Philippe COGNEE (par Régine)

Voir l'exposition de Philippe Cognée à la Galerie Templon est une expérience captivante. On ne peut qu'être saisi par le beauté des tableaux exposés où dominent toutes les nuances du vert, du blanc, du rouge brique, où se télescopent opacité et transparence, profondeur et affleurement, où la matière somptueuse frémit.

On n'échappe pas non plus au trouble qu'ils provoquent : Pourquoi tant de fascination pour un thème aussi banal : en effet ce ne sont que façades anonymes de bâtiments dégradés, désertés par ceux qui les ont occupés. Pourquoi cette impression paradoxale de temps suspendu comme dans les toiles de Chirico et de déroulement inéluctable qui use et fait disparaître toute chose, de présence réelle très forte du sujet représenté et de son délitement, pourquoi ce constat froid et distancié du réel nous touche-t-il si fort ?

Cadrés très serrés, laissant peu ou pas de place au ciel ou à l'environnement immédiat, réduites à un jeu d'horizontales et de verticales, les constructions représentées offrent leurs façades décrépites au spectateur et leur solitude serre le coeur.

En voici quelques exemples tous peints en 2012 : En perspective rapprochée l'ancien atelier intitulé "Brasilia" (175x 280), (photo 1) impose avec force sa présence massive. Des lignes noires quadrillent sa façade blanc délavé et s'y diluent. Sur le mur du bas quelques graffitis s'effacent. Le charme de la couleur vert céladon qui rejoint le bleu du ciel et la douceur de la matière du pignon aimante le regard et procure un plaisir irrépressible ; il faut lutter pour résister au désir de le toucher. Telles des fils d'une ancienne ligne électrique des parallèles courent au haut du tableau, élargissant l'espace. C'est d'une simplicité absolu et c'est magnifique.

Totalement frontale et plate la façade de "Brasilia 2" (153 x 153) (photo 2) allie somptuosité et déréliction. Somptuosité des couleurs comme noyées dans la masse, harmonie de leurs accords, profondeur noire des fenêtres à demi murées qui tels des yeux vous contemplent, donnant à cette pauvre maison un regard humain.

Est-ce par sa simplicité minimaliste, la forme de la baie horizontale, les lettres écrites sur son fronton que "Detroit" (115 x 145) (photo 3) évoque immédiatement Hopper ? Mais la lumière dorée qui baigne les oeuvres du peintre américain, le sentiment d'attente souvent éprouvé devant elles, ont fait place ici à une atmosphère grise et triste et à une impression d'abandon et de solitude.

Afin d'avoir un regard distancié et dépassionné sur la réalité, pour réaliser cette série, Philippe Cognée a cherche des images sur Internet "Elles n'appartiennent à personne, elles sont à tout le monde et je peux me les approprier" dit-il. Ainsi ces bâtiments ont été photographés au Brésil, au Mexique, aux Etats-Unis ou ailleurs. Peu importe.

Comme pour Richter la photographie est la base de son travail, comme lui il l'associe à une technique qu'il a mise lui-même au point. Tandis que le peintre allemand revient sans cesse sur le trop plein de peinture en la raclant d'un bord à l'autre, Cognée peint la photo, projetée agrandie sur une toile avec un mélange de couleurs et de cire ; sur cette peinture il applique un film plastique qu'il repasse avec un fer chaud et qu'il arrache. Si chez Richter les couleurs semblent se dissoudre et l'image se désintégrer à mesure que l'observateur s'en approche pour devenir quasiment abstraite, avec sa technique Cognée nous immerge dans la peinture. Il obtient une matière qui devient vivante, donnant chair aux images et conférant à ses tableaux l'aspect d'un monde en voie de disparition. Le temps et l'espace se rétractent et se dilatent et à l'inverse de Chirico où le temps est immobile, ici on voit l'effet du temps plus que le temps lui-même ; le vide n'est pas métaphysique mais existenciel.

L'image nette de la réalité donnée par la photo disparaît pour laisser place à un monde flou et insaissisable. Le flou, devenu représentation des temps modernes, est ici celui de l'effondrement de l'environnement, de sa désespérance. On pourrait lui opposer le flouttage pratiqué par Carole Benzaken qui dit le passage en vitesse du spectateur, son regard sur le paysage. Chez Cognée la surface se trouble et devient flottante, mouvante, tantôt dense comme une laque, tantôt douce comme une peau ou alvéolée et rugueuse comme du marbre rongé. Les couleurs tantôt sourdes, tantôt chatoyantes s'infiltrent les unes dans les autres. Les traits noirs qui de loin ont le velouté du fusain, de près deviennent brillantes comme du vernis. La réalité se découvre multiple, contradictoire, fuyante.

L'exposition se poursuit dans l'impasse Beaubourg par une série de portraits sur papier pour lesquel l'artiste a utilisé la même technique. Les personnages (photo 4 et 5), dont le regard fixe le spectateur, ont un visage et un corps à la fois mouvant et stable. Tout en demeurant insaisissable chacun affirme son individualité. La mobilité de leurs chairs labourées par la peinture montre leur vulnérabilité et annonce leur possible dissolution. Ils n'évoquent pas la souffrance comme les visages déformés de Bacon, mais mettent à nu leur humaine condition. Chaque être est unique, corps et esprit sont intimement liés, mais rien n'est fixe, tout peut disparaître.

Au centre de la galerie, à l'aide de petits cubes en marbre blanc de différentes tailles, l'artiste a installé une maquette de ville imaginaire (photo 6). Elle sera évidemment différente à chaque exposition. On y voyage dans un lieu à la fois connu, mais anonyme, étrange et on pense au film de Sophia Coppola "Lost in translation"

Par cette belle exposition, Philippe Cognée nous montre le dessous des choses et sublime la fragilité de la vie, la beauté de l'éphémère et de l'insaisissable.

Philippe COGNEE - Galerie Daniel Templon - 30 rue Beaubourg, et en face Impasse Beaubourg 75002-Paris. Tél : [phone].Du lundi au samedi de 10h à 19h. Jusqu'au 23 février.

 

Sol LEWITT (par Sylvie).

Les oeuvres de Sol LeWitt que présente Marian Goodman sont peintes à même les murs. C'est le propre des "wall drawings". Ils sont enchanteurs.

Au nombre de quatre, ils ont été conçus entre 1985 et 1994. On se sent petit poucet comme dans une cathédrale devant ces grands triangles assemblés de différentes couleurs qui dessinent des pyramides du sol au plafond, ou plutôt du plafond au sol, car le regard va instinctivement de haut en bas, de la pointe à l'assise, même si les perspectives semblent aussi diverses que celles d'un chapiteau dont on ferait le tour. Malgré leur rigidité et leur platitude, ces combinaisons rigoureuses d'éléments géométriques dégagent un charme captivant, et, placées côte à côte, si proches de lignes, de facture et de couleurs, laissent croire un instant qu'elles ne sont qu'une ou composées comme un ensemble. En réalité il s'agit d'une série. (Photo 1:Wall Drawing #457, double pyramide asymétrique, décembre 1985, doc.galerie Goodman).                                                                                                                                           Des questions viennent à l'esprit: où s'arrête chaque oeuvre, quel est le support puisqu'il a fallu les réaliser et les installer alors que l'artiste est décédé depuis 2007, où est la trace de sa main?

Le support c'est le mur, le mur seul, pas de toile, pas de papier et, bien sûr, pas de cadre. Facettes et fond sont peints au lavis d'encre, par couches successives, dans les tons jaune, rouge, bleu et gris, mouchetés, qui rappellent les fresques italiennes du Trecento dont LeWitt était féru, ayant vécu à Spoleto en Italie, près des oeuvres de Giotto. La technique n'est peut-être plus tout à fait la même mais pour obtenir la modulation des couleurs au rendu si doux et si profond, il a bien fallu appliquer des pigments sur un enduit frais ou, ce qui est probable, tamponner en multiples couches les murs à l'aide de chiffons mouillés et colorés. Ainsi l'oeuvre est partie prenante des murs et donc intransportable. (Photo 2, Wall Drawing 459#, lavis d'encre, décembre 1985).

Artiste conceptuel, Sol LeWitt a toujours conçu avec soin ses oeuvres, confiant l'exécution à d'autres. Les "wall drawings" ont été réalisés selon ses instructions par des étudiants et de jeunes artistes. Partant d' éléments formels simples et abstraits, il a pu réduire sa sublectivité et séparer la conception de l'exécution. Cette attitude nous étonne encore un peu aujourd'hui où les notions d'authenticité, d'originalité et de valeur sont encore bien présentes. La règle a longtemps voulu qu'une oeuvre d'art soit objet unique, produit par un seul individu, oubliant en cela la vieille tradition des ateliers de maîtres. LeWitt en a gardé l'esprit puisqu'il a autorisé une part de hasard, considérant que les erreurs et les imperfections des exécutants, à la surface du mur, faisaient partie de l'oeuvre. Les "wall drawings" combinent l'autonomie et l'intemporalité d'un motif abstrait avec la spécificité d'un lieu  (la galerie Goodman) et les contingences d'une installation particulière.

Sol LeWitt n'a cessé de créer des dessins muraux pendant plus de trente ans jusqu'à sa mort. Ils ont été réalisés dans différents endroits par des exécutants variés. Comme des estampes ou des photos elles se prêtent à la multiplicité. Théoriquement n'importe qui peut suivre les instructions donnés par l'artiste pourvu qu'il ait consciencieusement suivi le plan de l'artiste et choisi un lieu approprié. D'ailleurs ceux de la galerie sont à vendre.

 Sol LeWitt, souvent considéré comme le père de l'art conceptuel et minimal, nous force à réexaminer nos définitions de l'art et nos idées sur le rôle de l'artiste. En séparant la conception de l'exécution il a voulu parler à l'esprit plus qu'à l'oeil. S'il se dégage effectivement des dessins muraux une véritable spiritualité, on ne se lasse pas de regarder ces "Pyramides" majestueuses et tendres qui s'adressent, malgré tout, à l'émotion. On aurait tort de se priver d'une visite au Centre Pompidou-Metz où trente trois dessins y sont exposés jusqu'en juillet 2013.

Sol LeWitt, "Pyramides", auxquelles il faut ajouter, visibles au sous-sol, une sélection d'oeuvres imprimées, représentatives de l'évolution du style de l'artiste (Photo 3). Galerie Marian Goodman, 79 rue du Temple, 75003 Paris. Tel: [phone]. Jusqu'au 19 janvier 2013.