Un peu de provoc place Stravinsky ( par Sylvie)

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On a toujours envie de profiter de Paris, plus encore pendant le confinement qui nous frustre de tout musée et de bien d'autres visites. Reste les balades. Elles abondent dans la ville. 

La place Stravinsky, dans le 4ème arrondissement, était un peu endormie lorsque j'y suis passée. Ciel gris, plus clair quand même que l'église Saint Merri ( ou Saint Merry ) au nord, qui semble ne pas avoir été ravalée depuis son édification au XVIe siècle, peu de passants, restaurants en bordure fermés.. Le bassin central n'a plus d'eau et les sculptures qui d'habitude l'animent sont immobilisées. Malgré cette mise en sommeil, le lieu garde une étrange gaité faite de contrastes surprenants, comme un résumé de l'Histoire et de la nature humaine, mélange complexe, hétéroclite dans ses formes, ses couleurs, ses époques, son art de vivre et ses cas de conscience.

De Saint Merri, pur gothique flamboyant, construite entre XVe et XVIe siècle sur le même plan en plus petit que Notre Dame, se voit le chevet, courant d'est en ouest sur 70 mètres et laisse deviner dans les structures enchevêtrées de l'architecture, de multiples vitraux. Si la curiosité vous y pousse, allez admirer rue Saint Martin la façade occidentale aux statues d'apôtres et d'animaux et, à l'intérieur, les œuvres de grands maîtres et les vitraux Renaissance.

Mais revenons place Stravinsky. A droite de l'église, sur le mur arrière d'un immeuble s'affiche un gigantesque portrait blanc sur toute la hauteur. Regard et doigt sur la bouche sont comme une injonction au silence. Intitulé "Chuuut", il intimide et interroge. Qui est-ce, que veut-il dire ? Libre à chacun d'imaginer. Selon l'artiste lui-même, cet autoportrait est plus une invite à écouter les autres et le monde qu'une demande de silence. Autant l'église dans son âge, sa majesté, sa beauté architecturale, affirme sans l'ombre d'un doute sa légitimité, autant ce pochoir démesuré de 2012 à la gestuelle impérative et effaçable, signe notre temps, le vivant et le populaire, et ses influences dont la bande dessinée et l'affiche, tout le contraire de la pérennité...Il est signé en bas à gauche Jef Aérosol ( né en 1957), un grand nom du street-art, l'art urbain, mouvement artistique et mode d'expression spontané et rebelle, qui s'est affirmé dans les années 60 en s'inscrivant dans l'espace public. Art éphémère par excellence, il pourrait bien avoir pour ancêtre l'art pariétal, la bombe de peinture automobile étant à l'origine le nouveau médium de ce travail subreptice. Controversé puis admis et enfin reconnu comme art, il a sa place dans les grandes expositions tout en gardant parfois son rôle de porteur de messages publics. Dans le confinement mondial, les italiens ont, parait-il, graffité leurs villes d'un slogan "Tutti a casa"". Vous avez compris: "Tous à la maison".

Presque accolé à "Chuuut" et d'une présence aussi forte avec sa couleur bleue et son graphisme symboliste, un autre motif, encadré comme un tableau, arrête le regard. Il est l’œuvre de Obey (né en 1970), artiste américain bien connu pour avoir réalisé lors de la campagne présidentielle des USA en 2012, l'affiche "Hope" représentant Barak Obama. Ici les personnages, le livre, la fleur, composent une sorte de portrait dont  la fleur serait la chevelure, la tige l'arête du nez, et les draperies verticales les contours d'un visage très christique. En bas est inscrit  "Connaissance + Action = Puissance" et sur le livre "Le futur n'est pas écrit". Ce questionnement universel emprunte à toutes les imageries philosophiques : lotus et mandala asiatiques, croissant mauresque, enluminures moyenâgeuses et draperies Art nouveau. Il a la puissance d'une volonté d'ouverture au monde contemporain. Preuve de sa modernité avérée, une "Marianne" peinte par Obey après les attentats du 13 novembre 2005 figure maintenant à l'Elysée.

Un dernier coup d’œil à la façade s'impose. Derrière les tuyaux de chauffage dressés comme des tubas géants, Space Invader (né en 1969) a collé ses mosaïques rouges, noires, blanches, 447 carreaux sur 9 m de haut et 7 de large, une gamme qui pourrait bien être un clin d’œil au Centre de recherche de musique contemporaine (l'IRCAM) tout près. Invader marque son territoire dans la ville et se laisse repéré par la pose, souvent au coin des rues, de ses petits carrés qui forment plus ou moins figures..

N'allez pas chercher les noms véritables de ces artistes, ils sont fabriqués et permettent le mystère de l'anonymat derrière des œuvres caractéristiques.

Sur ce fond de décor, au centre, prend place le "Fontaine des Automates", réalisée en 1983 par le couple Jean Tinguely (1925-1991) - Niki de Saint Phalle (1930- 2002), deux artistes du Nouveau Réalisme qui ont marqué l'histoire de l'art. Leur complémentarité, l'un la technique du mouvement, l'autre la sensualité des formes et de la couleur, réussit l'exploit de nous fasciner, de nous enchanter, que nous soyons adultes ou enfants. Cette commande publique ressemble à un champ de fleurs. Les 16 sculptures multicolores en résine, animées par des éléments mécaniques et plantées sur 580m2, offrent un éblouissant spectacle en référence à des œuvres du compositeur dont la place porte le nom : la sirène, la vie, l'amour, l'oiseau de feu... Statiques aujourd'hui comme la nature qui hiberne en hiver, elles fonctionneront à nouveau après la pandémie, attirant autour des tourbillons de jets d'eau, une foule bigarrée qui viendra, comme moi, s'asseoir sur les bords de ce manège enchanté qui n'a finalement pas d'âge, aussi rayonnant que l'église Saint Merri ou la musique audacieuse d'Igor Stravinsky, compositeur russe (1882-1971) honoré sur cette place, ou l'art urbain qui fait chœur avec lui.

Difficile de quitter des lieux aussi riches, à l'écart de la circulation. Il suffit pourtant de se retourner: on est adossé au Centre Pompidou, musée d'Art Moderne et contemporain des architectes Renzo Piano et Richard Rogers. Ouvert en 77, il est toujours commenté pour ses matériaux - le verre et l'acier - ses escaliers chenilles et les couleurs de ses tuyaux apparents. On peut contempler cette étrange façade de 42m de haut et 166m de long, sur la piazza pentue et pavée à ses pieds, s'y asseoir, s'allonger, discuter, pique-niquer et parfois hélas, faire la queue pour entrer dans ce lieu de culture et de vie qui fut qualifié d'usine à gaz par certains et de prouesse par d'autres.

Le plateau Beaubourg, qui fut jadis un ilot insalubre, s'est refait une aura : église, fontaine, œuvres graffitées et architecture révolutionnaire  prouvent qu'un peu de provoc ne nuit pas. Profitons en !

Deux critiques d'art : Jacques DUPIN et Daniel ARASSE (par Régine)

Le confinement peut avoir du bon. Il offre l'occasion de lire ou de relire des textes laissés de côté ou oubliés. Ainsi, en fouillant dans ma bibliothèque ai-je retrouvé deux ouvrages sur l'art dont les auteurs, aujourd'hui disparus, sont Jacques DUPIN, poète, grand expert de l'oeuvre de Miro, intitulé PAR QUELQUE BIAIS, VERS QUELQUE BORD (P O L 2009), l'autre Daniel ARASSE, grand spécialiste des XIV au XVIème siècle italien, ancien directeur d'études à l'Ecole des Hautes Etudes, intitulé ANACHRONIQUES (Gallimard 2006).

Ces deux ouvrages compilent nombre de textes, articles parus dans la presse ou dans des catalogues sur des artistes du XXIème siècle. Les relisant, ce qui ma captivée c'est leur façon différente d'aborder une oeuvre : Jacques DUPIN n'est pas vraiment critique d'art, mais poète et c'est en tant que tel et avec toute sa sensibilité qu'il aborde les oeuvres. Daniel ARASSE fut professeur d'université et son langage, tout aussi sensible et intelligent, est celui d'un didacticien.

J. DUPIN ne fait pas de discours savant sur la peinture, mais il nous fait ressentir ce que lui-même a éprouvé en regardant telle ou telle oeuvre. Il ne décrit pas, mais nous fait participer à sa méditative déambulation et partage avec nous les émotions qu'il éprouve ; son écriture nous permet d'entrevoir le processus même de la création.

En voici quelques exemples. Dès le début de son texte sur Pollock, La part du lion, DUPIN nous plonge dans les tourments intérieurs de l'artiste cherchant sa voie, explorant différentes pistes pour trouver la façon la plus forte de traduire en peinture ce qu'il veut dire et enfin l'arrêt des tâtonnements vers "l'Ouverture immense" et l'auteur nous montre Pollock en action prenant possession de la toile et faisant surgir l'espace même de la peinture.

Dans son texte sur Michaux intitulé Contemplation dans l'action il nous entraîne dans cet "espace où l'homme est présent dans sa contradiction et son déchirement". Il s'interroge pour essayer de comprendre comment Michaux a la fois déploie cet espace et le creuse, et formule dans un langage précis et sensible, ce que nous éprouvons en regardant les oeuvres de cet artistes sans pouvoir l'exprimer.

Après avoir souligné la spécificité de Max Ernst "ce voyageur de l'imaginaire" par rapport au mouvement surréaliste et noté ses "fameuses inventions, collages, frottages" DUPIN nous emmène en Amérique pour évoquer la découverte par l'artiste de l'art indien "De cette confrontation de deux sensibilités venues de pôles opposées l'artiste a su créer, nous dit-il, des oeuvres exprimant une réalité universelle et totalement intemporelle.

Et si l'ouvrage s'ouvre sur un poème consacré à l'oeuvre de Malevitch, les titres des articles sur tel ou tel artiste en suggèrent le contenu, ainsi pour Jean-Paul Riopelle c'est "Suite forestière", pour Alechinski "L'encre du volcan", pour Francis Bacon "Corps à corps", pour Pol Bury "les pièges de la lenteur" et ainsi de suite par la trentaine d'articles qui composent l'ouvrage.

Anachroniques est le titre que Daniel ARASSE a donné à l'ouvrage qui réunit une dizaine d'articles consacrés à des oeuvres qui, dit-il, "travaillent à un enchevêtrement de temps, qui contredisent un temps pur, un temps n° 1 strictement contemporain".

La plupart des chapitres commencent par la description minutieuse de ce que l'auteur a sous les yeux, car savoir regarder est la clef du déchiffrement ; il analyse ensuite sa réaction intérieure devant l'oeuvre et énumère les questions qu'elle pose. Après ce travail l'interprétation peut avoir lieu.

Attardons nous par exemple sur Les transis, article consacré à Andres Serrano. Plusieurs photos de cette série prises à la morgue sont décrites avec une distance que leur horreur impose, puis suivent les question : "Que nous fait-il voir, que me propose-t-il qu'est-ce qu'il me veut, que cherche-t-il ?" et la suite de l'article consiste en tentatives de réponses à ces question, toutes plus éblouissantes les unes que les autres. En historien de l'art, il rapproche les photos de Serrano de certains tableaux néo-classiques ou de certaines peintures baroques. Il montre qu'en utilisant la photo Serrano fait oeuvre de Peintre.

"De mémoire de tableaux" est un long article sur Anselm Kiefer. Comme le précédent, il débute par la description du spectacle qu'offre la substance des tableaux de cet artiste et souligne le va et vient qu'ils imposent devant eux. Il les décrit comme "une géologie où des couches superposées et sédimentées auraient été animées et bouleversées par les mouvements d'une puissance imposable, maintenant figée et puis de très près, des surprises locales lèvent d'autres question". Il note que ces images sont hantées par les mots. Au cours de son interprétation il va inscrire brillamment ce travail dans le temps humain en nous montrant que les thèmes de Kiefer touchent presque toujours aux rapports entre mythe et histoire et qu'en fabricant plus qu'en peignant ses oeuvres, l'artiste est le cousin lointain de l'homo faber.

L'article "Les miroirs de Cindy Sherman", écrit à propos d'une exposition qui lui a été consacrée à Bordeaux en 1999, démarre par l'injonction "Il faut courir voir cette rétrospective" et plus loin "il faut aller regarder cette oeuvre " sans le filtre des nombreux textes théoriques écrits à son sujet. Et la suite du texte consistera en la tentative de débarrasser l'oeuvre de cette gangue de textes pour en dégager la singularité. S'appuyant sur des exemples précis son propos est nourri de références à l'histoire de l'art et à la psychanalyse.

D'autres chapitre suivent, tous aussi éclairant, notamment sur Beckmann, Rothko, Michael Snow et d'autres artistes plus ou moins connus.

Les titres de ces ouvrages sont révélateurs de la différence de point de vue de leurs auteurs. si Anachroniques sont les oeuvres des artistes dont il est question dans le livre de Daniel ARASSE, anachronique est aussi l'attitude de son auteur qui, en tant que spécialiste de l'art de la Renaissance italienne, peut se permettre de créer des liens entre l'art contemporain et celui des siècles antérieurs. Par quelque biais, vers quelque bord, c'est ainsi que Jacques DUPIN commente poétiquement son attitude face à la peinture. Période de confinement ou pas, on a toujours intérêt et plaisir à relire ces grands auteurs qui nous rappellent qu'il y a plusieurs façons d'aborder les oeuvres contemporaines. La finesse et la sensibilité de leurs analyses nous incitent à regarder et à ressentir plus intensément l'art de notre siècle.