6) il s'agit d'empilements de peaux ou de couvertures moulées dans la cire, pliées en quatre et posées sur des palettes en bois et pour No life lost I (2015-16) (photo 7) de la suspension à des crochets de 17 moulages de peaux combinant cire, poils d'animaux et acier. L'effet d'ensemble est glaçant, mais ici encore plusieurs niveaux de lecture sont en jeu : il s'agit bien sûr de l'écorchement d'êtres vivants et de la brutalité de leur dépouillement. Outre le mythe de Marsyas, cette vision, difficilement soutenable, évoque bien sûr la guerre et son cortège de scène d'horreur. Mais la fourrure est aussi un matériau doux, robuste, chaud et protecteur. Il diffuse chaleur et bien-être. Ces empilements de peaux (ou de couvertures) suggèrent autant la protection que l'exil ou la fuite, peut-être aussi l'étouffement ou l'excès d'attention. Ces deux installations figurent aussi notre société de consommation et ses gâchis.

Un dernier exemple avec la série The Wound (2011-12) (photo 8) dont l'assemblage à base de colliers d'attelage, cire, bois textile, couverture, fer, crée un malaise physique et mental. Ces œuvres qui font penser à des sexes féminins malmenés réveillent en nous des zones inconscientes qu'on préfère ignorer. A la fois tendres et cruelles, sexuelles et torturées, ces sculptures provoquent répulsion et fascination. Eros et Thanatos y sont intimement liés. Les séries d'aquarelles et de collages Met terre Huid (2016) (photo 9) qui les accompagnent sur les murs sont très belles mais leur érotisme cru n'échappe à personne.

Par sa démesure, sa provocation, l'art de jeter le trouble, on est tenté de rapprocher Berlinde de Bruyckere d'autres artistes belges actuels comme Wim Delvoye ou Yann Fabre, mais Rembrandt et son boeuf écorché n'est pas loin non plus. Son œuvre est intense, elle parle autant du corps et de sa fragilité, de la vie et de la mort, des liens qui unissent l'homme aux autres formes du vivant, de l'hybridation, que des bouleversement de notre monde, elle tisse aussi des liens entre l'art d'hier et d'aujourd'hui. Avec elle la frontière est bien vague entre réel et fantastique.

Berlinde de Bruyckere : Piller/Ekphrasis exposition jusqu'au 2 octobre - M.O.C.O. 13 rue de la République - 34000-MONTPELLIER - de 12 à 19 h. fermé le lundi.

 

 

 

Shirley Jaffe (par Régine)

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La rétrospective de Shirley Jaffe qui se tient actuellement au 4ème étage de Beaubourg est un vrai bonheur. Un souffle de vie parcourt toute cette œuvre où la couleur est reine.

Née dans le New Jersey, Shirley Jaffe étudie d'a bord à New York à la Cooper UYnion School. Puis dès 1949, et comme de nombreux artistes américains et canadiens de sa génération (Ellworth Kelly, Sam Francis, Joan Mitchell, Riopelle....) vient à Paris. elle s'installe d'abord à Arcueil, près de son ami Sam Francis, puis à Paris, rue St Victor dans le 5ème arrondissement, où elle restera jusqu'à la fin de sa vie en 2017.

Le parcours de l'exposition est chronologique et les premières toiles exposées datent de 1953. Jusqu'au début des années 1960 son travail s'inscrit dans la veine de son époque : l'expressionnisme abstrait. Dès l'entrée de l'exposition un magnifique tableau jaune : Arcueil Yellow, de 1956, donne le ton de cette belle période (photo 1). La tension qui se crée entre les masses blanches ponctuées de rouge et de vert qui ancrent le tableau dans le bas de la toile et celles qui s'échappent dans le haut exalte les jaunes de l'ensemble. Difficile de s'arracher à sa contemplation. Voici quelques autres beaux exemples : dans la richesse des couleurs utilisées, la liberté de la touche de Sans titre de 1952, on sent l'influence que les Nymphéas de Monet ont exercé sur l'artiste (photo 2). La vigueur du mouvement ascendant de l'ensemble construit par la couleur : brun vert, noir dans le bas du tableau, bleu, jaune, blanc dans le haut rappelle certaines toiles de Joan Mitchell.

Le grand tableau horizontal Which in the world de 1957 ne la quittera jamais et demeurera toujours dans son atelier, tournée contre le mur, sous un empilement d'autres tableaux (photo 3). Son titre métaphysique que l'on peut traduire par "Quoi dans le monde" serait-il une célébration dionysiaque de la beauté du monde et la forme jaune qui en occupe le centre au milieu d'un foisonnement de couleurs la représentation de l'artiste elle-même.

Les grandes masses colorées de Crasy Jane Appomattox de 1956, où dominent les verts et East meets West, circa, de 1962 où les bruns prennent le dessus évoquerait-ils certains paysages grandioses et sauvages des Etats-Unis ? L'Appomattox est en effet le nom d'une rivière située dans l'état de Virginie et celui d'un des peuples algonquins.

A partir des années 1965, les formes s'organisent et un semblant de géométrisation se met en place. Deux tableaux, tous deux appelés Sans titre, l'un de 1963-68, l'autre de 1965 en sont de bons exemples. Dans le premier les couleurs remplissent les formes (carrés, rondes ou lignes) et s'emboîtent plus qu'elles ne se mélangent (photo 4). Dans le second une forme ovale, partagée en 4 parties par un axe fait de deux faisceaux qui se croisent en son centre, occupe toute la toile (photo 5). L'ensemble, vivement coloré, parait animé d'un mouvement giratoire, comme dans une vision kaléidoscopique. Le tout est vibrant, chatoyant, vivant et très organisé.

Peu à peu Shirley va redéfinir son approche picturale : abandonnant le lyrisme gestuel elle adopte alors une abstraction géométrique rythmée et colorée qui caractérisera son œuvre jusqu'à la fin. L'extérieur devient sa source d'inspiration principale "Je crois, disait-elle, que les peintures sont influencés par les choses qu'ils voient au quotidien, même si leurs tableaux n'appartiennent pas à quelques chose de visiblement réel". Boulevard Montparnasse de 1968 est un bon exemple de cette nouvelle manière (photo 6). Des triangles turquoise, marron, bleu ou violet, très aigus s'animent sur un fond rose bonbon ou jaune tandis qu'une bande segmentée par des couleurs variées semble défiler, en sens inverse, dans le bas du tableau. Tout swingue mais harmonieusement. Si dans New York, peint en 2001, le paysage urbain est peu perceptible on y retrouve le quadrillage de la ville, son élan vers le haut et surtout sa vitalité (photo 7).

Pour elle, le blanc ne constitue pas le fond du tableau sur lequel des formes colorées viennent s'inscrire, c'est une couleur à part entière qui en recouvrent souvent d'autres pour en créer de nouvelles. Dans Sailing (navigation) de 1985 par exemple, des formes variées suggèrent un chaos agité à droite de la toile tandis qu'à gauche, sur une vaste zone blanche, apparaissent de grands objets ondoyants, l'un jaune, l'autre noir. Tout tangue dans cette oeuvre (photo 8). Il en est de même dans de nombreuses toiles des années 1980/90 : citons le joyeux High seas de 1984 ou le lumineux Blue around the center de 1990. Les couleurs sont toujours franches, bien circonscrites dans une forme. L'artiste n'hésite pas à les juxtaposer avec audace et à jouer sur les contrastes du noir et du blanc.

Ecritures ou signes, les tableaux de Shirley Jaffe se couvent d'idéogrammes qui se combinent et s'entrecroisent. A titre d'exemple notons la série sur papier pour laquelle l'artiste reprend en 1987 des titres des années 1930 : Sans titre, Circa, 1987 (photo 9). Les éléments virevoltent, se bousculent, s'entrecroisent et si ces composition semblent guettées par le chaos, il n'en est rien. Tout se tient.

Au croisement de plusieurs héritages Shirley Jaffe sut trouver son propre style tonique et coloré "Je ne veux pas d'une beauté lyrique" disait-elle et elle ajoutait : "On pourrait dire que je cherche à saisir une réalité à naître". Vous l'aurez compris, il serait dommage de passer à côté de cette exceptionnelle et vivifiante exposition dont l'accrochage très bien pensé est remarquable.

Shirley Jaffe, une américaine à Paris - Centre Pompidou - Place Georges Pompidou, 75004-Paris. 4ème étage (monter au 5ème et redescendre par l'escalier intérieur) de 11 à 21h tous les jours sauf mardi. Jusqu'au 29 Août.

Buraglio chez Balzac (par Sylvie).

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Voilà deux noms et deux bonnes raisons d'aller sur la colline de Passy, dans le XVIème arrondissement de Paris. C'est sur cette butte, rattachée à Paris en 1860, que Balzac s'est installé en 1840  et a vécu jusqu'à sa mort dix ans plus tard dans une dépendance de l'hôtel particulier du 47 rue Raynouard. L'ensemble est devenu musée municipal en 1949 et s'étend aujourd'hui sur trois niveaux. Le jardin/salon de thé donne

à voir la tour Eiffel, diverses luxueuses terrasses arborées (photo 1) et l'étroite et pentue rue Berton en contrebas où la pierre indiquant la limite entre Passy et Auteuil est toujours là. Le monde a changé mais l'antre de l'écrivain - son fauteuil et sa modeste petite table, comme sa très prétentieuse canne à pommeau d'or et de turquoises - ainsi que les très nombreux documents, révèlent la personnalité de l'immense écrivain et de sa prolifique "Comédie humaine".                                                                                                 

Pierre Buraglio est peintre et dessinateur d'origine italienne, né à Charenton Le Pont en 1939. Grand lecteur, il a été choisi par les instances du musée pour l'empreinte balzacienne de  son oeuvre. Son profil correspondait au prix Balzac, né en 2021, pour la mise en valeur des lieux. Et le quartier, qui a subi de nombreuses transformations, lui a rappelé sa propre maison familiale du Val de Marne qu'il évoque là par quelques détails, une silhouette toute en hauteur, une cheminée (photo 2). Cet artiste s'est fait connaitre dans les années 60 autour du mouvement "Support-Surface" qui remettait en question les supports traditionnels. Il est un habitué des va et vient entre art et littérature, entre réalité et projet. Féru de la fresque balzacienne, de sa richesse et des tâtonnements de l'auteur, il s'est trouvé une affinité de travail, oeuvrant " avec, d'après  , autour.." dans une approche poétique ou humoristique mais toujours admirative de l'écriture, de la conception romanesque et de l'universalité des thèmes. Parmi les oeuvres réalisées expressément pour l'exposition figurent des dessins plus anciens, parfois retouchés, devenant autres.

Les trois fusains sont des croquis de la fameuse sculpture de Balzac par Rodin, conçue en 1898 et qui a trouvé sa place dans les années 30 au carrefour des boulevards Montparnasse et Raspail. Buraglio a capté en quelques traits brefs l'ampleur, le mouvement et la force de vie du personnage  Et, de ce dessin "d'après", il a fait l'objet d'une proposition de page de couverture de "La comédie humaine". Rien ne se perd. (3)

La partie inférieure du "portrait du regardeur caché" (4) suscite l'imaginaire, Au spectateur - autre regardeur - de compléter mentalement ce portrait clin d'oeil. De même le visage sans traits de l'homme cravaté de bleu (4 bis) est un vide actif,  anonymat figuratif associé au nom d'Emmanuel Bove, il renvoie à un écrivain d'une sensibilité extrême dont le héros tend à s'effacer.. Buraglio homme de culture...

Dans l'installation "Traité de la vie élégante" (5) une série de cravates suspendues, assemblées, d'une potentialité picturale évidente, côtoient une pseudo page de l'ouvrage, tel un mode d'emploi de cet accessoire de mode pour tous. Dans le grand vide des deux visages(6) se devine la société entière. L'oeuvre est surmontée d'une citation de Balzac manuscrite:" Ni le peintre, ni le poète, ni le sculpteur ne doivent séparer l'effet de la cause qui sont invinciblement l'un dans l'autre" (in Le chef-d'oeuvre inconnu").Balzac,

L'exposition présente quelques brouillons de Balzac, les épreuves d'imprimerie diaboliquement chargés de corrections ( 8, à droite) d'un perfectionniste à la recherche de justesse . De là l'intérêt toujours plus grand pour les multiples personnages de ses romans. On raconte que certaines épreuves furent renvoyées sept fois. De la destruction peut naitre la création. Avec ses assemblages, agrafages, camouflages, masquages et caviardages qui ont fait sa marque de fabrique, le peintre s'inscrit fort dans les pas de l'écrivain, preuve à l'appui : Dans  le "Memento caviardé" ,1990 (9, à gauche), le gribouillé cache les rendez- vous passés mais les laissent latents. Ces deux espaces simultanés signent le passage du temps.  Ah qu'il est difficile de faire table rase du passé !

Oui, Buraglio et Balzac font bon ménage sur la 13ème colline de Paris.

 

Buraglio à l'épreuve de Balzac,  à la Maison de Balzac, 47 rue Raynouard, 75016 Paris. Jusqu'au 4 septembre.

Sophie Calle au musée d'Orsay (par Régine)

Le charme très particulier des installations de Sophie Calle opère une fois encore avec celle intitulée "Les fantômes d'Orsay" qui occupe actuellement deux salles du musée. Sur un mode distancié et plein d'humour il y est question, comme toujours dans ses œuvres, de disparition - celle de l'ancien hôtel d'Orsay - et d'absence - celle de tous ceux qui l'ont hanté -.

Le bâtiment de l'actuel Musée d'Orsay érigé en 1900 sur les ruines d'un palais brûlé sous la Commune, était composé d'une gare et d'un hôtel destiné à accueillir les visiteurs de l'exposition universelle. En 1958 le trafic ferroviaire disparait et en 1973 l'hôtel ferme définitivement ses portes. Quatre ans plus tard il est officiellement décidé d'en faire un musée et en 1979 les travaux commencent. L'année précédente, en 1978, Sophie Calle a 25 ans ; elle revient des Etats-Unis, flâne en bord de Seine, passe devant l'hôtel déserté. Elle aperçoit une petite porte, la pousse et entre dans un grand hall majestueux, silencieux et vide.

Elle grimpe au 5ème étage et se choisir une chambre à l'abandon, la 501 (photo 1).

Pendant plus d'un an elle y passe le plus clair de son temps, éprouvant au plus fort d'elle-même la désolation du lieu. Elle prend des photos, rassemble des documents abandonnés (fiches des clients, relevés de gaz, cahiers remplis de chiffres, notes adressées à un employé de l'hôtel nommé Oddo) (photos 2-3-4), des objets dépareillés et rouillés (numéros des chambre en métal rouge émaillé, serrures, clefs, douilles de lampes, vieux téléphone) (photos 5-6) qu'elle rapportait chez elle dans une valise.

Quarante deux ans plus tard, lorsque Donatien Grau, le chargé des contrepoints contemporains au Musée d'Orsay, invite l'artiste à visiter le musée en plein confinement nait l'idée d'utiliser tout ce matériel pour réaliser une installation faisait revivre les fantômes du passé.

Exhumer tout ce matériel qu'elle a collecté à l'époque relève clairement pour elle du domaine de l'archéologie. Avec le culot dont elle fait toujours preuve, elle n'hésite pas alors à faire appel à un archéologue de haut vol, Jean-Paul Demoule, fondateur de l'Institut National de Recherches Archéologiques. Elle lui demande de s'associer à son projet et d'en écrire les commentaires. Celui-ci a alors l'idée géniale de se dédoubler et de faire deux types de textes. Dans l'un chaque objet ou document, décrit très minutieusement, donne lieu à une approche scientifique ; dans l'autre, un supposé archéologue du futur, constatant que tout ce matériel appartient à une civilisation désormais disparue, s'amuse à donner des interprétations délirantes, pastichant celles faites lors de découvertes archéologiques. Ces deux textes, le premier imprimé en noir, le deuxième en bleu accompagnent les reliques de l'hôtel et les photos prises à l'époque par Sophie Calle exposées en enfilade tout autour de deux petites pièces du musée.

C'est ainsi que deux fauteuils installés côte à côte dans une chambre dont le délabrement été scrupuleusement décrit dans le premier texte, se transforment dans l'autre en deux trônes portant des motifs sacrés, leur proximité suggérant l'existence d'un couple royal (photo 7). S'agirait-il alors ici de la salle du trône d'un roi ou d'un empereur ?....

Un chapelet de douilles d'ampoules électriques dont la description dans le premier texte est traitée avec une perfection et une minutie toute scientifique et qui prête à sourire devient, dans le deuxième texte, monnaies d'échange, tels les cauris ou coquillages dans les sociétés primitives (photo 8).

Commentant la photo d'une salle de bains saccagée prise par Sophie Calle, le texte en noir est volontairement froid, distancié, sans affect mais c'est l'étrangeté du dispositif de la tuyauterie qui intrigue notre archéologue du futur dans le texte en bleu (photo 9). S'agirait-il d'un moyen de communication avec l'esprit d'Oddo, ce personnage qui hante les lieux et qui était probablement le factotum de l'hôtel ?

La présence du passé sert ici, comme dans nombre d'œuvres de Sophie Calle, de point de départ de cette installation. Les objets collectés, les photos prises par l'artiste et ici exposés permettent de constater, avec effroi, la rapidité avec laquelle le temps fait son travail. En à peine 10 ans l'intérieur de ce bel hôtel est cassé, pillé, sali. La quête des traces du passé serait bien nostalgique si elles n'étaient pas accompagnées du plaisir éprouvé à la lecture des commentaires débordant d'humour de Jean-Paul Demoule. De la rencontre de ces deux sentiments contradictoires, de cette façon de nous inciter à regarder les choses à distance, jaillit la poésie.

Sophie Calle et son invité Jean-Paul Demoule "Les fantômes d'Orsay" . Musé d'Orsay - Esplanade Valery Giscard d'Estaing, 75007-Paris. Jusqu'au 12 Juin.

Impression bouquets (par Sylvie)

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En quelques semaines, des sujets floraux, figuratifs, se trouvent exposés simultanément dans des galeries parisiennes d'orientation habituellement  contemporaines. De quoi nous étonner nous, decrypt-art, profondément "abstractophiles". Comment et pourquoi la peinture de fleurs, les bouquets en particulier, sujet traditionnel par excellence, pouvait elle encore relever de la problématique picturale dans notre XXI ème siècle tourmenté?  Nous avons vu les natures mortes de Lovis Corinth chez Karsten Greve, les gros plans de Denis Laget chez Etc et les semis de Damien Cabanes  chez Eric Dupont. Tour d'horizon.

Lovis Corinth (1858-1925) est allemand. Arrivé en 1884 dans un Paris bouleversé il s'est frotté à l'académisme des Beaux-Arts mais la liberté de geste et de couleur de Cézanne et Van Gogh l'ont convaincu. Ses natures mortes (1915 -1925) ( extraites de la collection privée Karsten Greve) reflètent la complexité d' un travail, pris entre la tradition et la modernité, les maîtres hollandais et les impressionnistes, l'émerveillement et l'anxiété. Ici  se mêlent, sur un fond terne, l'énergie vitale de chrysanthèmes blancs, à droite, un foisonnement multicolore compact au centre et, à gauche, deux tiges fleuries basculant. Pichet et fond sont balayés d'un même mouvement tournant et vibrant. L'équilibre de l'ensemble en fait une représentation extrêmement décorative néanmoins expressionniste. La peinture allemande est plus tragique qu'insouciante. (photo 1).

Celle de Denis Laget - né en 58 - toute aussi mouvementée, a été exposée récemment à la galerie Etc. Ses petits tableaux à l'huile sur toile, bouillonnants et sombres de 20x20cm faits de gros plans au médium épais, sans cadre, nous a mis le nez dans une matière-fleur vénéneuse ou meurtrie. Qu'ils aient été exposés aux côtés de grandes encres dépouillées, toutes en silence et lenteur de Claire Chesnier, n'en faisait que mieux voir la pourriture. (2)

Damien Cabanes - né en 59- est à la galerie Dupont jusqu'au 23/04/2022.       Ses semis de fleurs ou de fragments de fleurs se dispersent joyeusement sur de grandes toiles suspendues et sans cadre, comme de fugaces apparitions. Telles les "anthropométries" d'Yves Klein, la tulipe et sa pétale légère, détachée de la tige, m'ont paru flotter dans l'espace. (3)

 D'hier à aujourd'hui, d'autres oeuvres témoignent de la persistance du sujet fleurs dans l'histoire de l'art, des techniques picturales, de l'Histoire elle même et... de sa similitude attribuée avec la condition humaine.

 Sans remonter  trop loin en arrière, les "Tournesols"(1888) de Van Gogh, leur puissance chromatique et leur simplicité formelle font presque oublier que chacune des fleurs qui composent le bouquet est à un stade différent d'évolution, véritable personnification végétale de l'homme et métaphore, si l'on veut, du temps qui passe. (4)  

Rien de comparable chez Bernard Buffet  - 1928-1999 - qui, dans les années 50, a bousculé la société par ses tracés noirs, rigides et austères. Ce misérabilisme est palpable dans ses toiles et ses nombreuses lithographies où bouquets et fleurs griffues à l'extrême et aux couleurs peu nuancées reflètent un profond pessimisme. La chair est triste!  (5)                                

Son contemporain américain, le maître du Pop-Art, Andy Warhol - 1928- 1987 -  a pris le devant de la scène et rendu obsolète la convention "pas de fleur sans vase". Sa série phare, les "Flowers" (1964) (6)

                                            

reste emblématique: les gros plans de pavots (?) stylisés et répétés, uniformes dans des couleurs parfois dissonnantes mais toujours saturées, résultent de la manipulation de l'image et de sa reproduction mécanique. Elles sont la gaité même et pourrait bien avoir puisé leur origine dans les papiers découpés de Matisse, l'impressionniste. Pas sûr cependant qu'elles traduisent vraiment la nature dans sa beauté et sa fragilité..                                             

 Les immenses toiles de pivoines éclatantes, alignées, courbées sous le poids de l'eau qui les imprègne me paraissent bien  l'image, entre équilibre et chute,  de la condition humaine. Cy Twombly - 1928-2011 - l'américain nourri d'histoire de l'art, les a peintes peu avant sa mort. "Blooming" (2007), par l'intensité des couleurs, est une célébration de la vie. Les coulures participent de l'impression de poids et d'effacement progressif.(7)

Oui,la fleur demeure un motif qui s'impose encore au XXIème siècle. Elle témoigne de l'éternité du sujet et de la richesse expressive des artistes. Je n'en citerai que quelques uns qui m'ont particulièrement touchée.                                                                                                  Philippe Cognée - né en 57 -    Ses amaryllis et  pivoines sont bouleversantes de beauté et de suggestivité. Les toiles, peintes à la cire puis repassées au fer et floutées par arrachage de matière, atteignent un degré de réalité charnelle que l'on croit pouvoir toucher. "Carne de fiori" chairs de fleurs, titrait leur exposition à la galerie Templon en 2019. Magnificence par les couleurs, le velouté, la puissance suggestive des gros plans glorieux ou déjà chancelant laissant voir des interstices mystérieux. Toute la chair humaine est là, sa beauté, sa décadence. Pas seulement un exercise de peinture. (8)                                                                        Miguel Barcelo - espagnol né à Malaga en 57 -  est à la fois peintre, sculpteur et céramiste. De sa découverte de l'Afrique sont nées des oeuvres entre tradition et modernité dans lesquelles la céramique tient une place de choix. De ses poteries ventrues comme des femmes enceintes émergent des formes souples qui rappellent le végétal ployant sous le soleil. C'est le bouquet! (9)

Le monde change, les façons de voir aussi. Kapwani Kiwanga - née au Canada en 1978 - a obtenu le prix Marcel Duchamp pour ses compositions éphémères comme réflexion sur le temps et l'histoire. Miguel Chevalier - né en 59 au Mexique expérimente un nouveau langage pictural à travers le numérique et le virtuel: ses fleurs fractales naissent, s'épanouissent et meurent aléatoirement.(10)..   

 Autre signe des temps, le quotidien Le Monde a clos, voilà peu, quelques uns de ses suppléments hebdomadaires par des photos de belles compositions florales de Simone Googh, jusqu'au simple ébouli de mimosa, pour en souligner la diversité et l'art de les composer en fonction de la pièce qui les recevra: la cuisine par exemple pour du télétravail. De quoi donner envie de perpétrer cette nouvelle habitude par un apport floral qui, je cite John Tebbs l'auteur du papier :"... apporte une touche de couleur, un repère quant à la saison et un rappel, de par la beauté éphémère des fleurs, que celle-ci passera elle aussi."

Damien Cabanes, galerie Eric Dupont, 138 rue du temple, 75003. Tel  [phone], jusqu'au 23 avril.

Lovis Corinth, galerie Karsten Greve, 5 rue Debelleyme, 75003. Tel [phone], juqu'au 21 mai.